一番描いてはダメな漫画は「誰からも変だと思われない」作品。無難なトライをやめ、失敗作を世に出そう #240

SNSやアプリなどで、他者からの評価が簡単に得られる時代になりました。その影響か、初心者のうちから失敗を恐れ「誰からも変だと思われない作品」を出したがる傾向が強くなっています。マンガ専科で課題を出しても、すぐに出題意図を問われますが、意図に沿った作品を作ろうとしすぎるあまり、小さく綺麗にまとめることだけに意識が向かってしまうことも。それでは何も身に付かなくなってしまいます。島本和彦先生も作品内で「プロに必要なのは、駄作を作る勇気」と描かれていますが、この時代は初心者も同じこと。まだまだ荒削りなレベルで作品を誰かに見せるのは勇気が必要ですが、失敗を恐れず出すマインドセットこそ、漫画業界で成果を出すためには必要なのです。ありがちな「いい話」や「あるあるネタ」を描き、ちょっとしたいいねを狙いにいくという無難なトライばかりに終始することなく、もっと失敗を前提とした挑戦を繰り返していきましょう！

漫画における「面白さ」とは何か。一見すごく深い問い掛けのように思えますが、答えはシンプルに「意外性と必然性の組み合わせ」になるのではないでしょうか。意外性とは、もちろん予想外の出来事やオチのこと。必然性とは、納得感や「それ、わかるー！」という感覚のこと。自分で描いていて、どうも面白くないなと思ったら、この２つのバランスをぜひチェックしてみましょう。SNS漫画も「発見」か「あるある」、この両方が組み合わさっているとなおバズりやすいという法則性がありますが、これも意外性と必然性が生む結果です。物語のクライマックスも、予想を少し越えて欲しいという期待を持ちつつも、あまりに予想を越えすぎる展開だと「意外」とすら思えなくなってしまいます。想像できる範囲、という必然性がないと、面白さ以前に理解もできなくなってしまうのです。作品に物足りなさを感じたときは、意外性と必然性が足りない、あるいは、２つのうちのどちらか片方しかない、という可能性を疑ってみましょう。きっと面白い漫画の完成へと近づけるはずです！

描き文字でお悩みの方に朗報！ 描き文字が一瞬で身に付くコツが、実は2つもあるんです。1つは、コマの中に一番最初に描き文字を入れること。そしてもう1つが、カタカナを使うことです。まず描き文字が難しいと思う場合は、キャラや吹き出しを先に描いていて、「この隙間に、どうやって文字を描いたらいいんだ…？」と悩んでしまっている人が案外多いはず。描き文字はサイズとしては結構大きいだけに、コマの構図全体を決める際に最初に配置してしまいましょう。これだけで、かなり描きやすさが違うはずです。そして次に、描き文字にはカタカナを使うようにしてみましょう。カタカナは斜めの文字、特に右上から左下へと斜めにいく文字が多いため、勢いがつきやすくなります。この斜めの方向を上手く活かしてみましょう。もちろん、文字の方向には縦・横・斜めがあり、この３方向を組み合わせて良い感じにしていく必要があるのですが、方向を意識することが上手な描き文字への第一歩となるはず。というわけで今回は、描き文字について、マンガスクリプトDr.ごとうがアシスタント時代の経験を踏まえつつ、持論を展開していきます。

コマ割りで、１コマ１コマに対して全員が当たり前のように入れていると思っていたら、意外に入っていなかったもの。それが「演出意図」。特にプロットを文章で書くタイプの人ほど見落としがちです。物語の流れをコマに落とし込み、絵として表現しただけでは、プロットのままでしかありません。漫画家として１コマごとに読者の心をときめかせるため、どんな意図や工夫をしているか。それこそがコマ割りです。どのコマをみても「あ、いい絵だな」と読者に思ってもらえるよう、常に意識をしていきましょう。足し算もあれば引き算もあり、表情・仕草・背景など魅せ方はさまざまですが、プロの作品には「なんとなく」で描かれたコマは１コマもありません！逆にいえば、そこを頑張るだけで作品全体がだいぶ違った印象になるはず。今回はそんなコマ割りについて、しっかりと語ってみた回になっています。

