«Shiraz», l'hymne à l'amour de Dhafer Youssef

Pour son sixième album studio, le rappeur franco-algérien Rocé reste sur sa ligne d'exigence et de qualité. Palmier est une œuvre engagée et profondément musicale, loin des standards du rap actuel. À bientôt cinquante ans, Rocé, de son vrai nom José Youcef Lamine Kaminsky, pourrait faire figure de vétéran dans une industrie du rap trop souvent encline au jeunisme. Et pourtant peu de rappeurs peuvent se vanter de posséder une verve poétique de la qualité de la sienne, une fraicheur musicale ainsi qu'une volonté de se renouveler en permanence. Palmier est un nouveau jalon dans son parcours musical fort de six albums studio. « J'ai voulu apporter dans ce projet toute la mélancolie que l'on peut voir dans un coucher ou un lever de soleil sous un palmier », explique l'artiste franco-algérien.  À lire aussiRocé: «Le rap est un sport de combat»   S'il est donc question de mélancolie, il est aussi question de révolte et de colère. Rocé a toujours été un homme engagé. Inlassable contempteur des maux qui frappent notre société, indifférence, violence, exploitation, discrimination, ce lecteur de Franz Fanon est aussi et peut-être même avant tout un penseur décolonial. « Cela fait partie de mes mots-clés, de ma matrice de réflexion que d'être toujours dans des réflexions de désaliénation », affirme le rappeur. Palmier reprend donc les thèmes chers à Rocé. Dénonciation des violences subies par les jeunes de banlieue, de l'exploitation des hommes, d'une vie qui pour certains se résume souvent à subir les pressions idéologiques des classes dominantes. L'autre particularité de Rocé, c'est son goût pour les compositions léchées et l'apport de musiciens à sa richesse musicale. Car s'il affirme que le rap, c'est « avant tout deux platines et un micro », lui-même ne rechigne jamais à faire entrer un saxophone, un violon et des guitares dans ses compositions. Celui qui a commencé aux côtés d’artistes comme feu DJ Mehdi et de la Mafia K1 Fr, cultive un éclectisme certains pour les musiques afro-américaine : « Je considère Palmier comme un album très soul, en prenant comme référence, s'il n'en fallait qu'une Sade, la chanteuse anglo-nigériane. » La colère cool, en quelque sorte. Rocé Palmier (Hors Cadres / Modulor) 2026 Facebook / Instagram / YouTube

Elle nous emporte immédiatement dans son univers. La chanteuse canadienne d'origine haïtienne Dominique Fils-Aimé dévoile My World Is The Sun, son cinquième album. Ce nouveau disque est l’une des pièces d'un puzzle beaucoup plus vaste : c’est le deuxième volet de sa seconde trilogie. Car Dominique Fils-Aimé conçoit son œuvre de manière très précise, où chaque cycle de trois albums raconte une étape de sa quête de liberté sonore et spirituelle. My World Is The Sun est un disque profondément personnel, que la chanteuse dédie à sa mère. L’album s'ouvre d’ailleurs sur un enregistrement retrouvé, une vieille cassette des années 1970 où on l’entend chanter et gratter quelques accords. Dominique Fils-Aimé se souvient : « Elle jouait de la guitare, elle chantait, mais on ne l'entendait pas souvent. Je ne l'avais jamais vue chanter et jouer en même temps. Et là, de découvrir cette cassette, c'était incroyable pour moi d'entendre ma mère qui vraiment se donnait, et qui le faisait "sérieusement". Je lui dois définitivement mon amour pour la musique, car il y a toujours eu de la musique dans la maison, d'une forme ou d'une autre. » A la croisée du jazz, de la soul et du blues, Dominique Fils-Aimé ne se donne aucune limite artistique. Elle navigue librement entre anglais et français, sur des morceaux sans structure figée qui peuvent s’étirer de une à neuf minutes. Ses mélodies évoluent à l'instinct, portées par sa voix qu’elle dédouble, dont elle superpose les couches pour créer un effet de chœur très réussi.     