«Trésor Magnétique»: l’héritage futuriste du génie Camerounais Francis Bebey

Sa voix éraillée et androgyne est reconnaissable entre mille. Celle d’Asaf Avidan, chanteur et musicien israélien, revient pour nous émerveiller avec un nouvel album intitulé Unfurl, littéralement « se déployer ». Présent sur la scène rock-folk depuis 2006, l’ancien leader de The Mojos continue de repousser les frontières de son art. Avec Unfurl, Asaf Avidan signe sans doute son projet le plus ambitieux et le plus complexe musicalement. On y retrouve des influences multiples (pop, jazz, soul, blues) traversées par l’intensité du duende espagnol et par l'héritage poétique des chanteurs français Edith Piaf et Jacques Brel. Ce qui frappe avant tout, c’est la dimension orchestrale et cinématographique du disque : un entrelacement de mélodies et d’harmonies porté par un orchestre de 45 musiciens. Une approche maximaliste de la musique, véritable foisonnement sonore à la fois spectaculaire et profondément intime. Mais Unfurl ne se contente pas d’en mettre plein les oreilles : c’est aussi un voyage intérieur, une quête de soi poussée jusqu’à la dissolution. Inspiré par le philosophe et psychologue suisse Carl Jung, Asaf Avidan explore la frontière entre le conscient et l’inconscient. Il confie même avoir traversé une expérience presque mystique pendant la création de l’album : à force de méditer, il a eu le sentiment de rompre avec l’existence ordinaire, de plonger dans le néant et de se connecter à un tout. Un vertige existentiel qui a débloqué son processus créatif. Plongée dans l’inconscient artistique « Cette expérience a été de la torture, un enfer. Au final, j’ai abouti à une sorte de dialogue entre le conscient et l’inconscient. Ce n’est pas vraiment du rêve lucide, ni de la méditation, mais un état étrange où l’on échange avec son inconscient, en essayant de lui donner une forme. C’était comme ce que certains décrivent lors de bad trips qui ne s’estompent jamais, où l’on reste coincé entre deux mondes. C’est ce que je vivais, ce que je tentais de traduire en musique. J’ai longtemps cherché le son de cet album », raconte-t-il. Cette dimension philosophique et existentielle irrigue tout l’album. La peur de la mort est omniprésente, le temps se brouille, les rêves se confondent avec la réalité. Dans le titre « Unfurling Dream », le chanteur évoque cette frontière floue entre deux états de conscience, ce glissement permanent entre le tangible et l’imaginaire. S’il ne lit pas la musique et ne maîtrise pas l’orchestration, Asaf Avidan compense par une intuition mélodique certaine et une grande culture cinéphile. Ce nouveau disque rend hommage aux compositeurs de cinéma des années 1940 et 1950 – Bernard Herrmann, compositeurs des films d'Hitchcock ou John Barry qui a signé ceux de la série James Bond notamment –, dont il convoque les paysages sonores riches et évocateurs. Avec Unfurl, Asaf Avidan nous fournit une bande-originale, à nous d’en inventer les images.  Asaf Avidan sera à retrouver en concert à Lyon le 30 octobre, le 31 octobre à Metz, puis au Grand Rex à Paris les 4 et 5 novembre. Asaf Avidan Unfurl (Telmavar Records) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Avec La hauteur de la lune, Oxmo Puccino signe son neuvième et dernier album. Le rappeur franco-malien abandonne un format musical qu'il estime dépassé par les habitudes actuelles engendrées par les plateformes d'écoute. Un « au-revoir » vibrant où la nostalgie se conjugue avec le plaisir des mots et de la plume. Oxmo Puccino prend de la hauteur et s'envole vers une nouvelle vie, sur une lune où il pourra écrire des romans, jouer au théâtre et s'occuper de sa famille, autant d'activités qu'il affectionne ces temps-ci. Car le rappeur ne se reconnait plus dans le monde actuel. « Je suis un homme du 20e siècle », répète-t-il à longueur d'interviews. Comprenez : le rythme de confection d'un album bien écrit ne correspond plus, selon lui, à ce que réclame le Léviathan des plateformes. Il n'y a pourtant aucun pathos dans ses choix. On peut être d'un autre temps et avoir encore des choses à dire, ainsi qu'un brin d'amour-propre pour faire briller son étoile. Comme sur le titre, en mode ego-trip, « Les meilleurs ».  