Choses à Savoir - Culture générale

Ces deux expressions, bien connues des professionnels de la scène, désignent respectivement la gauche et la droite de la scène... mais pas du point de vue du public, comme on pourrait le croire. Elles sont définies du point de vue des comédiens, c’est-à-dire quand on est sur scène, face au public : le côté cour est alors à gauche, et le côté jardin, à droite. Mais d’où viennent ces termes étranges, et pourquoi ne pas simplement dire "gauche" et "droite" ?Pour le comprendre, il faut remonter à l’époque de Louis XIV, au XVIIe siècle, plus précisément à l’un des lieux les plus prestigieux du théâtre français : la salle des Machines du Palais des Tuileries, à Paris. Ce théâtre, intégré au palais royal, était immense pour l’époque et doté d’un impressionnant système de décors mobiles.À cette époque, les termes "gauche" et "droite" posaient problème : selon qu’on soit comédien, metteur en scène, machiniste ou spectateur, les repères n’étaient pas les mêmes. Il fallait donc trouver une référence fixe, indépendante du regard. C’est là qu’interviennent le jardin et la cour du palais.Sur la scène du théâtre des Tuileries, quand on regardait vers la salle, on avait :à gauche, le côté qui donnait sur la cour du palais,à droite, celui qui ouvrait sur le jardin des Tuileries.Les machinistes, qui avaient besoin de repères précis pour les décors et les effets scéniques, ont commencé à parler de « côté cour » et « côté jardin ». Petit à petit, ce vocabulaire s’est imposé dans les théâtres parisiens, puis dans toute la France, notamment à partir du moment où la Comédie-Française s’installe en 1799 dans le théâtre de l’Odéon, puis dans la salle Richelieu. Le langage est conservé même si l’architecture des lieux change.Ces termes ont l’avantage d’éviter toute ambiguïté. Si un metteur en scène dit « Tu entres côté jardin », tous les comédiens savent que cela signifie la droite de la scène — toujours en se plaçant dans la peau du comédien, dos au décor, face au public. Cela évite de dire "ta gauche" ou "ma droite", qui peuvent varier selon la position de chacun.Aujourd’hui encore, côté cour et côté jardin restent en usage dans les théâtres francophones, aussi bien en France qu’au Québec ou en Belgique. Ils sont parfois indiqués sur les plans des scènes ou dans les consignes techniques.C’est donc un bel exemple de langage issu de l’histoire et de l’architecture, conservé pour sa précision. Une preuve que, même dans le monde de l’art vivant, les mots hérités du passé continuent de structurer le présent. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lorsqu’on observe un chien marcher pieds nus sur la neige, on peut légitimement se demander comment il ne gèle pas sur place. Pourtant, même par des températures très basses, les chiens ne semblent pas souffrir du froid aux pattes. Ce phénomène s’explique par un mécanisme biologique étonnant : un système d’échangeur thermique à contrecourant présent dans leurs coussinets.Ce système ingénieux permet aux chiens de conserver leur chaleur corporelle, même lorsque leurs pattes sont en contact direct avec un sol glacé. Le principe repose sur une astuce de circulation sanguine. À l’intérieur des pattes, les artères (qui transportent le sang chaud venant du cœur) sont étroitement entourées par des veines (qui ramènent le sang refroidi vers le cœur). Cette disposition particulière permet au sang chaud artériel de transmettre sa chaleur au sang veineux qui remonte, avant même que celui-ci n’atteigne le tronc de l’animal.Autrement dit, le sang qui descend vers les extrémités réchauffe le sang qui remonte, limitant ainsi les pertes de chaleur vers l’extérieur. Ce transfert thermique se fait à très petite échelle, directement à travers les parois des vaisseaux sanguins. En conséquence, le sang qui retourne au cœur est déjà réchauffé, et les pattes du chien restent juste assez chaudes pour ne pas geler, sans gaspiller inutilement de l’énergie.Ce type de système n’est pas propre aux chiens. On le retrouve aussi chez d’autres animaux adaptés au froid extrême, comme les manchots, les renards polaires ou certains oiseaux. Chez tous, l’objectif est le même : réduire la perte de chaleur tout en maintenant une circulation sanguine suffisante dans les extrémités.Il faut également noter que les