Le Zig Zag Band, retour sur un groupe légendaire de chigiyo zimbabwéen

Le label allemand Analog Africa exhume une perle des années 80-90, le groupe de chigiyo Zig Zag Band. Une compilation de treize titres s'étalant sur les années 1987 à 1998 pour redécouvrir une musique inspirée par le reggae et les rythmes de mbira.  Le temps dévore la mémoire, estompe les échos et les bruits de la fête. Heureusement, les diggers d'Analog Africa, label allemand fondé par Samy Ben Redjeb, font bien leur travail, et dans les archives de la Zimbabwe Broadcasting Corporation, ils ont retrouvé les succès du groupe du guitariste Gilbert Zvamaida, le Zig Zag Band. Un ensemble patronné par l'homme d'affaires Robson Kadenhe qui, au début des années 1980, va sponsoriser la formation, lui trouvant même son nom de scène après plusieurs ébauches. Zig Zag, comme les tenues et les styles disparates de ces jeunes musiciens venus du centre du pays, de la région des Midlands plus précisément.   Des jeunes musiciens influencés par le reggae qui déferle alors sur l'Afrique, mais auquel ils vont ajouter leur note personnelle en incorporant les rythmiques de la mbira, le piano à pouces placé dans une calebasse qui sert notamment à rappeler les âmes des disparus dans leur foyer après un enterrement. Le mbira, intercesseur mystique, crée un pont entre la musique des Rastas et celle des Shonas. Et ce pont engendre un nouveau style que Gilbert Zvamaida baptise le chigiyo.  Le Zig Zag Band va connaitre un fort succès entre 1987 et 1998 avant de disparaitre, avalé par les vicissitudes de l'histoire. 

C’est un premier album puissant que signe la chanteuse palestino-jordanienne Zeyne avec Awda, (« retour », en arabe). Un retour symbolique, personnel et collectif, porté par une musique à la croisée des mondes. Dans Awda, la darbouka et les flûtes en roseau côtoient l'autotune et les sonorités r'n'b des années 2000, dans une fusion toute naturelle. À 27 ans, l’artiste originaire d’Amman, en Jordanie, revendique cette double appartenance musicale : celle de la modernité urbaine et celle, intemporelle, des traditions du Levant.  « Ma mère était la manageuse d’un groupe folklorique de dabkeh, une troupe de danse que j’ai rejointe dès mes cinq ans. J’ai grandi avec ces musiques pendant plus de quinze ans. Donc ça a un peu reprogrammé mon cerveau, c’est ancré en moi. Alors au moment de créer cet album, quand j’ai voulu écrire sur mon identité, ma culture et mon héritage, revenir à ces sons de dabkeh et aux mélodies traditionnelles s’est imposé naturellement. C’était la manière la plus authentique d’exprimer qui je suis », raconte Zeyne. Fruit de deux années de travail, Awda réunit une équipe de producteurs venus d’Afrique du Nord et du Moyen-Orient. À travers ses 13 titres, Zeyne explore des thèmes universels : la nostalgie, la transmission, le chagrin, mais surtout la résilience et la force intérieure qui en découle. Le morceau « Asli Ana » aborde la difficulté, pour les Palestiniens et les Arabes, d’assumer pleinement leur identité face aux stéréotypes projetés sur eux. « Hilwa », lui, célèbre la beauté qui naît de la connaissance de soi et de la fierté de ses origines. Un album pensé comme un livre Chaque chanson d’Awda est un chapitre, et l’ensemble s’écoute comme un récit continu. Les transitions s’enchaînent avec fluidité, sans véritable fin, à l’image des cycles de la vie. Le seul featuring du disque, « 6 Il Sobh », réunit Zeyne et le chanteur égyptien Bayou pour une parenthèse plus calme, placée au cœur de l’album. Une respiration nécessaire avant la remontée, car Awda se