Il se dégage de cet album une vibration particulière, très authentique et directe, car Dominique Fils-Aimé a fait le choix d’un enregistrement en live session. On y entend tout : les respirations, les rires, toutes les petites imperfections qui donnent de la vie au son. Le résultat à l'écoute, c'est une émotion brute, intacte, comme si on y était. Des racines haïtiennes au jazz montréalais Tous les instruments se croisent avec fluidité : de la guitare aux tablas, ces percussions venus d'Inde jouées aussi au Pakistan et au Népal, en passant par du didgeridoo des peuples autochtones d'Australie, le tout porté par le son des vagues qui se brisent. Tout ce mélange puise sa force dans les racines haïtiennes de l’artiste, là où la musique est indissociable de la quête de liberté. À écouter aussiDominique Fils-Aimé, le souffle de Montréal   « Les valeurs que notre histoire transmet à l'humanité en général, à tous les peuples oppressés, comme ce combat pour la libération qui est quand même un des piliers de la culture haïtienne et de la manière de penser la force qu'on a, ça résonne en moi. C'est quelque chose qui relie bien la culture haïtienne et la mentalité du jazz. Cette quête de liberté est un peu partout, dans l'ADN comme dans le mode de pensée "jazz" qui est aussi une forme de quête de liberté musicale, du fait qu'elle soit ancrée dans le mouvement des droits civiques. Donc j'ai l'impression que le concept de liberté était partout autour de moi », raconte-t-elle. Avec My World Is The Sun, Dominique Fils-Aimé ne se contente pas de composer : elle explore ses racines pour construire une paix intérieure qu’elle offre ensuite au monde. Une invitation à l’espoir et à la douceur, dans un monde qui saigne.    

Figure inclassable de la scène alternative latino-américaine, Natalia Doco revient avec son quatrième album Hacha (« la hache ») en espagnol. La chanteuse argentine y livre une œuvre à la fois explosive et introspective, une musique qui tranche autant qu’elle soigne. Quinze titres qui célèbrent la puissance féminine – sur le dancefloor comme dans la vie. À lire aussiAvec «Hacha», Natalia Doco se montre féroce   Instagram / Facebook / YouTube

Le groupe franco-colombien Combo Efectivo dévoile son premier projet éponyme, fruit de rencontres et de créations partagées. Car derrière la sortie de ces premiers morceaux se cache une véritable histoire humaine et artistique. Tout commence avec Jazztropicante, un laboratoire de création musicale entre artistes français et colombiens des scènes jazz et musiques actuelles, fondé par la chanteuse et productrice Sarah Maréchal. À l'origine, l'objectif initial était de faire rayonner le jazz français en Colombie, dans le cadre de la saison croisée entre les deux pays en 2017. Mais les rencontres entre artistes à Bogota ont dépassé toutes les attentes : une alchimie s’est créée, le projet s’est prolongé, jusqu'à donner naissance à un label, Casa Maguey, il y a deux ans. Le groupe réunit sept musiciens. Parmi eux, certains issus de la jeune génération jazz française (Stéphane Montigny au trombone, Antoine Berjeaut à la trompette, Tim Alcorn à la batterie et le saxophoniste Léon Phal) et d’autres figures de la scène néotropicale colombienne (Karen Nerak au chant, rap, gaita et percussions, Ruben Aragon aux claviers, Pelango à la basse, Kike Narvaez à la batterie). « C'est une expérience très intéressante, parce qu'on ne sait pas forcément ce qu'on va faire avant de commencer, tout se crée sur le moment. Si les Colombiens apportent des rythmiques, elles vont être basées sur des rythmes afro-colombiens, qui viennent du folklore par exemple. Mais la base qu'on va ensuite développer, ça peut être aussi quelques notes de saxophone ou de piano proposées par les Français. On n'a vraiment aucune idée préconçue, disons que l'étincelle de départ peut venir de tous les côtés, et ensuite on ajoute tout ce qui nous