coussinets des chiens sont constitués de tissus particulièrement résistants au froid. Ils sont épais, riches en graisse, et relativement peu sensibles aux basses températures. Ce tissu adipeux agit comme un isolant naturel, limitant encore davantage les effets du froid.Grâce à ce double mécanisme — l’échangeur thermique à contrecourant et les tissus adaptés — les chiens peuvent marcher sur la neige ou la glace sans ressentir de gêne particulière, et ce jusqu’à des températures aussi basses que -35 °C. Bien sûr, cela ne signifie pas qu’ils sont insensibles au froid en général, mais leurs pattes, elles, sont véritablement conçues pour l’endurer.Ce petit miracle de la nature rappelle combien les animaux ont développé, au fil de l’évolution, des stratégies sophistiquées pour survivre dans des environnements extrêmes. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Dans la mythologie grecque, Apollon est l’un des dieux les plus vénérés et les plus complexes. Fils de Zeus et de Léto, frère jumeau d’Artémis, il incarne à la fois la lumière du soleil, l’harmonie musicale, la beauté, la médecine, la prophétie, et même la justice. Il est donc naturel que les attributs qui lui sont associés — notamment la lyre et le dauphin — reflètent cette richesse symbolique. Et ces deux symboles, pourtant très différents, racontent chacun une histoire profondément ancrée dans les récits mythologiques.La lyre, tout d’abord, est sans doute l’attribut le plus emblématique d’Apollon. Elle incarne son rôle de dieu des arts et de la musique, mais aussi sa capacité à instaurer l’harmonie entre les hommes et les dieux. Selon la légende, l’instrument n’a pas été inventé par Apollon lui-même, mais par Hermès, le dieu farceur, alors qu’il n’était encore qu’un nourrisson. Pour se divertir, Hermès aurait tué une tortue, tendu des boyaux d’animaux morts sur sa carapace et ainsi créé la toute première lyre. Peu après, il vole le troupeau de vaches appartenant à Apollon. Lorsque ce dernier découvre le vol, il s’apprête à punir Hermès, mais ce dernier, pour se faire pardonner, lui offre la lyre. Séduit par la beauté de l’instrument et par les sons qu’il en tire, Apollon accepte l’échange.Dès lors, Apollon devient le dieu de la lyre, celui qui inspire les poètes, les musiciens et les chanteurs. Il dirige les neuf Muses, qui représentent les arts et les sciences, et joue de la lyre pour adoucir les cœurs, apaiser les conflits, et exprimer l’ordre du monde. La musique d’Apollon n’est pas simplement un art : elle est une manifestation de la logique, de la beauté parfaite et de l’équilibre cosmique.Mais Apollon est aussi lié à un tout autre univers : celui de la mer. C’est là qu’intervient un second symbole : le dauphin. Cet animal est associé à l’un des grands récits fondateurs du culte d’Apollon : la création de l’oracle de Delphes. Selon le mythe, Apollon, cherchant à établir son sanctuaire, repère un navire crétois au large. Pour guider ses futurs prêtres, il se transforme en dauphin et nage jusqu’au navire. Fascinés par l’apparition, les marins suivent le dauphin jusqu’au rivage, où Apollon reprend forme humaine et leur annonce qu’ils serviront désormais dans son temple.Ce geste donne à Apollon une autre dimension : celle du guide spirituel, capable de mener les hommes de la mer vers la terre sacrée, du monde matériel vers le monde divin. Le dauphin devient le symbole de cette fonction de passeur, de protecteur, mais aussi de lien entre les éléments : la mer, la terre et le ciel.Ainsi, qu’il soit représenté avec une lyre ou un dauphin, Apollon révèle toujours une facette de son immense pouvoir : celle qui unit les arts, la sagesse et la guidance divine. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

