Abel Selaocoe fait groover son violoncelle dans son 3e album «Four Spirits»

La compositrice et chanteuse turco-kurde, née aux Pays-Bas, propose un album dans lequel se mêlent à la fois le rock-blues occidental et la musique psychédélique anatolienne. Meydan qui signifie « la place » est, comme il se doit, un lieu de rencontres.  Meral Polat sort son deuxième album Meydan, sous le label belge Werf records, un bouquet d'influences venues de plusieurs continents. Parmi celles-ci, la musique psychédélique anatolienne. Un mouvement constitué dans les années 1960-1970 quand la Turquie s'ouvrait aux influences culturelles occidentales, et Meral Polat en a repris les codes dans sa musique. « Cette époque, avec Led Zeppelin, Jefferson Airplane, The Beatles, The Doors, Jimi Hendrix, a beaucoup influencé les jeunes musiciens anatoliens. Quelques étudiants en musique d'Istanbul ont commencé à combiner la vieille musique folklorique anatolienne avec les guitares électriques, à réarranger les structures, à changer leur nature. Cela a engendré une nouvelle forme musicale que l'on a appelé la musique psychédélique anatolienne », explique-t-elle. Meral Polat est d'origine turque et kurde à la fois. Elle est née et a grandi aux Pays-Bas. Elle est actrice, dramaturge et depuis cinq ans, elle s'est lancée dans la musique avec d'abord un trio axé sur le jazz. Pour son deuxième album, elle a encore élargi sa gamme d'influences en y intégrant des rythmes de blues malien, de l'afrobeat nigérian. Le tout sous l'influence de ses musiciens, le Sénégalais Molla Sylla, et l'Américain Chris Doyle notamment. Ce n'est pas un hasard si son album s'intitule Meydan, la « place » en français. « Nous avons accueilli sur ce projet beaucoup de personnes et d'influences différentes. C'est pourquoi cet album s'intitule Meydan, ce qui signifie, "la place". Sur cette place, on peut entendre différentes voix, voire différents univers. Mais tout se rapproche. Chacun montre ce qu'il est, raconte d'où il vient. Ensemble, nous parvenons à créer quelque chose de nouveau. Du moins, je l'espère », raconte-t-elle. Meydan est aussi un album militant, dans lequel Meral Polat véhicule les messages des femmes iraniennes. Elle nous rappelle que le slogan « JIN - JYAN - AZADI » (« femme, vie, liberté », en français) a été lancé par des femmes kurdes. Sur le titre « Cenek », elle exhorte les femmes et les jeunes filles à revendiquer haut et fort leur liberté : « Cenek est en fait un appel lancé à toutes les femmes et à toutes les filles, afin qu'elles vivent selon leurs propres choix. Une façon de dire, "votre corps vous appartient, votre vie vous appartient, votre voix vous appartient". La philosophie contenue dans "Femme, vie, liberté", c'est qu'il ne peut y avoir de véritable liberté tant que les femmes ne seront pas libres. » Avec sa voix puissante et sa musique hypnotique, Meral Polat apporte à cet album l'ancestral mysticisme des kurdes Alévis, une tradition dont elle se veut dépositaire.  Meral Polat Meydan (Werf records) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