traverse l'esprit et le cœur à ce moment-là » raconte Pelango. La cumbia, symbole d'harmonie universelle Le morceau « La llave maestra » – la clé maîtresse – repose sur un rythme de cumbia, invitation à la danse. Quand on danse, le cœur s'apaise, l'esprit s'ouvre. Cette clé maîtresse symbole de communion, de paix et d'harmonie universelle, c'est donc la cumbia, qui ouvre toutes les portes pour aller partout où l'on veut. Car la cumbia née sur les côtes colombiennes s'est ensuite répandue sur tout le continent : on la retrouve aujourd'hui de l’Argentine au Mexique avec des instrumentations, des productions ou des tempos différents. Liée au jazz, elle s'ouvre sur le monde. Pour Pelango, le bassiste du groupe, cette fusion est toute naturelle : « Le jazz est afro-descendant, et en réalité cette racine africaine s'exprime juste sous des noms différents à travers le continent américain. On l'appelle "jazz" en Amérique du Nord, mais on l'appelle "cumbia" en Colombie, on l'appelle "tango" en Argentine, "salsa" à Cuba... Et finalement, ce sont juste des déclinaisons différentes de la même racine africaine. Donc cette parenté rend les fusions naturelles, ça devient évident de faire coincider ces univers. De nombreuses rencontres musicales de ce genre existent d'ailleurs grâce à la curiosité des musiciens qui font des recherches et qui explorent ces liens. » Les morceaux « Dejame Pasar » et « Fiebre » sortiront dans les mois à venir. Ces futurs titres annoncent déjà la suite d'un projet qui explore sans relâche la fusion des genres sud-américains. Dans la lignée d’artistes comme le chanteur colombien Carlos Vives, qui avait sorti la cumbia et le vallenato de ses rails très traditionnels pour les fusionner avec de la pop et du rock il y a maintenant plus de 30 ans, Combo Efectivo tisse un son puissant, à la croisée des énergies du Sud et de la créativité européenne.

Voix nonchalante, synthés abrasifs, nom en forme de doigt d’honneur : Fcukers déboule avec un premier album très attendu, Ö. Rien de propre, rien de sage, chez Fcukers, tout est à rebours. Ö s’affiche minimaliste, presque cryptique. Même le nom du groupe joue la provocation en contournant la censure dans une Amérique sous tension. À l’oreille, rien ne change. Visuellement, tout passe. Deux têtes, une déflagration Derrière le projet, deux jeunes agitateurs de la scène new-yorkaise émergente: Shanny Wise au chant et à l’écriture. Jackson Walker Lewis aux machines, sculpte des beats tranchants. Le duo balance un son brut, désaxé porté par une voix faussement détachée flottant sur des mélodies subtilement déconstruites. Résultat : une injonction immédiate à bouger. Exemple parfait avec « If You Wanna Party, Come Over To My House » (« si tu veux faire la fête vient chez moi » en français). C'est clair, net, sans détour. Des nuits sans pause Depuis sa naissance en  2022, Fcukers retourne les clubs new-yorkais jusqu’à l’aube. Deux ans plus tard, tournée mondiale d’une centaine de concerts en première partie de rock stars comme Tame Impala ou LCD Soundsystem et il explose. Anti-discours, pro-transe Sur Ö, pas de storytelling. Aucun récit à dérouler. Le duo vise la culture club, le lâcher-prise des corps. Une réponse cash à l’obsession contemporaine du sens à tout prix. La critique musicale internationale salue déjà cette capacité à transformer des textes vides en morceaux imparables et hybrides. Post-punk, techno, rock, pop, ska et même dub jamaïcain, tout se percute. Impossible de coller une étiquette. Collision sonore Avec ce projet, le duo new-yorkais déclenche une collision sonore redoutable. Là où d’autres visent les playlists algorithmiques avec des titres calibrés,  Fcukers impose, lui ,  la transe et la sueur collective.  « O » ne s’écoute pas, il se vit a fond ! . Ö dans les bac  le 27 mars 2026. Fcukers sera en concert le 2 juin au Bataclan à Paris.