皆さんは「物語をどこから始めるか」について、普段どこまで意識していますか。漫画は時系列通りにストーリーを並べる必要はないからこそ、どこから始めると一番作品として効果的なのか、ぜひ考えてみましょう。丁寧に描こうとする人・好きな漫画に倣って描こうとする人ほど、楽しい場面を中盤・後半に持ってきてしまう傾向が強いですが、漫画は楽しい場面やクライマックスから始まっても別にいいんです。描いている本人には少し違和感のある組み立てでも、読者にとっては「最初からそこがスタートの漫画」なので、全く問題なく読み進められます。特に、順序立てて組み立てすぎることで、楽しい場面に至るまでのプロセスを描く作業自体に「飽き」を感じているような人がいたら、ぜひ今回のお話を意識してみてください！

よく「自分は、叱られるより褒められるほうが伸びるタイプ」という人がいますが、ほとんどの人がそうではないでしょうか。褒められたことで、それを続けるようになった結果、上達していくからです。漫画を描く人たちも同じで、伸びているのは、楽しい・嬉しいからではなく、シンプルに描き続けているからこそ。だからダメ出しをされても、「自分なんかダメだ」と自己否定して描かなくなるのではなく、描き続けられる工夫ができるかどうかが大切です。そういう意味では、モチベーションを「高める」より、いかに「維持する」かを意識し、「描かないという選択肢を、いかに持たせないようにするか」を考えてみるのをおすすめします。というわけで今回は、描き続けるための意識の工夫について、お話ししていきます！

漫画を描く皆さんにあらためてお伝えしたい、基本中の基本。それはずばり「ストーリーを描かない」こと。ストーリーを描きたいからこそ漫画を描いてる方も多いと思いますが、一番意識しなければならないポイントです。なぜなら読者に応援されるのは、ストーリーではなくキャラクターだから。まずは読者に認知をされるキャラを造り、感情を描く。漫画を描くならこの順番です。好きな作品の印象的なストーリーや展開は記憶に残りやすいですが、なぜそれが面白かったかと思い返せば、応援したいキャラがいて感情があるから、と気づくことができるでしょう。というわけで今回は、多言語自動翻訳で多くの人に配信が届くようになったタイミングで、あらためて初心者向けの基本をお話させていただいた回となっています！

企業出展や出張編集部などでは訪れたことのあったCOMITIA。6月1日にマンガスクリプトDr.ごとうは初めて個人で参加し、おかげさまで完売（120部）することができました！というわけで今回は、初参加のCOMITIAで得られた知見や感想など、出展2日後の記憶が鮮明・体力はゼロの状態で振り返ってみる回となっています。読んでくれる方と直接出会うことで、作品を届ける意味を思い出すことができたり。漫画を描く人同士での横のつながり、偶発的な出会いを経験したり。そして、本で儲けを得ることの大変さを改めて実感したり。どれも当たり前のことかもしれませんが、実際にやってみたからこそのリアルな感情や体験談を（かなりフラフラの状態のまま）お届けしていきます！

どんなジャンルの漫画であれ、基本的には「自分とは違う人物」の感情を想像しながら描かないといけません。では、そういう想像力はどうすれば高められるのか？人の気持ちを知りたい、と思うことが第一歩ではありますが、それだけで身に付くものでもありません。「知りたい」ではなく「知らないとマズい！」と追い込まれるぐらいの気持ちが必要となるはずです。例えば、動物や小さな子どものような「話すことができない」相手。あるいは、めちゃくちゃ理不尽なことで激怒している人のような「話が通じない」相手。こういう相手との危機的な状況下での会話は、相手の感情をとにかく想像しながら話さないといけないため、鍛えられる可能性があります。とはいえ、そういった状況にわざわざ身を置かなくても想像力は身に付けたいですし、機会自体が無いという人もきっと多いはず……。というわけで今回は、「相手のことを知らなきゃ！」と追い込まれた経験による効果を提唱しつつ、ぜひ感情理解のための良いトレーニング方法があれば教えて欲しい……！という回になっています。

価値観も多様化する現代において、何が悪なのかを明確に定義することも難しい中、いい「悪役」には何が必要なのか。答えはずばり「支配してくる」こと。支配すればするほど、いい悪役になるはずです。悪役と正義役の違いは人とのつながり方にあり、正義が愛や友情でつながっているのに対し、悪は支配でつながっています。悪とは、他者を傷つけようとする姿勢のことであり、支配される側にあるのは、傷つけられることへの恐怖でしかありません。どんな価値観を持っていても、どんな性格をしていても、他者を支配していれば悪役になります。悪役とライバル役の違いも、まさに「支配」があるかどうか。かつての悪役が仲間になって以降あまり悪を感じないのは、支配がないからです。だからこそ、自分の漫画の悪役の魅力が薄いと感じるような時は、ぜひ支配度を高めてみることをおすすめしますよ！