C'est l'un des disques les plus attendus de la rentrée côté français : Labyrinthe, le quatrième album studio de Feu! Chatterton vient de paraître. Avec cette collection de treize titres, le groupe de pop rock franchit une nouvelle étape.  Les cinq musiciens emmenés par le chanteur et auteur Arthur Teboul arrivent à se renouveler tout en restant eux-mêmes : un groupe pop/rock qui allie des textes ciselés et des musiques électrifiées avec un aspect dandy romantique. C'est l'ADN du groupe de ces désormais trentenaires qui se sont rencontrés au prestigieux lycée Louis-le-Grand à Paris. Un groupe dont le nom fait référence à un poète anglais du XVIIIe siècle, Thomas Chatterton, qui s'empoisonna à l'âge de 17 ans. Feu! Chatterton fait la jonction entre la poésie engagée de Louis Aragon ou de Léo Ferré et le rock élégiaque de Noir Désir ou d'Alain Bashung. Bien connus des mélomanes, ils ont accédé à une plus grande notoriété l'an dernier, lorsqu'ils ont accompagné l'entrée au Panthéon de Missak et Mélinée Manouchian en reprenant « L'Affiche rouge », un poème d'Aragon mis en musique par Léo Ferré. En quinze ans d'existence, et après des précédents albums salués par la critique tels Ici le Jour (a tout enseveli) en 2015, L’Oiseleur en 2018 et Palais d’argile en 2021, Feu! Chatterton explore de nouvelles pistes musicales. Flamboyance et énergie Le quintette peut faire des incursions vers les rythmes latinos ou mettre en musique un poème d'Aragon, toujours, « L'Étranger », sur de l'électro. Sur un autre titre « Ce qu'on devient », Feu! Chatterton décline le thème, récurrent chez ce groupe, du temps qui passe, sur des sons qui font penser aux années 80 avec synthétiseurs et boites à rythme. Mais nulle nostalgie mortifère ou figée. Le groupe est très contemporain aussi dans ses thématiques. Par exemple, sur « Mon frère », la voix vibrante et lyrique d'Arthur Teboul dénonce le manque d'humanité dont pâtissent les réfugiés ou demandeurs d'asile. Pour autant, cet album flamboyant n'invite pas au pessimisme, bien au contraire. Les musiciens de Feu! Chatterton, dont plusieurs sont jeunes papas, insufflent de l'énergie et un appel à l'aventure, notamment sur le titre qui ouvre l'album  : « Allons voir ». Feu! Chatterton Labyrinthe (Universo Em Fogo) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Électron libre dans l'univers des violoncellistes, la star sud-africaine Abel Selaocoe dévoile, à 33 ans, son premier concerto pour violoncelle : Four Spirits. Loin des standards de la musique classique, il y intègre rythmes, percussions et chants sud-africains, offrant un récit profondément personnel et résolument inclassable.

Paris Amour, c'est le titre du dixième album studio de Keren Ann à paraître le 12 septembre. Elle fête ses 25 ans de carrière avec cet album sensible et brillant. À 51 ans, avec Paris Amour, Keren Ann déclare sa flamme à son port d'attache, Paris, elle qui est née en Israël en 1974, puis a vécu à La Haye, enfant, avec sa mère néerlandaise, avant de s'expatrier à New York. La globetrotteuse, qui parle quatre langues couramment, célèbre avec ce dixième album studio une carrière de 25 ans. Voire plus ancienne encore, car elle commence très jeune à écrire des chansons, bercées de multiples cultures musicales : variété française, musique yiddish et folk américain. Keren Ann a plusieurs cordes à sa guitare. Elle joue de plusieurs instruments, guitare, harmonica et clarinette. Et fait montre, depuis ses débuts, d'une belle écriture. En témoigne le titre « Jardin d'hiver » qui figure sur son premier album studio, La Biographie de Luka Philipsen, sorti en 2000. Ce n'est pas sa voix qui a rendu ce titre culte, mais l'interprétation d'Henri Salvador. Car la même année, en décembre 2000, le chanteur de 80 ans connaît un come-back spectaculaire avec l'album Chambre avec vue, en grande partie composé par le tandem Benjamin Biolay et Keren Ann. L'album se vend à plus de 600 000 exemplaires et consacre la jeune femme comme l'une des plus talentueuses autrices-compositrices de France. Douceur et mélancolie Ce qui caractérise son écriture, c'est une forme de mélancolie douce, qu'elle chante la solitude, la déprime ou encore et toujours l'amour, comme sur ce titre de son nouvel album, « Les remparts de Saint-Malo ». On pense par moments à Françoise Hardy en l'écoutant, l'une de ses inspiratrices. Au moins autant qu'une autre de ses modèles, l'Américaine Suzanne Vega. Keren Ann est une chanteuse de l'intime, d'une subtile météo personnelle. Même si, sur le titre qui clôt ce dixième album, elle évoque son pays d'origine Israël. Dans « Écho des tirs », sur lequel elle a invité le trompettiste d'origine israélienne Avishai Cohen, elle exprime d'une voix tremblante le chaos émotionnel qui a suivi l'attaque terroriste du 7 octobre 2023. Karen Ann Paris Amour (Bring Back Music) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Il a grandi à la Nouvelle-Orléans, sorti son premier album à 16 ans et a déjà empoché sept Grammy awards. Le compositeur, pianiste et chanteur américain Jon Batiste est de retour avec un nouveau disque intitulé Big Money. S'il reste relativement peu connu en France, Jon Batiste est une star dans son pays. À 39 ans, c’est l'un des rares jazzmen de l'histoire à avoir réussi à s'imposer lors des Grammys face aux mastodontes de l'industrie pop américaine... Son nom est aussi associé à des légendes comme Prince, Stevie Wonder ou Quincy Jones, avec lesquels il a travaillé. L’album qu’il vient de sortir s’ouvre par la chanson « Big Money ». « C’est une chanson qui explique que l'ambition financière détruit beaucoup de choses, surtout celles qui ont une vraie valeur... Mais je fais ce constat sur un rythme dansant, ce qui est une façon de s'en amuser », explique-t-il sur les réseaux sociaux... Cet album aux tonalités blues, soul, jazz et rock est aussi est surtout une ode à la planète. L'expérience de l'ouragan Katrina, qui a dévasté sa ville natale de La Nouvelle-Orléans il y a 20 ans, y est pour beaucoup. Certains titres, comme « Petrichor » décrivent un monde devenu invivable en raison du réchauffement climatique.