On raconte parfois, de manière aussi intrigante qu’inattendue, que les nazis auraient inventé la poupée gonflable. Cette affirmation repose sur une histoire qui, bien que peu connue, alimente les fantasmes et les anecdotes historiques insolites. À l’origine de cette rumeur se trouverait un projet secret lancé pendant la Seconde Guerre mondiale, baptisé « Borghild Project ».L’idée, attribuée au régime nazi, aurait germé au sein de la SS dans les années 1940. Les soldats allemands, envoyés en nombre sur les fronts de guerre, étaient souvent confrontés à l’ennui, à la solitude et aux tentations locales, notamment les prostituées. Les responsables nazis craignaient que leurs troupes contractent des maladies sexuellement transmissibles, en particulier la syphilis, à un moment où les traitements étaient encore rudimentaires. De plus, ils voulaient à tout prix préserver la « pureté raciale » selon les dogmes de l’idéologie aryenne. La solution envisagée fut aussi surprenante qu’inhabituelle : concevoir des poupées sexuelles transportables, utilisables par les soldats pour éviter tout contact avec les populations locales.C’est ainsi qu’aurait été lancé le Borghild Project, supposément soutenu par Heinrich Himmler, l’un des hauts dignitaires du régime nazi. Les poupées devaient être de petite taille pour tenir dans un sac à dos, légères, discrètes et conçues pour ressembler à l’idéal féminin aryen : cheveux blonds, yeux bleus, traits européens. Une dizaine de prototypes auraient été fabriqués, à base de caoutchouc, mais le projet n’aurait jamais été déployé à grande échelle.Pourquoi cet échec ? D’après la rumeur, les soldats auraient refusé d’utiliser ces poupées, jugeant humiliant de transporter un tel objet, surtout s’ils risquaient d’être faits prisonniers. L’idée d’expliquer à un ennemi, lors d’une fouille, la présence d’une poupée gonflable dans leur paquetage leur semblait pour le moins embarrassante.Aujourd’hui, les historiens ne disposent d’aucune preuve irréfutable de l’existence de ce projet. Les documents relatifs à Borghild sont rares, et certains pensent qu’il s’agit davantage d’une légende urbaine que d’un fait historique avéré. Toutefois, cette anecdote reste fascinante, car elle montre jusqu’où une idéologie peut pousser une armée à chercher des « solutions » technologiques pour contrôler les comportements humains — même les plus intimes.Ainsi, même si l’on ne peut affirmer avec certitude que les nazis ont « inventé » la poupée gonflable, cette histoire illustre parfaitement la manière dont la guerre, la propagande et l’idéologie peuvent engendrer les idées les plus inattendues. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Pour écouter mon podcast Le fil IA:Apple Podcast:https://podcasts.apple.com/fr/podcast/le-fil-ia/id1797244733Spotify:https://open.spotify.com/show/7DLZgY60IARypRmVGAlBM0?si=bacee66244884d27-----------------------------Excellente question de culture générale ! Derrière le célèbre conte de Blanche-Neige, popularisé par les frères Grimm au XIXe siècle, se cache peut-être une femme bien réelle. Oui, il se pourrait que Blanche-Neige ait réellement existé — du moins, que le conte s’inspire d’une personne historique. Voici l’histoire.Des frères Grimm à la vraie Blanche-NeigeLe conte de Blanche-Neige, publié pour la première fois par Jacob et Wilhelm Grimm en 1812, raconte l’histoire d’une jeune fille à la peau blanche comme la neige, poursuivie par une marâtre jalouse de sa beauté, protégée par sept nains et sauvée par un prince.Mais ce conte, comme beaucoup d’autres collectés par les Grimm, n’est pas une invention totale. Il est inspiré de récits populaires plus anciens, transmis oralement depuis des siècles. Et selon plusieurs historiens et chercheurs, il pourrait avoir pour origine la vie d’une jeune noble allemande du XVIIe siècle.Maria Sophia von Erthal : la vraie Blanche-Neige ?C’est le nom qui revient le plus souvent dans les hypothèses historiques. Maria Sophia Margaretha Catharina von Erthal est née en 1725 à Lohr am Main, en Bavière (sud de l’Allemagne). Elle appartenait à une famille noble, et son père, le baron Philipp Christoph von Erthal, était un homme influent.Après la mort de sa mère, Maria Sophia aurait été élevée par une belle-mère sévère, qui aurait favorisé ses propres enfants et maltraité la jeune fille. Ce portrait fait évidemment penser à la méchante reine du conte, jalouse et cruelle.Autre détail troublant : dans le château de Lohr, où vivait la famille, se trouvait un miroir dit "magique", fabriqué en 1720 par la célèbre manufacture de verre de la région. Ce miroir, aujourd’hui conservé dans un musée, aurait pu inspirer le célèbre "Miroir, mon beau miroir...".Les nains, eux, pourraient être une référence aux mineurs qui travaillaient non loin de là, dans les montagnes du Spessart. À l’époque, ces ouvriers étaient souvent de petite taille à cause