déploie comme un cercle. Les premiers morceaux évoquent la communauté, le milieu marque la perte et la chute, puis vient le retour à soi, symbolisé par le dernier titre, « Kollo Lena ». Ce morceau lumineux célèbre la joie et la résistance du peuple palestinien, porté par un rythme traditionnel de dabkeh enrichi des vibrations « chobi » venues d’Irak : un mélange à la fois festif et combatif. À lire aussiAvec «Awda», Zeyne incarne la résistance mélodieuse du r'n'b arabe « C’était logique de terminer avec Kollo Lena, parce que la chanson parle de puiser de la force et de la résilience auprès de la communauté qui t’entoure quand tu ne te sens pas bien. Ces personnes te relèvent, et à la fin, tu comprends que ton identité te porte, sans même que tu t’en rendes compte. La chanson célèbre aussi l’esprit incassable des Palestiniens, des Jordaniens. Même quand nous avons peu, nous trouvons le moyen de créer de la joie, et je trouve ça magnifique. On l’a beaucoup vu ces deux dernières années : des gens qui trouvent la joie même dans les moments les plus dévastateurs. Et c’est très inspirant, car quand tu vois ça, tu te dis que toi aussi, tu peux tout affronter », explique la chanteuse. Avec Awda, Zeyne signe un premier album puissant, sincère et ancré, où le retour aux racines devient un acte de création et de résistance. Zeyne Awda (Mdlbeast Records) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Plus qu'un disque de jazz, African Rhapsody est un voyage au cœur de la poésie de la négritude, un pont entre des formes d'arts aux racines communes. Le septième album de Leïla Olivesi est la suite d'un projet entamé avec l'Unesco. C'est aussi le troisième album qu'elle enregistre avec son octet de jazz auquel s'ajoute une formation de douze choristes, les Poetic Birds. Née d'une mère poétesse et d'un père érudit, Leïla Olivesi a croisé dès son enfance les poètes de la négritude. Léopold Sédar Senghor, Léon-Gontran Damas, Aimé Césaire, entre autres. Par ailleurs, la pianiste et compositrice a toujours aimé mettre la poésie en musique. « Je fais cela depuis des années, explique-t-elle. J'ai commencé avec les poèmes de ma mère. Et quand je mets un poème en musique, j'essaie de suivre la forme du poème, et ensuite d'imaginer une forme musicale qui mette le poème en valeur. » Il était écrit qu'un jour, elle mettrait en musique ses poèmes préférés. Une première occasion lui fut donnée par l'Unesco qui lui a proposé de composer une pièce en hommage aux peuples ayant été victimes de l'esclavage. Elle a donc écrit Rhapsody In Black, dont l'album African Rhapsody est en quelque sorte la continuité. Une formation de douze choristes venus du lyrique, les Poetic Birds, chante des poèmes de Léopold Sédar Senghor et David Diop, tandis que la chanteuse Camille Bertault interprète un poème de Djamila Olivesi, la mère de Leïla. Cette rencontre avec la poésie repose sur un socle solide, celui que Leïla Olivesi construit de plus de vingt ans avec ses musiciens. La formation en octet qui l'accompagne depuis trois albums déploie avec énergie et grâce les compositions sophistiquées de la pianiste et cheffe d'orchestre. On trouve notamment le batteur Donald Kontomanou, le guitariste Manu Godjia, les saxophonistes Baptiste Herbin et Adrien Sanchez, et le trompettiste Quentin Ghomari.  African Rhapsody est un projet musical qui s'écoute en haute résolution, grâce au choix de Leïla Olivesi qui privilégie l'achat et le téléchargement de l'album au format Flac à partir de son site web. Une partie seulement de l'album est disponible sur les plateformes de streaming.  