Le sens de la rime, la plume alerte qui ont fait sa réputation sont toujours présents trois décennies après le début de sa carrière. Oxmo Puccino a mûri, et regarde le temps qui passe avec une certaine tendresse, ce temps qui transforme tout, et « estompe les colères », rappe-t-il sur le titre « Fête des Pères ». Le daron du rap, comme le surnomme la profession, passe avec élégance le flambeau à une nouvelle génération, en particulier aux trentenaires Josman et Tuerie, invités sur l'album. Mais il garde pour lui son cousinage d'éloquence avec son ainé et ami Mc Solaar avec qui il partage le micro sur le titre « Ne pas m'aimer », débordant d'autodérision. Oxmo Puccino La hauteur de la lune (Derrières les planches) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Le chanteur français Bertrand Belin sort son huitième album Watt, un disque sur lequel il confirme son tournant artistique et continue, dans ses textes, à cultiver le mystère. Bertrand Belin fait partie de cette catégorie d'artistes dont la carrière est bien établie, mais qui n'ont jamais sorti de véritable tube. Et on peut supposer que ce n’est pas ce qu'il recherche. Pour ceux qui ne le connaissent pas encore, on vous recommande « Hypernuit », un titre emblématique de sa discographie, sorti en 2011. Avec Watt, Bertrand Belin confirme un virage artistique qu'il avait amorcé sur son précédent album Tambour vision. Sur ce dernier, il avait déjà introduit des synthétiseurs, s'éloignant de sa configuration classique guitare, basse, batterie. Soulignons que Bertrand Belin est un excellent guitariste, et c’est avec cet instrument qu’il avait l’habitude de composer, mais pour Watt, il a composé au piano, ce qui, selon lui, offre une autre approche. Pour la production des morceaux, il a privilégié les machines et les instruments à cordes, la guitare étant en retrait, ce qui donne un résultat minimaliste et éthéré. Cependant, un point peut troubler à l'écoute de cet album : la ressemblance avec Alain Bashung, tant dans le chant que dans l'écriture et le choix des mots. C'est d'autant plus surprenant que Bertrand Belin a déjà une identité musicale forte. Dans une interview, il explique faire partie d'une « école musicale qui compte finalement assez peu d'élèves dans ce pays ». Une jolie pirouette, dans une formule qui lui ressemble, mais qui ne répond pas vraiment à la question. C’est le cas par exemple sur « Pluie de data », un morceau remarquable avec une montée en intensité réussie et une écriture remarquable. Finalement, avec Bertrand Belin, il faut prendre ce qu'il propose sans se poser trop de questions. Se laisser porter par la béatitude qu'il suggère, par sa poésie et ses mélodies en pente douce.  Pour finir, évoquons le morceau « L'inconnu en personne » sur lequel il aborde cette idée intéressante, qu'en ville, on croise à longueur de journée des inconnus, sans se douter que chacun d'entre nous transporte un vécu, une histoire, des racines, des désirs, des malheurs et que l'on gagnerait à prendre conscience de cette profondeur avant de s'adresser la parole. Une réflexion profonde et poétique, typique de l'univers de Bertrand Belin. Bertrand Belin Watt (Cinq 7) 2025 Facebook / Instagram / YouTube

Jazz, blues et funk, China Moses promène sa voix magnétique dans l'archipel musical qui l'habite depuis l'enfance. Son nouvel album s'intitule It's Complicated (« C'est compliqué » en français). Voyage au pays de sa propre résilience. En 2017, après un divorce, China Moses quitte Paris et se retrouve à Londres par un soir d'automne pluvieux dans un grand appartement vide. La déprime rôde. Pour la chasser, elle commence à composer et enregistre les prémices de ce qui deviendra, des années plus tard, un album de résilience où les ruptures amoureuses, les amis disparus, les bleus à l'âme, sont dépassés par l'art. De ce qui aurait pu être un pathos ne subsiste dès lors qu'un éthos où l'expertise musicale de China Moses nous propulse dans un univers bigarré de blues, de jazz, de funk, agrémenté par une voix au sommet de sa forme. Accompagnée du trompettiste Theo Croker, ami de sa mère Dee Dee Bridgewater, du guitariste Marvin Sewell et du batteur venu du hip hop Daru Jones, China Moses nous offre un septième album disponible uniquement en CD et vinyles. Un choix radical de celle qui estime que les plateformes de streaming et leurs algorithmes ne favorisent pas « l'écoute intentionnelle ». C'est son ami, le multi-instrumentiste et batteur, Troy Miller qui assure la production de l'ensemble.