Blu Samu s’impose comme l’une des voix les plus singulières de la scène belge actuelle. L'artiste caméléon publie son premier album (K)not (« nœud », en français) le 20 février 2026, et signe d’emblée une œuvre dense et habitée. Blu Samu, de son vrai nom Salomé dos Santos Ataide Magalhaes, revendique ses racines portugaises et les place au cœur de son récit. Rappeuse, chanteuse et autrice, elle construit depuis dix ans un univers personnel, traversé par un parfum de saudade constante. Fille d’une mère portugaise, élevée dans la religion catholique, elle a grandi en chantant les dimanches dans son village du nord du Portugal. Autodidacte, elle apprend seule, affine son écriture et impose progressivement une signature sonore insaisissable. Sur « Move » (« bouge », en français), elle adopte le portugais pour dire l’urgence de quitter l’inertie en exprimant un besoin viscéral de mouvement et glisse, au passage, une pique acérée à l’adresse des filles lisboètes. Le morceau agit comme un  refus de l’immobilisme et  l'affirmation de soi dans une tension sonore permanente .. Avec (K)not, Blu Samu livre un album conçu comme une suite de confessions. Chaque titre expose des fragments personnels  entre doutes,  hésitations et tiraillements liés a  sa  double culture.  L’écriture reste directe, parfois à vif. L’émotion affleure sans pathos. La lumière surgit par moments. « Breakfast » incarne cette respiration. Le morceau, solaire et léger, ouvre une parenthèse presque apaisée, comme une fenêtre entrouverte sur un matin ordinaire autour d'un bon café. Musicalement, Blu Samu brouille les frontières. Elle mêle pop, rap, électro, soul et jungle, tout en laissant apparaitre  des accents de fado. L’album serre le cœur sans jamais brider l’élan créatif.  Blu Samu (K)not (Animal63) 2026 Concerts en 2026,  le 26 mars au Point Éphémère à Paris et 5 juin au festival We Love Green Facebook / Instagram / YouTube

Après quarante-cinq ans de carrière et des concerts tout autour du monde, c'est toujours chez eux, dans le désert qui borde Tamanrasset, que les membres de Tinariwen se sentent le mieux. Ce vendredi 13 mars, le groupe a dévoilé son dixième album, Hoggar. Un disque qui revient aux sources de l'assouf, sans faire de concessions aux influences venues d'autres musiques.  Comme tous les Touaregs, les membres de Tinariwen ont le mal du pays. Leur dixième disque, Hoggar, est un vibrant cri du coeur en ce sens - et cela commence dès le titre, puisque le Hoggar, c'est le massif de montagnes désertique qui borde Tamanrasset en Algérie, « un lieu emblématique pour la communauté keltamsheq », martèle Abdallah Ag Al Hosseini, l'un des membres fondateurs du groupe.  Retour aux sources musical  Sur leur précédent disque, enregistré à Nashville, Tinariwen s'était laissé tenter par des influences country. Cette fois, les intentions sont claires : « on voulait vraiment plonger profondément dans les sources, la musique touarègue authentique, » raconte Abdallah Ag Al Hosseini. « La musique touarègue n'est plus écoutée seulement par les touaregs, elle devient universelle. Alors parfois, on essaie d'autres influences. Mais nous, on voudrait toujours garder un lien avec chez nous. » Saddam, l'un des membres fondateurs d'Imarhan, qui pose sa guitare sur plusieurs pistes de l'album, abonde : « C'était amusant d'essayer d'ajouter de la musique électronique avec Essam [le dernier album d'Imarhan, ndlr]. Mais faire du blues touareg 100%, ça permet aussi de garder un équilibre.» Hoggar fait donc la part belle aux essentiels de l'assouf : beaucoup de guitares - sèches autant qu'électriques -, des chorales, des rythmes marqués par les claquements de main... le tout, directement dans l'ambiance sèche et venteuse