Gallery Weekend Berlin – The Art Podcast

Bizet's Carmen is a character who stays with you. Why Wu Tsang (1982, Worcester, Massachusetts, USA) couldn't let go of Carmen, and where following this story in all its facets might lead, are questions she explores with Enuma Okoro in Episode 18 of Gallery Weekend Berlin – The Art Podcast. Tsang works across film, photography, performance and installation, using art as a tool to seduce the viewer into unfamiliar territory. A novel like Moby Dick can fold into something else entirely, as a postcolonial reading traces the novel's ties to slavery, empire and early capitalism. Or a collaboration rooted in a specific space can begin with no goal at all and find its shape along the way, as it did in Wildness (2012). It is less a method than a willingness to sit with what doesn't immediately make sense. From Tate Modern in London to the Stedelijk Museum, Tsang's work has travelled across major international art institutions, including the Whitney Biennial and the Venice Biennale. At Galerie Isabella Bortolozzi, her long-time exploration of Carmen takes shape in two video works. Carmen is a character built almost entirely out of other people's projections, and one Tsang refuses to simply resolve. What began as a conversation around an opera project with a long-time collaborator gradually grew into a much longer journey with the figure, one that still hasn't reached an ending.

Der Pinselstrich gilt als Signatur des Malers, als dessen Handschrift. Doch was passiert, wenn sich genau diese Vorstellung immer wieder infrage stellen lässt? In Episode 17 des Gallery Weekend The Art Podcast geht die Künstlerin Kerstin Brätsch (*1979 in Hamburg, Deutschland) gemeinsam mit Silke Hohmann dieser faszinierenden Frage nach. Brätsch hat den Begriff der Malerei grundlegend erweitert und fragt, was Malerei jenseits des Bildträgers leisten kann. Unterschiedlichste Materialien, Techniken und handwerkliche Verfahren treten miteinander in Beziehung, während die Arbeiten in ständiger Bewegung bleiben. Brätsch versteht Malerei als eine Art Metabolismus, der sich im Gegenüber mit den Betrachtenden entfaltet und sich permanent verändert. Dabei kann sich eine malerische Geste aus dem Bild lösen, in einen anderen Zustand übergehen und neue Räume und Zusammenhänge eröffnen. Wie sich eine solche Praxis in einen ganzen Raum ausbreiten kann, zeigt ihr Projekt BAUBAU im Gropius Bau, eine eigens für Kinder geschaffene Spielwelt. Hier geht Kunst in den Alltag über und wird benutzbar, denn die Kinder können im freien Spiel die Räume und Dinge selbst nutzen, verändern und immer wieder neu zusammensetzen. Und was haben Wahrsagerinnen und Touristenmaler in New York oder die „fossilisierten" Reststücke einer Arbeit von Sigmar Polke damit zu tun? Die Episode folgt diesen unerwarteten Verbindungen und gibt auch einen ersten Einblick in Brätschs kommende Ausstellung in der Galerie Thomas Schulte in der Charlottenstraße

In this episode, Enuma Okoro speaks with Swedish artist Andreas Eriksson about a practice rooted in perception, memory, materiality, and the natural world. Moving between painting, sculpture, photography, prints, textiles, and drawing, Eriksson describes how visual sensations, walks through the landscape, and memories find their way into the studio. From an early childhood memory of becoming snow-blind to the bronze casts of birds that collided with his studio windows, the conversation traces how formative experiences of perception, vulnerability, and loss inform his fascination with illusion, reflection, and the shifting boundary between what we see, feel, and know. Eriksson’s work will be shown in two exhibitions at two galleries in Berlin in September: Horizontal Fold at Barbara Wien and a parallel presentation at neugerriemschneider with Korean painter Kim Chong Hak. Together, they offer a chance to encounter his recent work outside the intimacy of the studio and within new spatial and artistic contexts.

In episode 15, writer and curator Enuma Okoro speaks with South African artist Berni Searle (b. 1964, Cape Town, South Africa, where she lives and works) about the layered languages of the body, memory, and perception. Working across photography, video, and sculpture, Searle explores how narratives are constructed and sustained through history, identity, and place, often against the backdrop of colonialism, apartheid, and their afterlives. “I don’t think art alone can change the world,” she says, “but it has a role to play.” Using her own body as a point of departure, she develops works that move between presence and absence, visibility and concealment. In her Colour Me (1998-2000) series, she covers her body in spices such as turmeric and paprika, materials that carry traces of trade, migration, heritage, and cultural memory. They also discuss Searle’s contribution to the Venice Biennale, shaped by the vision of the late curator Koyo Kouoh, that continues to resonate beyond her passing, committed to making visible voices and perspectives long considered peripheral. Ahead of that, her work can be experienced firsthand in Berlin : Searle’s exhibition at PSM Gallery opens during Gallery Weekend Berlin on May 1, 2026.