La chanteuse et autrice-compositrice française Coline Rio signe son deuxième album, Maison. Un disque lumineux sur la construction de soi et la quête d’un ancrage intérieur, où elle explore la recherche de ses fondations, de sa propre solidité. Depuis la sortie de son premier album (Ce qu’il restera de nous) en 2023 puis de celle de son EP (Ce qui nous lie) en 2024, Coline Rio s’est installée profondément et durablement dans le paysage de la chanson française. Dans la Maison de Coline Rio, les valeurs d'amitié, d'amour et de gentillesse sont reines. La chanteuse nous prouve une fois de plus son talent pour l'écriture de textes intimes, qui résonnent pourtant en chacun d'entre nous. Dans le morceau « Ma maison », la chanteuse bientôt trentenaire évoque les choix personnels que l’on fait à un âge où l’on commence à savoir vraiment qui l’on est. La musique soutient la montée émotionnelle du texte : l'arrangement et les voix s’emballent, comme une pulsion vers l’avant. La même énergie traverse « La nouvelle lune », titre dédié à la résistance et à la lutte des peuples opprimés. « Ce que j’imaginais sur ce titre, c’était d’avoir envie de danser. Et pourtant, pour le gimmick du refrain – normalement le moment d’explosion d’une chanson – on a pris le contrepied en studio : on l’a écrit comme une méditation, comme un mantra calme auquel penser chaque jour », raconte Coline Rio. Un disque où la chanson française tend vers la folk Si MAISON s’inscrit dans une esthétique chanson française, l’artiste puise pourtant son inspiration chez des musiciens anglophones : Radiohead pour la voix et la liberté créative, Phoebe Bridgers pour les textures folk, Jordan Rakei pour le travail du son. Contrairement à son premier album, enregistré seule dans sa chambre, Coline Rio s’est ici entourée de musiciens et d’un orchestre à cordes. Notamment dans le titre cinématographique « Les louves », inspiré de l’essai Femmes qui courent avec les loups de Clarissa Pinkola Estés, célébrant la force instinctive et sauvage des femmes. « Ce livre m’a inspirée, nourrie, fait rêver. C’est un recueil de contes, plein d’histoires qui nous ramènent aux ancêtres, aux mythes de la femme libre, de la femme liée à la Terre. J’ai écrit la chanson la nuit, dans une atmosphère presque magique. J’avais l’impression d’être dans le livre, d’imaginer une marche nocturne en forêt, une femme qui se transforme en louve et avance sur le monde », confie-t-elle. Chanter l'amour avec les tripes Tout l’album baigne dans une grande douceur : des arrangements mélodiques, des chœurs en harmonie avec les parties instrumentales, une écriture simple et sincère. Coline Rio y prône la tolérance et la liberté d’aimer, notamment dans « Ami-amant », morceau sur le droit à l’amour sous toutes ses formes : « Ça reste très doux, très câlin. Mais sur le refrain, je lâche ma voix d’une manière assez inédite. Pour dire qu’on en a marre qu’on nous empêche, qu’on pose des questions de genre, qu’on enferme l’amour, qu’il y ait encore des luttes et des retours en arrière. C’est chanter l’amour avec les tripes. » Avec Maison, Coline Rio se livre sans fard. En douze titres d’émotion brute, elle nous ouvre la porte de son univers intérieur et nous invite à entrer. Coline Rio sera en concert le 4 novembre 2025 au Stéréolux à Nantes, puis en tournée en France. Coline Rio Maison (Baronesa) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Una Lunghissima Ombra («Une ombre très longue », en français), c'est le titre qui donne son nom au troisième album du musicien italien plébiscité en ce moment. Un artiste très aimé en France, presque plus qu'en Italie. Il se fait connaître en 2019 avec son disque Immensita. Il obtient d'ailleurs un César en 2024 pour sa bande son du film Le Règne animal.   