漫画の神様・手塚治虫先生の『火の鳥』こそ、実は「漫画の教科書」から一番遠い作品かもしれない #131

自分で描いたキャラを自分で愛せることができたら、漫画制作の時間はとても素晴らしいものになります。ただ、オリジナルでそれほど魅力のあるキャラを生み出すのは、当然ながら簡単なことではありません。 そこで皆さんにおすすめしたいのが、既存作品の中で自分が一番愛してるキャラクターの「どこの部分に最も惹かれているか」を分解してみる方法です。 例えば、髪型を変えたら惹かれなくなるというのであれば「髪型」を重視していることになりますし、関係ないということであれば、髪型は特に自分の中では萌えポイントではないということに。 そうやって、何が互換可能で、何が譲れない部分なのかを、見た目・仕草・考え方など、あらゆる点で検証してみましょう。その結果見えてきた「譲れない部分」だけを残し、それ以外を全部変えてみたら・・・。それはもう自分オリジナルのキャラになるはずですし、元のキャラを超えた魅力の持ち主になっている可能性さえあるわけです。 あわせて、自分がこれまで好きだった既存キャラの遍歴から、「どこが共通していたか」を探ってみるのも、きっとヒントになるはずです。そこで出てきたいくつかの共通項をもとに、それらの要素を完璧に満たした自分オリジナルのキャラを作成してみましょう。 それができたら、次は舞台や設定、能力・・・と、そのキャラが活躍できる要素を整えていくことで、最終的には自分で描いて自分が一番愛せるキャラとなっていくはずです。 いろいろ組み替えてみて、ダメだったらまた再考するという作業はきっと楽しいと思いますので、キャラづくりにお悩み中の方はぜひ一度お試しくださいませ。

世界観や設定などを創るのが大好きな一方、キャラの魅力やストーリー等がどうしてもイマイチになってしまう……。そんな方におすすめなのが、「描きたい世界の中にある問題」について描く方法です。 「パッと見は上手くいってるけど、実は問題がある・・・」という世界の中で、主人公はその問題に対してどう立ち向かっていくか。それを描くだけで魅力的なストーリーは成立します。 そしてその問題は、実は「解決」をする必要はないのです。世界観を賞賛されるような名作も、その多くは「主人公がいかにその世界の問題に立ち向かっていくか・その世界の中でどう生きるか」をテーマとしているだけで、世界そのものを変えるというような描かれ方はしていません。 世界が抱える問題の内容については、現代の課題をその世界の何かに置き換えつつ、少しでいいので誇張をしてみましょう。それだけでもう十分なリアリティがでてくるはずです。 世界観や設定ならどんどん思いつく・拡張できるのだけど、どうもストーリーにまで落とし込めないという方、ぜひ試してみてください！

「主人公のキャラをもっとわかりやすく・個性的に」というアドバイスを受ける機会は多い一方、等身大・普通の人を主人公として描きたい場合、その特徴が物語のノイズになってしまうと懸念する人もいるのではないでしょうか。 基本的に漫画の知名度＝キャラの知名度というところがあり、特徴がつくほど、キャラが勝手に動いて物語が進んでくれるようになっていきます。一方で「普通の人」は動いてくれないので、物語を進めるためには「出来事・状況」を特徴的にする必要があります。 普通の人の普通の状況は物語として成立しないので、例えばピンチな状況を描くのであれば、自分が思う何倍もピンチにしてみる。それによって物語の魅力が増し、キャラも立っていくようになるでしょう。 また、出来事ばかり描いてしまって感情が描けない、という人は、一度「感情だけ」を描いてみましょう。喜怒哀楽のそれぞれで、大袈裟なぐらいに描く。そうすると、思ったより「感情が出ていない」ことに気づくはずです。 まずは描くべき感情を決め、それを引き起こすために出来事を逆算して組み立ててみてください。そのうえで、そこに感情を混ぜてみると、いろんな表情が描けるようになり、同じストーリーでも全く違った作品となっていきます。 「感情を表現するために出来事を描く」という感覚を掴み、そこで感情ブレンドをやってみると、きっと楽しく漫画が描けるはずです！ そんなわけで、今回で（たぶん）1周年を迎えた「漫画家ためになるラジオ」。2年目も、どうぞよろしくお願いします！