de Tamanrasset, où le disque a été enregistré. « Quand tu enregistres chez toi, ça change tout, estime le cofondateur du groupe. Lorsqu'on fait un album à Paris, ou aux Etats-Unis, on a un temps limité, il faut que tout soit prêt rapidement. Quand tu es à Tamanrasset, tu peux attraper tout le monde, les copains... c'est très différent. » Passage de témoin Si le groupe revient aux essentiels, il ne se renferme pas sur lui-même pour autant. Au contraire, jamais Tinariwen ne s'est autant ouvert à de nouvelles voix - peut-être parce qu'après 45 ans de carrière, et alors que certains membres approchent des 70 ans, il est temps de passer le témoin à la nouvelle génération. Avec la présence sur le disque de Saddam d'Imarhan, et de Liya Ag Ablil - qui n'avait pas chanté avec le groupe depuis 25 ans -, toutes les générations du blues touareg sont réunies sur un même album.  Des jeunes femmes aussi sont présentes sur le disque - « certaines sont venues au studio pour voir comment ça se passait, raconte Saddam, et elles ont essayé de chanter pour la première fois ! » - à la fois dans les choeurs et dans ce titre partagé avec la chanteuse soudanaise Sulafa Elyas. Abdallah Ag Al Hosseini : « ​​​​​​​dans la musique touarègue, le rôle des femmes est très important. Donc il faut bien se rendre compte que, s'il n'y a pas de femmes sur un disque d'assouf, ce n'est pas un choix. »  Le mal du pays Les membres de Tinariwen n'ont pas eu d'autre choix, non plus, que de s'installer à Tamanrasset et d'enregistrer dans le studio Aboogi d'Imarhan. Le groupe a été chassé de sa région de l'Azawad - le nom que la communauté keltamasheq donne au nord du Mali - par l'insécurité dans la zone. Une situation que le groupe dénonce sans fard dans l'album, notamment avec la chanson « Aba Malik », frontalement opposée aux mercenaires du groupe Wagner. « Ils font ce qu'ils veulent dans la région, ils chassent les gens, ils tuent des gens, des animaux, accuse Abdallah Ag Al Hosseini. C'est une catastrophe.» Sur ce disque, comme sur les précédents, il est donc question d'exil, d'errance, de nostalgie du pays. Hoggar signe donc ce qui, dans ces conditions, ressemble le plus à un retour chez soi : revenir à la musique des origines.  Tinariwen Hoggar (Wedge) sorti le 13 mars 2026 ; en concert à Paris les 8 et 9 mai 2026. 

Depuis la fondation du groupe il y a 20 ans, Las Migas explore les limites du flamenco en teintant ses rythmes traditionnels - bulerias, tangos, seguiriyas - de sonorités plus folk ou jazz, voire pop. Dans leur dernier album Flamencas, sorti en mai 2025 qui vient de bénéficier d'une sortie physique en France, elles reviennent à une musique plus traditionnelle, et se concentrent sur les messages portés par leur voix.  « Je te veux libre, gitane, et que tu ailles avec le vent » : c'est sur ces mots que s'ouvre Flamencas, le dernier album de Las Migas, récompensé par le Latin Grammy du meilleur album flamenco de l'année en 2025. Des flamencas libres donc, comme la musique qu'elles explorent depuis vingt ans sous la houlette de Marta Robles, membre fondatrice et capitaine du navire Las Migas. Après quelques années à explorer toutes les facettes du flamenco et surtout à incorporer des influences venues du monde de la folk, du jazz ou de la pop, les quatre musiciennes sont cette fois revenues à leurs premières amours : le flamenco traditionnel. « C'est le flamenco qui nous a permis de parcourir le monde et d'avoir la carrière que nous avons, se remémore Alicia Grillo, chanteuse principale du groupe et guitariste. Alors, nous voulions faire, d'une certaine manière, un cadeau au flamenco. »  Un flamenco féminin et féministe  Avec cet album, Las Migas sont donc revenues aux racines de cette musique andalouse. Les chansons reprennent des rythmes traditionnels - le bulerias ou le tangos, plutôt festifs ; le seguiriya, dans un registre plus mélancolique - et sont accompagnés d'accords simples, de puissantes guitares sèches, et de claquements de main nerveux. Tout y est : l'essence du flamenco est respectée.  