Las Baklavas, c’est le nom d’un collectif strasbourgeois qui fait souffler un vent de liberté et de modernité sur les musiques traditionnelles des Balkans et d'Amérique latine. Leur premier EP éponyme est un concentré d’énergie féministe à la fois engagée et festive. Cinq titres éclectiques où le jazz côtoie la techno et où les rythmes du monde se mêlent à des sonorités électro.

One race, A Tribute To Hilaire Penda. Voilà le titre complet du troisième album du guitariste Kiala Nzavotunga, ex-membre d'Égypte 80, le dernier orchestre de Fela Kuti. Un album hommage à l'afrobeat, la musique de Fela, ainsi qu'à l'ami disparu, le bassiste camerounais Hilaire Penda, décédé en 2018. « One race » parce que « nous appartenons tous à la même race », explique Kiala Nzavontunga, né en Angola, élevé en RDC, émigré au Nigéria où il rencontre Fela Anipulako Kuti avant de jouer dans son deuxième orchestre Egypte 80, au tout début des années 80. Kiala se rend ensuite en France, l'afrobeat définitivement ancré au cœur. Il fonde Ghetto Blaster, premier groupe français d'afrobeat où se retrouvent divers musiciens de toutes nationalités. En parallèle, Kiala mène doucettement une carrière solo. One Race est son troisième album. On y retrouve les ingrédients qu'il affectionne, funk, afrobeat, soul et jazz, ainsi qu'un émerveillement rafraîchissant chez ce musicien de 74 ans. « C'est l'album de ma vie, celui qui va me monter au top, qui va m'ouvrir la route musicalement ». Un optimisme qui tient aussi à l'équipe rassemblée autour de Kiala : Eric Lumana Masewu à la basse, Magic Malik à la flûte. Les cuivres sont assurés par Cédric Ricard au saxophone et Brice Moscardini à la trompette. Quant aux choristes Julia Sarr, Swala Emati, elles se partagent les morceaux. Signalons surtout l'apport de « Papa Tef », Cyril Atef, le batteur et grand ami de Kiala qui donne sa pulsation à l'album. « Cyril Atef, il a déjà fait trois albums pour moi. C'est mon meilleur batteur. Quand je veux faire des choses, quand j'ai un projet, je lui dis : "Cyril, tu me connais, je fais l'afro, je suis un peu funky, donc amène ta sauce". Et il amène sa sauce ! » Une sauce qui se déguste plutôt sur une piste de danse, tant la musique de Kiala fait revivre l'énergie originelle de l'afrobeat. One Race est dédié à la mémoire du grand bassiste camerounais Hilaire Penda, décédé en 2018 et qui était l'ami proche de Kiala.