自分が読者に抱かせたい感情と、実際に読者が抱く感情がズレてしまう……という悩み。とはいえ感情の受け取り方は人それぞれであり、全く同じものをみていても、真逆の感情を抱くことだってあるのが人間です。 だからこそ、重要になってくるのが「作品内でのリアクション」です。この登場人物は一体どういう位置付け・キャラなのかは、作品内のオーディエンスのセリフや反応などで説明されているケースが実はほとんどではないでしょうか。 キャラクターの描き分けなんかにも限界がある以上、画ではなく文字で示すことも、非常に重要なアプローチなんです！ ・・・という感じで、今回は久しぶりの「大お便りお答え回」として、 ・漫画の副業はどう申請すればいい？ ・SNSフォロワー少ないけど大丈夫だろうか ・負の感情とエンタメ、どう両立させられるのか ・ストーリー作りが苦手で、いつも話が収束しない などなど、全部で6つの質問にお答えさせていただいております！ 皆様、いつもお便り本当にありがとうございます！ お便りお答え回は今後ともどんどんやっていきたいので、引き続きどしどしとお便りをお寄せくださいませ！ よろしくお願いします！！

漫画を描くうえで「自信」はどれぐらい必要なのでしょうか。自信を失うと全く描けなくなってしまう人がいる一方で、どんな状態でも描ける人・むしろ描くことで満たされる・状態が回復する人も、同じくらいいるのではないでしょうか。 前者は描く動機が「他者からの評価」、描くことが手段という人。後者は「描きたい！という気持ち」自体が動機であり、描くことが目的という人。 そんな風に分類もできると考えると、「とにかく自信をもって描いてください！」というアドバイスは、全員に共通するものではないということに。成長へのアプローチとしても、前者は「成功体験」、後者は良いツールや仲間といった「環境」こそが重要になってくるのかもしれません。 一方で、描いた作品を他人にみせる場合は、自信ではなく「耐性」の問題となってくるなど、一括りに「自信」を軸として考えてしまうこと自体が、いろいろな認識齟齬の原因となっている可能性も。 そんなわけで今回は、マンガスクリプトDr.ごとうが、これまで自身の講座や動画でずっと訴えてきた「自信」の重要性を、そもそも疑い直してみる、という貴重な回になっています（笑）

画力をアップさせる練習の1つに「模写」があります。プロの漫画家の画という完成形に対し、自分はどこまで正確にそれを再現できる技術があるのか、比較しながら学べるいい機会となるでしょう。 さらには毛先の細かい描写、パーツの配置など、ただ漫画を読んでいるだけでは絶対に気づかないようなプロの技術やこだわりを再確認できる機会にもなります。 そして取り組みの際、特に意識してほしいのが、線のストロークの綺麗さと速さの再現です。プロと同じ速さでサッと描き、同じぐらい綺麗な線が引けているかどうか。線のつなぎ目をみて、同じところまで一筆で弾けるかどうか。タッチの差をぜひ意識してみてください。 一方で、模写と似てはいるものの、効果という点で疑問があるのは「画をなぞる」という練習方法。漠然と線をなぞるだけでは、単なる作業となってしまって何も身につかない可能性も……。練習は、目的意識をしっかりもって取り組みましょう！

漫画のコマ割りは、大きく２種類に分類されます。１つが、読者に興味・関心を持たせるコマ。そしてもう１つが、読者の発見・理解・解放をもたらすコマです。 読者感情としては、「どなるんだ？」という期待と、「こうなるんだ」という納得や意外性。緊張と緩和、フリとオチとも言い換えられますが、これらのコツさえ掴めば、どんなストーリーでもこの繰り返しで読み進めさせることができるはず。 バランスとしては、フリが２か３に対して、オチが１、ぐらいでしょうか。フリが続きすぎると引っ張りすぎの印象になりますし、１対１では早すぎることに。 今回は漫画の構造を理解するうえで大切な２種類の組み合わせを身につけるため、「読者に語りかける漫画」という新感覚すぎる手法への挑戦の感想も含め、しっかり解説していきます！