Le chanteur, musicien et compositeur sénégalais Sahad, finaliste du Prix Découvertes RFI 2025, dévoile ce jeudi 11 septembre, son nouvel album African West Station. Le fruit de trois années de recherches, de compositions et de productions passionnées. Ce disque inclassable mêle afrobeat, jazz, folk, blues et funk avec une belle fluidité. Le titre de l’opus, African West Station, évoque une station de radio intergénérationnelle, qui diffuse une musique organique, nourrie d’influences multiples venues de tout le continent africain. Sahad s’inscrit dans une démarche d’unité : « On vit sur un continent composé de 54 États, et j’essaie toujours d’intégrer dans ma musique les peuples, les rythmes, les traditions qui nous lient. Je mixe cela avec des sonorités actuelles – funk, hip-hop, blues – qui, venues d’Afrique, ont migré, évolué et se sont enrichies en puisant dans diverses cultures. » Avec cet album, Abdou Karim Sarr (de son vrai nom), rend hommage à l’histoire et aux luttes du continent. Il puise son inspiration dans les racines profondes de l’Afrique, notamment les années 1950 à 1970 : une époque d’effervescence politique et culturelle marquée par la lutte pour la décolonisation. « Je parle des luttes de l’Afrique de l’Ouest – de Thomas Sankara au Burkina Faso, Cheikh Anta Diop au Sénégal, Sékou Touré en Guinée-Bissau, Modibo Keïta au Mali – de cette attitude "funk" propre aux moments de libération des peuples indigènes, à leur combat pour arracher leur liberté et leur indépendance » explique-t-il. Mais pour Sahad, ces combats ne sont pas seulement politiques : ils sont aussi idéologiques, scientifiques et culturels. Les musiques sénégalaises, comme le mbalax ou le sabar, ont souvent intégré le jazz et la soul américaine, la rumba congolaise ou encore les musiques latines, mais tout en résistant face aux influences européennes : une forme de lutte musicale contre la colonisation. Aujourd’hui, Sahad met en musique une Afrique moderne, en mouvement. Un continent tourné vers l’avenir, capable d’écouter, de cohabiter et de danser ensemble. African West Station est un manifeste musical : un voyage entre les luttes du passé, les joies du présent et les rêves d'avenir du continent africain. Sahad sera en concert ce samedi 13 septembre au New Morning, à Paris. Facebook / Instagram

Leo Negro, le troisième album de Jay Wood, rappeur et chanteur canadien, marque une rupture conceptuelle dans son travail. Entre soul expérimentale et explorations sonores, cet album se veut aussi un passage en revue des diverses facettes de la personnalité d'un artiste en recherche constante de nouveauté. JayWood a beau affirmer que sa qualité première est d'être né sous le signe zodiacal du lion, il se trompe. Sa principale qualité demeure son inventivité et sa capacité à renouveler son inspiration. Les onze pistes de Leo Negro offrent un bel exemple d'expérimentations en tous genres. Soul music à tendance psychédélique, rap vintage, r'n'b sirupeux, hommages constants à l'histoire du hip hop et des musiques noires en général, l'album fourmille de références musicales. La voix nonchalante de JayWood n'est pas sans rappeler celle du Californien Vince Staples, et ses collages musicaux font penser (en moins « noisy ») à ceux de JPegmafia, l'expérimentateur de Baltimore. JayWood promène son goût du DIY [« Do It Yourself », fait soi-même, ce qui en Amérique du Nord est plutôt un gage de qualité, NDLR] tout au long de hits rebaptisés des « Jays ». Car les morceaux de l'album constituent, explique-t-il dans la presse, autant de facettes de sa personnalité. Une sorte de portulan mémoriel où l'on naviguerait d'un bout à l'autre de sa psyché. « J'adore l'idée de construire un monde et de faire de la musique loin de la réalité » dit-il à propos de cet album qui se veut donc une pure illusion. Les lions, c'est bien connu, sont de grands menteurs. 