Avant de sortir le tube «New Breed» aux côtés de Little Simz, Idris Elba et Q-Tip, James BKS bossait dans l’ombre, mais pas n’importe laquelle : celle des grands studios américains. Signé comme producteur chez Universal Music Group à Los Angeles, il a travaillé avec des poids lourds comme Snoop Dogg, Akon, Carlos Santana ou encore Will.i.am. C'est à ce moment-là que le monde découvre non plus seulement le producteur… mais l’artiste James BKS. James BKS, c’est une trajectoire singulière… Un artiste français qui porte en lui toute une mémoire musicale, et qui depuis cinq ans fait vibrer la scène afro-hip hop mondiale avec une signature sonore reconnaissable entre mille. Sa musique, on la sent, on la reconnaît tout de suite : elle a une texture, une profondeur, une identité bien à elle.  C'est en 2018,qu'il prend un virage solo dans sa carrière, et choisit son nom d’artiste : BKS, pour « Best Kept Secret ». Une expression très utilisée dans le milieu, qui désigne ces talents de l’ombre… les producteurs brillants que le public ne connaît pas encore. Plus tard, il y ajoute James, son prénom, pour assumer pleinement son passage au premier plan. James est le fils biologique de Manu Dibango, légende absolue de l’afro-jazz. Ce lien, il l’a découvert tard dans sa vie d’homme et d’artiste. Mais ce qui est beau, c’est qu’il avait déjà, par lui-même, prouvé sa valeur, sa vision et son talent. Cette lumière était déjà en lui, bien avant qu’on parle d’héritage. Il a pu ensuite partager des moments de musique avec Manu Dibango, lors de rencontres musicales et de moments intimes qui ont forcément compté dans son parcours.  À travers ses trois projets : Wolves of Africa en 2022, Wolves of Africa – Part 2 en 2023 et See Us Rise cette année, James BKS puise directement dans les polyrythmies et percussions traditionnelles d’Afrique centrale et de l’Ouest, notamment camerounaises. Plutôt que d’aplatir les rythmes africains pour les rendre pop, il les laisse respirer, en conservant leur profondeur rituelle. Les percussions sont souvent mises en avant, tandis que les textures électroniques viennent en arrière-plan pour soutenir plutôt que dominer. On sent une volonté chez James de respecter l’esprit de la musique africaine tout en la plaçant dans un contexte global, urbain et contemporain. Ce qu’on aime chez lui, c’est cette capacité à relier les cultures. Peu d’artistes français ont cette force-là : être à la fois global et intime dans leur manière de raconter le monde à travers la musique. Cette année, il publie See Us Rise disque très personnel et ambitieux. Chaque titre raconte une émotion, une étape de vie : « On My Way » parle de résilience, « Assia » explore la dualité, « Waka Go » questionne la tentation et la fidélité, « See Us Rise » célèbre l’amitié, et « Wetin U Go Choose » notre focus en playlist RFI célèbre l’émancipation. James BKS sera en concert à La Maroquinerie le jeudi 11 décembre 2025 à Paris. Son titre en playlist RFI « Wetin U Go Choose » est disponible depuis le 26 septembre et à retrouver sur toutes nos plateformes numériques YouTube, Deezer et Spotify.

Sory Kandia Kouyaté, « La voix » de la Guinée indépendante, est célébré par son fils Kaabi dans un album hommage intitulé Tribute To Kandia. Ce projet, inspiré par le film La trace de Kandia, rassemble des musiciens de renom pour faire revivre la musique de ce griot guinéen. Sory Kandia Kouyaté (1933-1977) fut « La voix » de la Guinée indépendante. Descendant de Balla Fasséké Kouyaté, l’illustre djeli (détenteur de la tradition orale d’un peuple) de Soundiata Keïta, le fondateur de l’Empire du Mandingue, initié à la musique (notamment au ngoni) et à la complexe généalogie mandingue par son érudit de père, il rejoint très tôt la cour royale de Mamou où ses dons vont faire merveille. C’est à ce baobab de la chanson guinéenne qu’un de ses fils, Kabiné Kandia Kouyaté, alias Kaabi, consacre cet hommage. Un projet suscité par le réalisateur Laurent Chevallier qui réalisa La trace de Kandia, dans lequel Kaabi revenait en Guinée sur les traces de son père, à la rencontre des lieux et des témoins de sa légende. Kaabi évoque cette époque, celle où les griots avaient l'oreille des puissants : « Le griot a un peu perdu sa place. Pourquoi ? Du temps de nos aïeux, les griots étaient les conseillers des chefs d'État, surtout du côté mandingue. Pour toutes les prises de décisions, que ce soit au niveau de l'État ou de l'Afrique, il y avait toujours la consultation des griots. