El MUNDO DEL ARTE

En este episodio me acompaña Pilar García de la Puebla, directora de Comunicación y Relaciones Institucionales de BMW Group España, para hablar del Premio BMW de Pintura, que este año celebra su 41ª edición.Empezamos hablando por los inicios del premio, que nace en 1986, en plena efervescencia cultural en España, con la voluntad de apoyar el talento artístico del país. Desde entonces no ha dejado de celebrarse y se ha ganado un enorme prestigio en el mundo del arte. Pilar nos cuenta cómo funciona un proceso de selección muy exigente, con un jurado de primer nivel formado por Antonio López, Miguel Zugaza, Patrizia Sandretto, Guillermo Solana y Lucía Casani. Pilar comparte la magia de vivir desde dentro la reunión en la que el jurado elige a los finalistas por consenso y cómo el nivel de los participantes es cada vez más alto. Hablamos del premio como sello de calidad y espaldarazo para la carrera de los artistas ya que incluso los finalistas ganan visibilidad y muchos acaban fichados por galerías o con nuevas oportunidades para exponer. También hablamos del nacimiento del Premio de Arte Digital, una apuesta por la innovación, que es justo lo que une a BMW con el arte.En la segunda parte hablamos del mecenazgo artístico en las empresas, del compromiso con la sociedad basado en hechos y no en campañas y de la importancia de la colaboración público-privada en la cultura.Terminamos con la gala del 23 de noviembre en el Teatro Real, presidida por Su Majestad la Reina Doña Sofía, donde se conocerán los ganadores de esta edición.El episodio está acompañado por una botella de bodega Enate, con etiqueta del artista Carrera Blecua.

Hoy me acompaña Juan Manuel Elizalde, que junto a su mujer, Choli Fuentes, ha construido la Colección Kells, una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más interesantes de nuestro país.Hablamos de los inicios de una colección que nunca se propusieron construir. Juanma nos explica que simplemente fue ocurriendo, tanto que el Premio A al Coleccionismo de la Fundación ARCO les pilló por sorpresa. Adquieren las obras que les gustan, sin fijarse en la edad, la trayectoria, la nacionalidad, la temática o la técnica. Nos cuenta que la obra tiene que gustarles a los dos y que se fían, sobre todo, de su instinto. El resultado es una colección ecléctica y con mucha personalidad que desde 2019 se ha mostrado al público en exposiciones como “Human + Landscape” en PHotoESPAÑA Santander, “La guerra del tiempo” en el Centro Párraga de Murcia, “Babel. Material y lenguaje” en el Centre del Carme de Valencia o, ahora, “Toma el presente” en Alcobendas. Comentamos cómo cada comisario ha hecho su propia lectura de la colección, algo que les enorgullece y de lo que disfrutan.Juanma nos habla también de su voluntad de compartir y de apoyar el sistema del arte acompañando las carreras de los artistas de manera sostenida, no con compras puntuales, y a través de los premios de adquisición que conceden en ferias como SWAB, Artesantander o Estampa. Nos explica lo importantes que han sido las relaciones con galeristas y artistas y conversamos sobre su vínculo con otros coleccionistas y el relevo generacional. Me cuenta que para ellos es muy importante la divulgación del coleccionismo, para desmitificar la figura del coleccionista y animar a más gente a comprar arte. Juanma hace además un alegato por la bajada del IVA cultural, hoy en el 21% en España frente al 5 o 7% de nuestros vecinos europeos. Finalmente, terminamos hablando de la efervescencia cultural que vive Santander.Este episodio está acompañado por una botella de Enate Rosado Cabernet Sauvignon de Bodega Enate, con etiqueta del artista Víctor Mira.