Andrea Laszlo De Simone Una Lunghissima Ombra (Ekler and Hamburger Records) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Sa voix éraillée et androgyne est reconnaissable entre mille. Celle d’Asaf Avidan, chanteur et musicien israélien, revient pour nous émerveiller avec un nouvel album intitulé Unfurl, littéralement « se déployer ». Présent sur la scène rock-folk depuis 2006, l’ancien leader de The Mojos continue de repousser les frontières de son art. Avec Unfurl, Asaf Avidan signe sans doute son projet le plus ambitieux et le plus complexe musicalement. On y retrouve des influences multiples (pop, jazz, soul, blues) traversées par l’intensité du duende espagnol et par l'héritage poétique des chanteurs français Edith Piaf et Jacques Brel. Ce qui frappe avant tout, c’est la dimension orchestrale et cinématographique du disque : un entrelacement de mélodies et d’harmonies porté par un orchestre de 45 musiciens. Une approche maximaliste de la musique, véritable foisonnement sonore à la fois spectaculaire et profondément intime. Mais Unfurl ne se contente pas d’en mettre plein les oreilles : c’est aussi un voyage intérieur, une quête de soi poussée jusqu’à la dissolution. Inspiré par le philosophe et psychologue suisse Carl Jung, Asaf Avidan explore la frontière entre le conscient et l’inconscient. Il confie même avoir traversé une expérience presque mystique pendant la création de l’album : à force de méditer, il a eu le sentiment de rompre avec l’existence ordinaire, de plonger dans le néant et de se connecter à un tout. Un vertige existentiel qui a débloqué son processus créatif. Plongée dans l’inconscient artistique « Cette expérience a été de la torture, un enfer. Au final, j’ai abouti à une sorte de dialogue entre le conscient et l’inconscient. Ce n’est pas vraiment du rêve lucide, ni de la méditation, mais un état étrange où l’on échange avec son inconscient, en essayant de lui donner une forme. C’était comme ce que certains décrivent lors de bad trips qui ne s’estompent jamais, où l’on reste coincé entre deux mondes. C’est ce que je vivais, ce que je tentais de traduire en musique. J’ai longtemps cherché le son de cet album », raconte-t-il. Cette dimension philosophique et existentielle irrigue tout l’album. La peur de la mort est omniprésente, le temps se brouille, les rêves se confondent avec la réalité. Dans le titre « Unfurling Dream », le chanteur évoque cette frontière floue entre deux états de conscience, ce glissement permanent entre le tangible et l’imaginaire. S’il ne lit pas la musique et ne maîtrise pas l’orchestration, Asaf Avidan compense par une intuition mélodique certaine et une grande culture cinéphile. Ce nouveau disque rend hommage aux compositeurs de cinéma des années 1940 et 1950 – Bernard Herrmann, compositeurs des films d'Hitchcock ou John Barry qui a signé ceux de la série James Bond notamment –, dont il convoque les paysages sonores riches et évocateurs. Avec Unfurl, Asaf Avidan nous fournit une bande-originale, à nous d’en inventer les images.  Asaf Avidan sera à retrouver en concert à Lyon le 30 octobre, le 31 octobre à Metz, puis au Grand Rex à Paris les 4 et 5 novembre. Asaf Avidan Unfurl (Telmavar Records) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Avec La hauteur de la lune, Oxmo Puccino signe son neuvième et dernier album. Le rappeur franco-malien abandonne un format musical qu'il estime dépassé par les habitudes actuelles engendrées par les plateformes d'écoute. Un « au-revoir » vibrant où la nostalgie se conjugue avec le plaisir des mots et de la plume. Oxmo Puccino prend de la hauteur et s'envole vers une nouvelle vie, sur une lune où il pourra écrire des romans, jouer au théâtre et s'occuper de sa famille, autant d'activités qu'il affectionne ces temps-ci. Car le rappeur ne se reconnait plus dans le monde actuel. « Je suis un homme du 20e siècle », répète-t-il à longueur d'interviews. Comprenez : le rythme de confection d'un album bien écrit ne correspond plus, selon lui, à ce que réclame le Léviathan des plateformes. Il n'y a pourtant aucun pathos dans ses choix. On peut être d'un autre temps et avoir encore des choses à dire, ainsi qu'un brin d'amour-propre pour faire briller son étoile. Comme sur le titre, en mode ego-trip, « Les meilleurs ».  