In Episode 14 sprechen Kunstkritikerin Silke Hohmann und die Künstlerin Jorinde Voigt (*1977, Frankfurt am Main, lebt und arbeitet in Berlin) zunächst über Berlin: Was macht die Stadt aus und worin liegt ihr besonderes Potenzial? In ihrem Atelier in Oberschöneweide zerlegt Voigt Wahrnehmungen in ihre grundlegenden Bestandteile und entwickelt algorithmische Abfolgen – Handlungs- und Aktionssequenzen, mit denen sich eine Situation innerhalb eines definierten Möglichkeitsspektrums durchspielen lässt. Die Zeichnung dient ihr dabei als zentrales Medium, um unterschiedliche Ebenen und Aspekte gleichzeitig nebeneinander sichtbar zu machen. So entstehen Werke, die nicht nur analytisch strukturiert sind, sondern auch die Vielschichtigkeit von Erfahrungen in einer eigenen visuellen, poetischen Sprache zum Ausdruck bringen. Ausgangspunkt kann zum Beispiel ein Spaziergang durch den botanischen Garten sein oder Ludwig van Beethovens Sonaten. Zum Gallery Weekend Berlin bringt Voigt den Himmel in die großzügigen, hallenartigen Räume der Galerie Judin in der Potsdamer Straße. Warum gerade das Blau des Himmels jetzt und heute uns etwas darüber verrät, womit wir es eigentlich zu tun haben, erfahren wir in dieser Folge des Podcasts – welche Farbe die Wände in ihrer Ausstellung „Non-Fiction“ haben werden, zeigt sich erst vor Ort.

In dieser Episode besucht Kunstkritikerin Silke Hohmann den österreichischen Künstler Heimo Zobernig (*1958 in Mauthen, Kärnten) in seinem Wiener Atelier. Das Gespräch beginnt mit einer Reise in die Vergangenheit: zurück in Zobernigs Kindheit auf dem Bauernhof, zu den Ursprüngen seines künstlerischen Denkens, wo frühe Vorstellungen von Räumen und Tunneln den Grundstein für ein Werk von großer formaler Konsequenz legten. Zobernig zählt zu den bekanntesten und vielseitigsten österreichischen Künstlern der Gegenwart. Seine Arbeiten greifen die Formen der Moderne auf, spielen sie durch, verschieben und hinterfragen sie. So entstand über Jahrzehnte ein umfangreiches Œuvre, das Malerei, Skulptur, Installation und Video umfasst. Welche Fragen ihn umtreiben - unter anderem wie schwierig es ist, jegliche Bedeutung aus dem Werk zu vertreiben - wird im Dialog mit Silke Hohmann deutlich. Außerdem erfahren wir, warum das Jahr 1977 für Zobernig ausschlaggebend ist und welche Rolle IKEA-Regale und Shakespeares Hamlet in seiner Ausstellung zum Gallery Weekend Berlin in der Galerie Nagel Draxler spielen.

In dieser Folge spricht Silke Hohmann mit der Künstlerin Anne Duk Hee Jordan (*1978 in Korea, lebt und arbeitet in Berlin und Hamburg). Jordans Werk bewegt sich an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Ökologie. In raumgreifenden, multisensorischen Installationen verbindet sie Skulptur, Video, Klang und kinetische Elemente zu immersiven Environments, die komplexe naturwissenschaftliche Zusammenhänge sinnlich erfahrbar machen. In ihrem Projekt A Human Reconciliation with Water wendet sich Jordan dem kürzesten Fluss Deutschlands, der Pader, zu. Was geschieht, wenn wir beginnen, ihn als Gegenüber zu begreifen, sogar einen Vertrag mit ihm zu schließen? Und wie fühlt sich eigentlich der Fluss selbst? Gemeinsam mit Silke Hohmann folgt die Künstlerin seinen Strömungen bis in die Tiefen des Meeres, auf den unerwarteten Spuren der Verbindungen zwischen Kunst und Wissenschaft. Was Science-Fiction, Tiefsee und Sümpfe miteinander verbindet, und warum wir vielleicht schon bald keine Jakobsmuscheln mehr essen wollen, erfahrt ihr in Episode 12 des Gallery Weekend Berlin Podcasts. Vor ihrer Einzelausstellung in der Berlinischen Galerie 2027, zeigt Jordan zum Gallery Weekend Berlin in der Galerie alexander levy einen Remix bislang in Deutschland ungesehener Arbeiten, die thematisch um Wettersysteme und klimatische Zustände kreisen.