Esta semana publico un episodio especial, grabado en directo en la tienda de Massimo Dutti de Paseo de Gracia 96, para hablar de ArtInProgress, el proyecto con el que la marca lleva a artistas contemporáneos a sus tiendas de todo el mundo.Hablo con Álvaro Negro´, el artista gallego que ha intervenido la tienda de Barcelona este verano, y Enrique Tejerizo, director de la galería F2 en Madrid.Empezamos la conversación con una idea clave. La tienda no es un cubo blanco, está abierta al público y quien entra no espera encontrarse con obras de arte contemporáneo. Álvaro nos cuenta qué significa que los visitantes descubran sus obras fuera del circuito artístico y cómo se planteó la intervención con la idea de buscar naturalidad en la exposición. Enrique defiende la importancia de los espacios alternativos donde la gente puede familiarizarse con el arte contemporáneo.También hablamos de la relación entre artista y galerista y del proceso creativo de Álvaro, inspirado en los frescos italianos y en su concepto de “presencia pictórica como motivo”, con obras que dialogan con la arquitectura.Finalmente reflexionamos sobre las sinergias entre marcas y arte. Comentamos que estas colaboraciones sostienen proyectos que de otro modo tendrían dificultades para perdurar y que es importante hacerlas de la mano de agentes del sector, como en este caso con la galería F2, que acompañan, promueven y difunden a los artistas.Una conversación para poner en valor el apoyo al arte contemporáneo y un ejemplo de cómo un espacio comercial puede convertirse en una plataforma para difundirlo.

Hoy me acompaña Carmen Delgado, directora comercial de obras de arte en SIT Spain Arte, para hablar del traslado de obras de arte.Empezamos hablando de la historia de SIT, que llevan 65 años dedicados al transporte, conservación, embalaje y servicios de museografía. Comentamos uno de sus movimientos más icónicos, el del Guernica desde Nueva York hasta Madrid en 1981, y once años después en 1992, su traslado al Museo Reina Sofía.Hablamos también de una de las premisas fundamentales del sector: hacer el menor número de movimientos posible y estudiar de antemano la obra, los lugares de recogida y entrega y los transportes necesarios. Carmen subraya la importancia del informe del conservador sobre el estado de conservación a la salida y a la llegada y nos explica la figura del correo, la persona que acompaña a la obra, en ocasiones durante días.Carmen nos cuenta cómo funcionan los concursos de transporte en los museos españoles y qué cualidades tiene una buena coordinador de exposiciones. Terminamos hablando sobre la subida del precio del transporte y cómo puede llegar a ser un factor a la hora de decidir comprar una obra, pero coincidimos en la importancia de contar con un transporte especializado en obras de arte para mitigar los riesgos durante el transporte, seguridad y seguimiento.El episodio está acompañado de una botella Enate. La obra que figura en la etiqueta es del artista José Manuel Broto.

Hoy me acompaña Anna Alcubierre, diseñadora de exposiciones y escenógrafa, para hablar sobre una profesión fundamental en museos e instituciones que muchas veces pasa desapercibida para el público, las diseñadoras de exposiciones.Anna nos explica cómo llegó al diseño de exposiciones desde la escenografía y cómo esa formación marca su manera de pensar el espacio, siempre atenta a la atmósfera de los lugares. Anna define a la diseñadora de exposiciones como una traductora, alguien que traslada el discurso de una exposición al espacio.Nos cuenta qué diseñan exactamente y comenta que cada proyecto es único. A veces se trata solo de colocar las obras en el plano y otras de idear la exposición desde el principio junto al comisario o comisaria, diseñando mobiliario, paredes y todos los recursos expositivos. Hablamos también del carácter interdisciplinar del oficio, del trabajo con los distintos equipos del museo, el grafismo y la iluminación, todos con un objetivo común, que el conjunto tenga sentido.Anna comparte lo que más disfruta de su trabajo, crear un espacio narrativo, y su apuesta por hacer grandes gestos con pocos elementos desde la economía de materiales, aunque también ha disfrutado de proyectos donde el diseño debía tener mucha más presencia. Recordamos una de las exposiciones que guarda con más cariño, "Almacén. El lugar de los invisibles" en el Museo Nacional de Escultura, por la libertad con la que pudo trabajar, y otra que supuso un gran reto de formalización hasta dar con la solución.Terminamos con las cualidades que debe tener una buena diseñadora de exposiciones y los diferentes perfiles que forman su equipo.El episodio está acompañado de una botella de bodega Enate. La obra que figura en la etiqueta es de Salvador Victoria.