Mais Las Migas s'autorisent tout de même quelques transgressions - les mêmes qu'elles affectionnent depuis le début de leur carrière. D'abord, elles chantent entre femmes, et jouent entre femmes, dans un style musical pourtant très genré et où les hommes ont, traditionnellement, la mainmise sur la guitare. « Lorsque Las Migas a commencé, nous étions les seules à faire cela, se souvient Marta Robles. Aujourd'hui, cela a un peu évolué, mais il reste beaucoup de travail...» Alicia Grillo rebondit : « Notre rêve, ce serait de voir des femmes sur toutes les scènes du monde. Mais pour cela, il faut que les jeunes femmes, les filles, se rendent compte que c'est possible d'en faire son métier. » Alors, inlassablement, les quatre miettes [« migas » veut dire « miettes » en espagnol, ndlr] continuent de montrer le chemin.  Surtout, les quatre musiciennes récrivent les paroles du flamenco traditionnel pour le mettre en accord avec leurs valeurs. «​​​​​​​ ​​​​​​​Nous avons besoin de nouvelles histoires,» martèle Alicia Grillo. «​​​​​​​ Il y a par exemple le thème du "celos", la jalousie...» - un thème largement chanté dans le flamenco, où les hommes font reposer leur honneur sur la fidélité voire l'obéissance de leur amante. Sous la plume de Las Migas, cette jalousie devient au contraire un horizon à éviter à tout prix : «​​​​​​​ Je ne veux pas être jaloux, / (...) L'amour est fait pour être vécu sans secrets, ni cadenas, ni promesses » chantent elles ainsi dans leur propre Celos, chanté sur un tangos. Une charge contre le sexisme déguisé en traditionalisme  Les messages se font parfois même plus frontaux. «​​​​​​​ Nous ne supportons pas les personnes qui, sous couvert de culture, de tradition, ou de religion, veulent soumettre les femmes, tempête ainsi Marta Robles. Nous pensons que ce n'est qu'un prétexte pour contrôler les femmes, et nous voulions crier : assez ! » C'est de là qu'est née la chanson «​​​​​​​ Grito »​​​​​​​ [le cri, ndlr], ode à la liberté mais surtout, chant de guerre contre les règles culturelles qui asservissent les femmes. Pour donner encore plus de poids à leurs paroles, Las Migas se sont accompagnées, sur ce titre, du groupe de folk féminin Tanxugueiras, né en Galice, dans le nord de l'Espagne. Avec toujours une exigence : ne jamais sacrifier la qualité musicale sur l'autel de la politique. Une affaire de femmes donc, mais à mettre entre les oreilles de tous les hommes.  Facebook / Instagram / YouTube

Le groupe français MPL dévoile un nouvel album, Bisou Magique. Depuis leurs débuts, les membres du groupe – cinq amis venus de Grenoble, au sud-est de la France – placent la douceur au cœur de leur musique. Le « bisou magique », c’est le nom d’un grand huit des sentiments dans lequel ils nous embarquent avec joie. Terminus : nos émotions. Dans Bisou Magique, chaque titre vient réveiller très intensément des émotions parfois enfouies, comme pour mieux les exorciser. L’espoir, le deuil, la nostalgie, la peur ou encore le manque traversent cet album. Arthur, membre du groupe, nous parle du morceau « Ton visage », qui selon lui « part de la paréidolie : le fait de voir des visages dans les objets ou dans les nuages, par exemple. C'est un truc qu'on fait entre nous, on a même un groupe WhatsApp dédié où on s'envoie tous les objets qu’on voit où on devine un visage à l’intérieur. Cédric est parti de ça, et il est arrivé naturellement au thème du