Le sens de la rime, la plume alerte qui ont fait sa réputation sont toujours présents trois décennies après le début de sa carrière. Oxmo Puccino a mûri, et regarde le temps qui passe avec une certaine tendresse, ce temps qui transforme tout, et « estompe les colères », rappe-t-il sur le titre « Fête des Pères ». Le daron du rap, comme le surnomme la profession, passe avec élégance le flambeau à une nouvelle génération, en particulier aux trentenaires Josman et Tuerie, invités sur l'album. Mais il garde pour lui son cousinage d'éloquence avec son ainé et ami Mc Solaar avec qui il partage le micro sur le titre « Ne pas m'aimer », débordant d'autodérision. Oxmo Puccino La hauteur de la lune (Derrières les planches) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Le chanteur français Bertrand Belin sort son huitième album Watt, un disque sur lequel il confirme son tournant artistique et continue, dans ses textes, à cultiver le mystère. Bertrand Belin fait partie de cette catégorie d'artistes dont la carrière est bien établie, mais qui n'ont jamais sorti de véritable tube. Et on peut supposer que ce n’est pas ce qu'il recherche. Pour ceux qui ne le connaissent pas encore, on vous recommande « Hypernuit », un titre emblématique de sa discographie, sorti en 2011. Avec Watt, Bertrand Belin confirme un virage artistique qu'il avait amorcé sur son précédent album Tambour vision. Sur ce dernier, il avait déjà introduit des synthétiseurs, s'éloignant de sa configuration classique guitare, basse, batterie. Soulignons que Bertrand Belin est un excellent guitariste, et c’est avec cet instrument qu’il avait l’habitude de composer, mais pour Watt, il a composé au piano, ce qui, selon lui, offre une autre approche. Pour la production des morceaux, il a privilégié les machines et les instruments à cordes, la guitare étant en retrait, ce qui donne un résultat minimaliste et éthéré. Cependant, un point peut troubler à l'écoute de cet album : la ressemblance avec Alain Bashung, tant dans le chant que dans l'écriture et le choix des mots. C'est d'autant plus surprenant que Bertrand Belin a déjà une identité musicale forte. Dans une interview, il explique faire partie d'une « école musicale qui compte finalement assez peu d'élèves dans ce pays ». Une jolie pirouette, dans une formule qui lui ressemble, mais qui ne répond pas vraiment à la question. C’est le cas par exemple sur « Pluie de data », un morceau remarquable avec une montée en intensité réussie et une écriture remarquable. Finalement, avec Bertrand Belin, il faut prendre ce qu'il propose sans se poser trop de questions. Se laisser porter par la béatitude qu'il suggère, par sa poésie et ses mélodies en pente douce.  Pour finir, évoquons le morceau « L'inconnu en personne » sur lequel il aborde cette idée intéressante, qu'en ville, on croise à longueur de journée des inconnus, sans se douter que chacun d'entre nous transporte un vécu, une histoire, des racines, des désirs, des malheurs et que l'on gagnerait à prendre conscience de cette profondeur avant de s'adresser la parole. Une réflexion profonde et poétique, typique de l'univers de Bertrand Belin. Bertrand Belin Watt (Cinq 7) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Jazz, blues et funk, China Moses promène sa voix magnétique dans l'archipel musical qui l'habite depuis l'enfance. Son nouvel album s'intitule It's Complicated (« C'est compliqué » en français). Voyage au pays de sa propre résilience. En 2017, après un divorce, China Moses quitte Paris et se retrouve à Londres par un soir d'automne pluvieux dans un grand appartement vide. La déprime rôde. Pour la chasser, elle commence à composer et enregistre les prémices de ce qui deviendra, des années plus tard, un album de résilience où les ruptures amoureuses, les amis disparus, les bleus à l'âme, sont dépassés par l'art. De ce qui aurait pu être un pathos ne subsiste dès lors qu'un éthos où l'expertise musicale de China Moses nous propulse dans un univers bigarré de blues, de jazz, de funk, agrémenté par une voix au sommet de sa forme. Accompagnée du trompettiste Theo Croker, ami de sa mère Dee Dee Bridgewater, du guitariste Marvin Sewell et du batteur venu du hip hop Daru Jones, China Moses nous offre un septième album disponible uniquement en CD et vinyles. Un choix radical de celle qui estime que les plateformes de streaming et leurs algorithmes ne favorisent pas « l'écoute intentionnelle ». C'est son ami, le multi-instrumentiste et batteur, Troy Miller qui assure la production de l'ensemble.

Las Baklavas, c’est le nom d’un collectif strasbourgeois qui fait souffler un vent de liberté et de modernité sur les musiques traditionnelles des Balkans et d'Amérique latine. Leur premier EP éponyme est un concentré d’énergie féministe à la fois engagée et festive. Cinq titres éclectiques où le jazz côtoie la techno et où les rythmes du monde se mêlent à des sonorités électro.