Le Festival Jazz à la Villette bat son plein à Paris avec – à l'affiche ce 5 septembre 2025 – l'inclassable Jacob Banks. Ce chanteur, auteur-compositeur et producteur britannique de 34 ans né au Nigéria présente son quatrième album Yonder : 15 titres et presque autant de styles. 

La batteuse et compositrice française Anne Paceo sort un tout nouvel album, Atlantis. Un opus inspiré de la légende de l’île mythique, gigantesque et mystérieuse, que Poséidon aurait reçue lors du partage du monde entre les dieux, avant d’être engloutie par les flots en raison de la corruption et du matérialisme de ses habitants. Au cœur de cet album, une révélation personnelle pour Anne Paceo : la plongée sous-marine. Atlantis est un album né dans l’eau et construit autour de cet élément. Chaque immersion sous-marine a fait jaillir de nouvelles mélodies dans la tête d'Anne Paceo, dès son retour à la surface. Les treize titres qui le composent forment un subtil mélange de genres. Le jazz, terreau d'Anne Paceo, y est revisité avec une ambition pop, à travers des mélodies accrocheuses et un mixage soigné. La batteuse s'amuse avec des structures répétitives qui frôlent la transe, laissant une place grandissante à la musique électro. Malgré cette diversité, l’album reste très homogène, notamment grâce à la cohésion entre les différents musiciens qui accompagnent Anne Paceo : Gildaa, Cynthia Abraham, Laura Cahen et Piers Faccini au chant, Christophe Panzani au saxophone, Zacharie Ksyk à la trompette, Gauthier Toux au piano et Oxy aux claviers. « Je suis allée chercher des musiciens et des musiciennes qui appartiennent à la génération d'après moi. Je trouve que la génération des artistes âgés de 20 à 30 ans aujourd’hui possède vraiment cette connaissance du jazz, mais aussi de l'électro et de la pop. J'écoute toutes ces musiques et je cherche à m'inscrire dans cette direction depuis fort longtemps. J'ai l'impression que la génération actuelle s'en est vraiment emparée ! » se réjouit-elle. Anne Paceo présentera ce nouvel album ce jeudi 4 septembre 2025, à Paris, dans le cadre du festival Jazz à la Villette.

Yvonnick Prené, l’un des meilleurs harmonicistes de sa génération, sort ce vendredi 5 septembre son nouvel album Un harmonica pour Django. Ce Français qui vit à New York depuis 2007 rend hommage à Django Reinhardt, guitariste exceptionnel qui a inventé et popularisé le style jazz manouche à partir des années 1930. Jouer Django Reinhardt à l’harmonica pourrait surprendre, d’autant que ce petit instrument à vent est souvent boudé – à tort sans doute – par les musiciens de jazz manouche. « L'harmonica est un instrument qui possède un potentiel énorme, qui est parfait pour improviser sur des thèmes de jazz », explique Yvonnick Prené. C’est en 2007 que le jeune homme débarque à New York. Ce séjour qui entrait dans le cadre d’un échange entre universités devait durer un an. Au gré de ses rencontres avec les musiciens new yorkais les choses ont pris une autre tournure. « Pour moi, il était devenu impensable de retourner à Paris, explique-t-il. J’ai demandé une prolongation de mon séjour d’un mois, puis deux, puis de six mois... Finalement, cela fait 18 ans que je vis ici. Les premières années ont été assez difficiles : je n’étais pas un jazzman aguerri, il a fallu que je travaille énormément. » Pour cet album, Yvonnick Prené, s’est entouré de quelques-uns des meilleurs représentants de la scène jazz manouche française : Adrien Moignard à la guitare solo, Mathieu Chatelain à la guitare rythmique, Diego Imbert à la contrebasse, et en invité exceptionnel sur plusieurs morceaux le légendaire guitariste Biréli Lagrène.