manque. Musicalement, c’est notre titre le plus pop-rock à ce jour, même si franchement, la marge de manœuvre est énorme. Mais en tout cas, ça nous fait plaisir d’avoir quelque chose de vraiment énergique, on a pris beaucoup de plaisir à le faire, c'est le single qu'on a sorti en tout premier ». Pop, électro et liberté musicale MPL propose une musique libre, à la croisée de la pop et de la chanson française. Leurs influences sont multiples, mais plusieurs des membres du groupe écoutent notamment le rappeur franco-algérien Danyl, qui marie pop et musique orientale. Ils s'approprient cette liberté dans le mélange des styles musicaux, notamment dans le morceau « Ça faisait longtemps », un titre hybride entre guitare-voix et sonorités électro, pensé pour le live. Sur leurs premiers albums, MPL écrivait souvent les histoires des autres, ou à travers des personnages, avec une certaine pudeur. Aujourd'hui, ils racontent davantage leurs propres histoires, à la première personne. L’émotion est plus directe, plus intime. Ils flirtent souvent avec la mélancolie, mais sans jamais verser dans le pathos et toujours avec une note d'espoir, comme dans le morceau « Sans avion », qui aborde les questions écologiques et le dérèglement climatique. L'amitié comme boussole  Ce qui ressort de Bisou Magique, c’est une envie de douceur, de lien, de consolation. Le thème de l'amitié, si important pour le groupe, traverse cet album comme tous les précédents. « On cherche toujours de nouvelles manières d’aborder ce sujet. Dans "On se reverra", par exemple, on parle des amitiés en pause, ou qui s’arrêtent sans que l’on sache vraiment pourquoi. C’est un angle qu’on n’avait pas encore évoqué. De toute façon, les grands sujets sont limités : il y a l’amour, l’amitié, la vie et la mort (rires). Mais en changeant de point de vue, j’ai l’impression qu’on évite les redites. Et en même temps, même si on va chercher ailleurs, on revient à ces grands thèmes assez classiques qui nous concernent dans la vie de tous les jours », explique Arthur. MPL Bisou Magique (L'Amirale) 2026 Facebook / Instagram / YouTube

Bonne chance pour la suite est le titre du huitième album studio de Cyril Mokaiesh. Le chanteur franco-libanais se livre dans douze titres personnels, entre engagement et regard sur l'époque, et hymnes à l'amour. « Je fais de mieux en mieux un métier que j'aime de moins en moins » : citant l'acteur Vincent Lindon, Cyril Mokaiesh, mi-parlant, mi-chantant, entame ainsi le titre « Regarder passer les trains » qui ouvre son huitième album studio. L'album s'intitule Bonne chance pour la suite et le chanteur, ancien tennisman professionnel reconverti dans la musique depuis près de vingt ans, en a besoin, de chance, lui qui a du mal à vivre de son métier. Il se revendique contemplatif, mais c'est un contemplatif observateur. On peut même parler de chanteur engagé. Le grand public l'a d'ailleurs découvert en 2011 avec le titre plein de fougue et de panache, voire de bravade : « Communiste ». Sur ce nouvel album, le chanteur franco-libanais livre son sentiment sur l'époque. Dans le titre « Approximatif », il fustige la polarisation, la désinformation et le lavage de cerveaux sur les réseaux sociaux. Sur un autre titre, « Le chant du migrant » il se met dans la peau d'un candidat à l'exil. À 40 ans, Cyril Mokaiesh dédie une chanson à son fils adolescent et puis plusieurs titres à son amoureuse. Comme « Grâce à toi » ou « La vérité des baisers ». Cyril Mokaiesh se produit le mardi 17 mars sur la scène du Café de la danse à Paris et en tournée, et puis à signaler aussi un livre qui vient de paraître et intitulé Regarder passer les trains. Cyril Mokaiesh Bonne chance pour la suite (Sony) 2026 Facebook / Instagram / YouTube