de la malnutrition, et travaillaient dans des galeries étroites, parfois dès l’enfance.Conte, réalité… ou les deux ?Bien sûr, il est impossible d’affirmer avec certitude que Maria Sophia est Blanche-Neige. Mais il est probable que les frères Grimm, qui étaient eux-mêmes allemands, aient entendu cette histoire régionale et l’aient transformée en un conte universel. Ils étaient d’ailleurs très attachés à collecter les traditions orales locales.Comme souvent dans les contes, la réalité historique a été enrichie, dramatisée et symbolisée : la pomme empoisonnée, le cercueil de verre, le baiser du prince… Autant d’éléments narratifs venus se greffer sur un noyau d’histoire vraie. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

C’est un phénomène étonnant : certains arbres tropicaux “aiment” recevoir la foudre, ou du moins, ils semblent en tirer profit. Contrairement à l’idée répandue selon laquelle la foudre est toujours destructrice, une étude récente menée par des chercheurs du Cary Institute of Ecosystem Studies suggère que certains arbres auraient évolué pour non seulement tolérer la foudre, mais aussi en bénéficier.Un phénomène loin d’être rareDans les forêts tropicales, les orages sont fréquents, et chaque éclair peut transporter une énergie colossale — jusqu’à un milliard de volts. En moyenne, un hectare de forêt tropicale peut être frappé plusieurs fois par an. À ce niveau d’intensité, on pourrait penser que la foudre tue systématiquement les arbres. Et pourtant, certaines espèces non seulement survivent, mais semblent prospérer dans les zones les plus foudroyées.Une stratégie évolutive ?L’étude du Cary Institute, publiée en 2023, a observé des forêts en Amérique centrale, équipées de capteurs pour détecter les impacts de foudre. Les chercheurs ont remarqué que certaines espèces d’arbres, comme certains figuiers ou palmiers, étaient touchées de manière disproportionnée par la foudre. Et pourtant, elles n’étaient pas celles qui en mouraient le plus. Au contraire, elles présentaient une capacité étonnante à résister aux dommages, voire à bénéficier de la situation.Pourquoi cette “préférence” pour la foudre ?Plusieurs hypothèses se dessinent. D’abord, ces arbres auraient acquis au fil de l’évolution des caractéristiques physiques particulières : un tronc droit, une hauteur importante, une écorce épaisse, ou des tissus capables de canaliser l’électricité sans être détruits. Mais le plus fascinant, c’est l’idée que la foudre pourrait leur donner un avantage compétitif.En frappant un arbre voisin moins résistant, la foudre peut le tuer ou l’affaiblir, créant une ouverture dans la canopée. L’arbre plus résistant profite alors de la lumière et de l’espace libérés pour croître plus rapidement. En d’autres termes, se faire frapper (et survivre) permettrait à certaines espèces de dominer l’espace.En résuméLoin d’être un accident fatal, la foudre pourrait être un facteur sélectif dans l’évolution des arbres tropicaux. Certaines espèces semblent avoir développé des stratégies pour attirer ou tolérer les éclairs, et en tirer un bénéfice écologique. La nature, une fois de plus, révèle son incroyable capacité d’adaptation… même face à l’électricité du ciel. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Aujourd’hui, il est obligatoire qu’une raquette de tennis de table ait deux faces de couleurs différentes : une rouge et une noire. Ce détail, qui semble anodin, est en réalité le fruit d’une évolution stratégique et réglementaire dans l’histoire du ping-pong. Et pour comprendre cette règle, il faut remonter aux années 1970 et 1980, une époque marquée par des innovations technologiques… et un certain flou réglementaire.