In the new episode, Enuma Okoro speaks with the artist Kapwani Kiwanga. Kiwanga’s multidisciplinary practice brings together sculpture, installation, film, and performance with anthropological research and a precise examination of historical structures of power, knowledge, and trade. Her works investigate materials as carriers of histories, economic relations, and social narratives, while at the same time opening up poetic spaces of perception and reflection. Alongside a wide range of international exhibitions, including representing Canada at the 2024 Biennale Kiwanga has increasingly based her production in Berlin, a city that has become central to her working life and exhibition practice. More than just a place of making, Berlin also provides the setting in which her long-standing collaboration with Galerie Tanya Wagner continues to develop. This episode of the Gallery Weekend Podcast traces Kiwanga’s artistic practice primarily through her exhibitions and the specific places in which they are situated.

In der neuen Episode spricht Silke Hohmann mit der international gefeierten Künstlerin Miriam Cahn (geb. 1949 in Basel, lebt und arbeitet in Graubünden/Schweiz). Miriam Cahns Werk setzt sich mit Gewalt, Krieg und der Verletzlichkeit des Menschen auseinander. Ihre oft figurativen Darstellungen thematisieren Flucht, Trauma und die fragile Beziehung zwischen Mensch, Natur und Machtstrukturen. Dabei sind ihre Arbeiten geprägt von einem tiefen Humanismus. In der Ausstellung „Traumbefehl“, die bis zum 17. Januar 2026 in der Galerie Meyer Riegger in Berlin zu sehen ist, verbindet sich ihr charakteristischer Stil mit abstrakteren, textbasierten Arbeiten zu einer umfassenden Rauminstallation. 174 Werke, streng auf Betrachterhöhe gebracht, durchziehen durchlaufend die ganze Galerie auf zwei Etagen. Es ist ein Parcours der Erinnerungen und der Träume. Warum diese Ausstellung für Cahn eine Weigerung und Abschied bedeutet, die eine Zäsur in ihrem Werk markiert, erzählt sie im neuen Gallery Weekend Podcast.

In dieser Folge spricht Silke Hohmann mit dem Maler und Bildhauer Thomas Zipp über das Spannungsfeld zwischen Kunst, Wissenschaft und Musik, das sein Werk seit Jahren prägt. Zipp erläutert die Bedeutung psychologischer und philosophischer Konzepte in seinen Arbeiten, insbesondere die Auseinandersetzung mit Bewusstsein und Wahrnehmung sowie die Integration experimenteller Methoden aus Medizin und Naturwissenschaft in seine künstlerische Praxis. Thomas Zipps (geb. 1966, lebt und arbeitet in Berlin) Praxis umfasst Zeichnung, Malerei, Skulptur, Installation und Performance. Beeinflusst durch seine frühen Erfahrungen in der Musik und sein Interesse an Medizin verbindet er Wissenschaft, Psychologie, Pharmakologie, Religion und Kunstgeschichte zu komplexen, mehrschichtigen Werken. Bekannt ist er für raumgreifende Installationen, die wie Versuchsanordnungen funktionieren und Betrachter:innen in offene Denk- und Erfahrungsräume einladen. Seit 2008 lehrt er als Professor an der Universität der Künste Berlin. In der Galerie Barbara Thumm zeigt Zipp aktuelle Arbeiten, die seine interdisziplinären Fragestellungen fortsetzen. Präsentiert werden mehrteilige Installationen, die Malerei, Objekte und raumbezogene Elemente zu immersiven Szenarien verbinden und seine Auseinandersetzung mit Psyche und Wahrnehmung in eindringliche Bildwelten übersetzen. Jetzt anhören auf unserer Website oder überall, wo es Podcasts gibt.