Hoy me acompaña Enric Carranco, perito y tasador especializado en arte y antigüedades, para hablar sobre como ponerle precio a una obra de arte.Enric empieza aclarando algo esencial, que el valor y el precio de una obra no son lo mismoNos explica los diferentes valores que puede tener una misma obra (el venal, el fiscal, el de seguro y la estimación de subasta) y qué elementos entran realmente en juego a la hora de ponerle precio: el tema, la calidad, la técnica, el histórico de precios y la procedencia, un factor que se valora mucho más fuera de España que dentro.Hablamos también de la importancia de entrenar la mirada, de leer e investigar y de no quedarse solo con la demanda y los gustos locales. Por ejemplo, comentamos cómo las obras de mujeres artistas se vendían mucho más baratas no porque fueran peores, sino porque estaban injustamente menospreciadas as como la pintura catalana del siglo XIX y su caída en el mercado. También le pregunto por las razones más comunes por las que una obra acaba saliendo a subasta y las dudas más frecuentes en las herencias familiares. Cerramos con un tema que genera mucha fascinación: los "sleepers", esas obras mal catalogadas que revelan un valor inesperado y por qué perseguir la oportunidad sin criterio puede ser un proceso muy arriesgado. Una conversación con alguien por cuyas manos han pasado miles de obras y que tiene mucho que enseñarnos sobre cómo mirar el arte. Tuvimos problemas con los micros y el audio no es de la calidad que me gustaría. Disculpad las molestias, espero que disfrutéis igualmente.El episodio está acompañado por una botella de Enate Merlot. La obra que figura en la etiqueta es de Frederic Amat.

Hoy me acompaña Chema de Francisco, director de Estampa, para hablar de la feria de arte contemporáneo que se celebra del 24 al 27 de septiembre en IFEMA y que marca el inicio del curso artístico en España. Con Chema comparto algo más que esta conversación, la vocación de divulgar el coleccionismo, el mercado del arte y el galerismo, así como el objetivo de que la gente pierda el miedo a acercarse al mundo del arte.Empezamos repasando los inicios de la feria bajo el lema "arte para todos" y su misión de iniciar en la compra de arte a todos los públicos, una misión que no ha cambiado en 33 ediciones aunque la feria sí haya evolucionado. Hablamos de las galerías que participan este año y de qué podemos esperar de sus propuestas. El coleccionismo ocupa una parte central de nuestra conversación y Chema nos habla de un coleccionismo de proximidad, un galerismo de cerca que pone en valor a quienes se comprometen con el arte a través de una compra. Hablamos sobre cómo ha dejado de ser una actividad elitista reservada a unos pocos, para convertirse en algo cada vez más presente entre profesionales y empresarios de todo tipo, que encuentran en él una forma de comprometerse con la creación artística.Chema también nos da algunos consejos para dar el paso hacia una primera adquisición y cerramos hablando del relevo generacional en el coleccionismo, del que es optimista.El episodio está acompañado por una botella de Enate Chardonnay 234. La obra que figura en la etiqueta del vino es del artista Pepe Cerdá.