À cette période, plusieurs joueurs commencent à utiliser des raquettes aux deux faces recouvertes de revêtements très différents : par exemple, un côté avec un revêtement « backside » très adhérent, capable de produire beaucoup d’effet (ou spin), et un autre avec un caoutchouc « picots longs » ou « anti-top », qui réduit ou inverse les effets.Parmi les joueurs les plus redoutables dans ce style de jeu, on trouve Miloslav Hamer, un joueur tchèque qui, dès les années 1960, expérimentait ce type de raquette. Mais c’est dans les années 1980 que cette tactique atteint son apogée, notamment avec des joueurs comme John Hilton, un Britannique, qui remporte de manière inattendue les Championnats d’Europe de 1980 à Berne. Sa raquette combinait deux revêtements très différents, ce qui rendait ses coups imprévisibles. Hilton alternait les faces de raquette si subtilement que ses adversaires étaient complètement déroutés.Le problème ? Les deux faces de sa raquette étaient de la même couleur, généralement rouges. Résultat : impossible pour l’adversaire de savoir avec quelle face Hilton frappait la balle… et donc quel effet il allait produire. Le déséquilibre devenait évident. Ce type de jeu, considéré comme peu spectaculaire et frustrant pour les spectateurs, a provoqué une vraie crise dans le monde du tennis de table.Face à cela, la Fédération Internationale de Tennis de Table (ITTF) décide de réagir. En 1986, elle adopte une nouvelle règle :▶ Les deux faces de la raquette doivent désormais avoir des couleurs nettement différentes,▶ L’une doit être rouge vif, l’autre noire mate,▶ Et les joueurs doivent montrer leur raquette à l’adversaire avant le match.Cette décision vise à rendre le jeu plus lisible, plus équitable et plus spectaculaire. Le public peut suivre les échanges avec plus de clarté, les adversaires peuvent anticiper les effets, et la stratégie reste visible, sans devenir une forme de "triche technique". Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

L’expression « faire le mariolle » (ou le mariole) signifie aujourd’hui faire le malin, se donner en spectacle, ou se croire plus intelligent que les autres, souvent à tort. Mais d’où vient ce mot, et quel est son lien avec… Napoléon Bonaparte ? C’est une histoire à la fois linguistique et historique.Une origine italienne… napoléonienne ?Le mot "mariolle" serait dérivé de "mariolo" en italien, qui désigne un filou, un fourbe, voire un voleur rusé. Le terme aurait été introduit en français au début du XIXe siècle, précisément à l’époque des campagnes napoléoniennes en Italie.Les soldats français en contact avec les Italiens auraient ramené ce mot dans leur langage courant, en le francisant. À l’origine, un "mariolle", c’est donc un petit malin, un type rusé, souvent avec une connotation péjorative.Mais alors, quel rapport avec Napoléon ?C’est là que ça devient intéressant. Selon certains linguistes et historiens du langage, le mot "mariolle" aurait été associé dans l’armée française à une catégorie particulière de soldats : ceux qui voulaient se faire remarquer par leur bravoure, leur panache, leur façon de "frimer" auprès des officiers… souvent sans en avoir les compétences.Dans les rangs de l’armée napoléonienne, "faire le mariolle", c’était se pavaner, parler fort, faire le fanfaron… mais pas forcément briller au combat. Bref, le contraire du vrai courage militaire. Napoléon lui-même aurait raillé ce genre de comportement, préférant la discipline et la stratégie à la fanfaronnade.L’évolution du sensAu fil du temps, l’expression s’est répandue dans le langage populaire français. On disait d’un homme qu’il « faisait le mariolle » s’il se donnait un genre, jouait au plus malin, ou prétendait tout savoir sans raison valable.Aujourd’hui, l’expression conserve ce sens d’arrogance légère, un peu moqueur, sans pour autant être franchement insultante. On l’emploie souvent sur un ton familier ou amusé. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Pendant des siècles, l’Église catholique a refusé d’accorder des funérailles religieuses aux personnes mortes par suicide. Ce refus, souvent perçu comme cruel ou incompréhensible aujourd’hui, repose sur une vision religieuse très précise de la vie, du péché… et du salut.Dans la tradition chrétienne, la vie humaine est un don sacré de Dieu. Elle ne nous appartient pas en propre : nous sommes les gardiens de notre vie, mais c’est Dieu qui en est le maître ultime. C’est ce que l’on retrouve dans la Genèse, où il est dit que « Dieu créa l’homme à son image » (Gn 1,27), ou dans le livre de Job, où Job déclare : « Le Seigneur a donné, le Seigneur a repris » (Jb 1,21). Ainsi, mettre fin à sa propre vie, même dans la souffrance, a longtemps été vu comme un rejet du dessein divin.Autre fondement : le commandement biblique « Tu ne tueras point » (Exode 20,13). La théologie catholique a longtemps interprété ce commandement comme s’appliquant aussi au suicide, considéré comme une forme d’auto-homicide. Le geste n’était donc pas seulement perçu comme une tragédie personnelle, mais comme un péché grave contre Dieu, contre soi-même et contre la communauté.