画力を向上させるための日々の練習に励んでいる人は多くいますが、気になるのが「回数」や「時間」ありきでの取り組みとなっていて、「満足いくまで仕上げる」ことを優先していないのではないかという点。 習慣化を信仰するあまり、ゴールに辿り着くことを放棄していては、「できた！」という感覚を自分で掴むことができません。たしかに最初は時間がかかるかもしれませんが、まずはできるまでやってみる。そして、できるようになるまでの時間を減らすことを目指す。それが正しい順番ではないでしょうか。 筋トレなどのように習慣化そのものを目的とするのではなく、上手くできたという感覚を体に染み込ませることが、反復練習の本来の目的のはず。逆に、上手くできていない感覚をいくら繰り返しても、その技術を身につけることはできません。 もし画力向上のためのトレーニングの成果に頭打ちを感じている方がいたら、ぜひこの機会に見直してみましょう！ なお、現在コルクスタジオで取り組んでいる画力向上のための課題は以下の６つになりますので、参考にどうぞ。 １）線の強弱 ２）ペンの抜き ３）ペンの入り ４）円（綺麗な曲線を描き、つなげる） ５）正確な楕円 ６）立方体

他の人から見れば、「そんなことで悩まなくても」「もっと気軽に考えたら？」と言われそうなことでも、本人的にはどうすればいいかわからないダメ出し・やり直し依頼は数多くあると思います。 編集者から否定（ダメ出し・やり直し依頼）を繰り返されてしまうと、自分の中でどんどん迷いが生じてしまい、余計わからなくなってしまう事態に。そんなときに意識したいのが「ユーモア」の気持ちなんですが、それも余裕があってこそのもの。否定されることを恐れている状態では、自信も持てません。 そんなときにおすすめの方法は、ひとまず案をたくさん出すこと。本来必要なのは作者である自身の言葉なのに、正解探しのモードになってしまっているようなら、とりあえずたくさん出してみましょう。 心構えとしておすすめなのは、自己肯定まではしなくていいので、自己受容をすること。できてない部分はできてない部分として認め、そんな自分をまずは受け入れてみることが大切です。 いずれにしても、自分を否定してしまっているような状態では、読者に向かって投げかけられる言葉も生まれません。自分を否定せず、余裕を取り戻せるような行動・心構えを意識していきましょう！

作品内におけるキャラクターや世界観、関係性などを重視する漫画家ほど、そこに「自分」という存在が介在することを良しとしない部分があります。 描いているのはもちろん自分ですが、その世界が在ること自体に喜びや嬉しさを感じている以上、実は作者である自分こそが「一番その世界から消したい存在」と言えるのかもしれません。 では作者＝自分とは一体何か、という問題が生じるわけですが、強いて言えば「観測者」という位置付けでしょうか。作者でありながら、目線が入ってしまうと作品世界の純度が下がってしまうため、不在であることを必要とされる不思議な存在。作品自体、本人の意思が介在しないまま自動で筆が走る、いわゆる「神の手」の状態になることが、漫画家としての理想と言えるのかもしれません。 これまで「作品を届けたい相手が明確に存在しているタイプ」と「作品を届けたい相手が自分というタイプ」の２種類に漫画家は分けられるという話を繰り返してきた本ラジオですが、「届けたい誰かが明確に存在しているわけではないし、自分に届けたいわけでもない」という疑問を抱いた人もいたのではないでしょうか。 今回はあらためて「作品づくりにおける自分とは何か」「自分に向けて描いているとは、結局どういうことか」といったテーマについて、考えてみたいと思います！