Hoy me acompaña Regina Dejiménez para hablar de su práctica artística que interroga los límites del tejido a través de objetos, murales e instalaciones site-specific.Regina nos cuenta cómo creció rodeada de tejidos en el taller de costura de su madre y cómo ese universo material y sensorial fue la semilla de todo. Fue durante su Erasmus en Estambul donde descubrió el fiber art y comprendió el enorme potencial de crear obra artística desde el textil. Desde entonces su práctica ha sido una exploración constante: empezó con tapices, pasó a murales, luego a objetos escultóricos y hoy trabaja principalmente con instalaciones site-specific que transforman los espacios y envuelven a quien los habita.Hablamos de su primer encargo, un mural para el hotel Nobu en Barcelona, y de la necesidad de que las marcas establezcan buenas prácticas en sus colaboraciones con artistas. En ese contexto, nos explica su larga relación con Adolfo Domínguez, con quienes ha creado más de diez instalaciones para sus tiendas. También abordamos el tema de las copias, que le genera frustración, pero está convencida de que la creatividad y la evolución son intransferibles.También hablamos de Kave Gallery, sponsor del episodio, y del que Regina forma parte. Fundada en 2023, nació con el propósito de preservar y compartir las historias del Mediterráneo a través del arte, como punto de encuentro entre artistas y amantes del arte con una selección curada de obras con raíces en esta región. Comentamos la importancia de que existan plataformas como esta, que hacen que el arte sea accesible y que permiten adquirir una obra de Regina a un precio más asequible.Cerramos hablando del boom del arte textil y Regina cree que responde a una necesidad colectiva de volver a lo material, lo doméstico y lo femenino. Y nos adelanta su proyecto más reciente: un mural de lana para un Parador de Turismo.Foto de Adrian Domínguez

Hoy me acompaña Ángeles Ferragut, presidenta y directora artística de ses12naus,  para hablar sobre las residencias artísticas. Ángeles nos cuenta qué le llevó a crear ses12naus en 2016, el impacto que tuvo en su trayectoria una residencia en Nueva York y de dónde viene el nombre del proyecto. Hablamos del deseo de contribuir al ecosistema cultural de Ibiza y  del modelo que propone: llevar a un creador/artista a un contexto diferente, algo que en este caso tiene un alto valor contextual por su ubicación en la isla. El programa funciona mediante open call internacional y balear y los residentes de la convocatoria 2025-2026 son Marina Marón, Gala Knorr y Diogo da Cruz. Ángeles nos explica que el trabajo se articula en dos fases: una fase de investigación y una de producción, y los proyectos se presentarán en el ses12naus Weekend del 5 y 6 de junio de 2026.También hablamos del momento cultural que esta viviendo Ibiza, de cómo su imagen de ocio y turismo convive con una escena creativa activa, y de todo lo que inspira a los artistas residentes: paisaje, naturaleza, boom inmobiliario, arquitectura y la historia de la cultura del club. Cerramos la conversación con una reflexión sobre la importancia de promover el apoyo institucional y el mecenazgo privado.

Hoy me acompaña Rocío Gutiérrez, directora de la Fundación Montenmedio Contemporánea, para hablar de uno de los museos de arte al aire libre más importantes del sur de Europa, del arte site-specific y de la relación entre arte y naturaleza.Tuve la suerte de visitar la Fundación NMAC en abril y es uno de esos proyectos que cuando los ves en persona entiendes por qué existen y por qué importan. El proyecto nació en 2001 de la mano de la familia Blázquez, Antonio y su hija Jimena, con una idea muy clara: invitar a artistas internacionales a realizar proyectos artísticos específicos que se muestran en sintonía con el paisaje mediante el estudio de la región a través de su historia, geografía y sociedad.Rocío nos explica cómo surgió el proyecto y las diversas exposiciones que han ido construyendo una colección permanente de obras site-specific con artistas de prestigio internacional como Marina Abramović, Sol LeWitt, Olafur Eliasson, Maurizio Cattelan, Cristina Lucas o Susana Solano. También hablamos sobre James Turrell y su impresionante Second Wind 2005, la primera obra suya instalada de forma permanente en España, diseñada específicamente para este entorno.Además abordamos la posición geográfica cargada de significado de Montenmedio que se sitúa en el extremo sur de Europa, frente al continente africano, Hablamos sobre Salam Europe! de Adel Abdessemed (2006), que dialoga directamente con las dificultades sociales que implica ese cruce de fronteras y de culturas. Finalmente, hablamos sobre la importancia de las actividades educativas, de deslocalizar la oferta cultura y de democratizar el acceso al arte.