À cela s’ajoute une autre dimension : dans la doctrine chrétienne, le pardon des péchés suppose le repentir. Or, le suicide entraîne la mort immédiate, sans que la personne puisse se confesser ou recevoir l’absolution. Il était donc classé parmi les péchés mortels — c’est-à-dire les fautes les plus graves, coupant l’âme de la grâce divine.Certains passages bibliques ont aussi renforcé cette vision. Par exemple, le suicide de Judas Iscariote, après avoir trahi Jésus, est raconté comme le geste ultime du désespoir : « Pris de remords […] il alla se pendre » (Matthieu 27,5). Ce récit a longtemps été interprété comme l’illustration d’un refus du pardon de Dieu, une rupture totale avec la foi et l’espérance chrétiennes.Résultat : pendant des siècles, les suicidés étaient privés d’obsèques religieuses et d’inhumation en terre consacrée. Leurs familles vivaient un deuil doublement douloureux, frappé par la stigmatisation sociale et spirituelle.Mais cette position a évolué. À partir du XIXe siècle, la médecine commence à comprendre que le suicide peut être lié à une souffrance psychique intense, à la dépression, ou à d’autres troubles mentaux. Peu à peu, cette réalité humaine a été prise en compte par l’Église. Le Concile Vatican II (1962-1965) marque un tournant : il encourage un regard plus compatissant, plus ancré dans la miséricorde.Aujourd’hui, le Catéchisme de l’Église catholique (n° 2282-2283) reconnaît que la responsabilité d’un suicide peut être diminuée, voire supprimée, par des troubles mentaux, une angoisse profonde ou une détresse extrême. Il affirme aussi que l’on ne doit pas désespérer du salut éternel des personnes qui se sont suicidées, et que l’Église peut prier pour elles.Ainsi, les funérailles religieuses sont désormais généralement accordées, sauf cas très particuliers. Ce changement ne repose pas sur une rupture avec la Bible, mais sur une interprétation renouvelée, plus éclairée par la science et plus fidèle à la miséricorde évangélique. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Aujourd’hui, on va parler d’une méthode de contraception… qui a surtout permis beaucoup de naissances. Oui, vous avez bien entendu. Il s’agit de la méthode Ogino-Knaus.Mis au point dans les années 1920 par deux médecins, le Japonais Kyusaku Ogino et l’Autrichien Hermann Knaus, ce procédé repose sur une observation : l’ovulation survient environ 14 jours avant les prochaines règles.À partir de là, ils ont déterminé une fenêtre fertile, entre le huitième et le dix-septième jour du cycle féminin. L’idée était simple : éviter les rapports sexuels pendant cette période à risque. En dehors de ces jours, le couple pouvait, en théorie, avoir des relations sans risque de grossesse.Dans les années 50 et 60, cette méthode a connu un énorme succès, notamment dans les pays catholiques. Pourquoi ? Parce qu’elle était perçue comme naturelle, et donc moralement acceptable. Pas de pilule, pas de préservatif. Juste de la discipline… et un calendrier.Mais cette méthode est loin d’être fiable.Elle suppose que les cycles soient parfaitement réguliers, ce qui est rare. Et même chez les femmes régulières, l’ovulation peut varier d’un cycle à l’autre. Ajoutez à cela que les spermatozoïdes peuvent survivre jusqu’à cinq jours dans l’organisme, et vous avez une méthode… disons, assez hasardeuse.Résultat : entre 20 et 25 % d’échec par an. En clair, sur 100 femmes utilisant cette méthode pendant un an, une vingtaine tombent enceintes.Et c’est ainsi qu’une méthode censée freiner les naissances a, en réalité, contribué au baby boom de l’après-guerre. De nombreux couples, pensant bien faire, se sont retrouvés avec une famille plus nombreuse que prévu.Aujourd’hui, la méthode Ogino-Knaus est surtout évoquée dans les livres d’histoire de la contraception. Elle a été remplacée par des approches naturelles plus précises, comme la méthode sympto-thermique, ou, bien sûr, par des moyens modernes bien plus efficaces.Mais elle reste un bon exemple de ce que la science tente parfois : contrôler la nature… avec des résultats parfois inattendus. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.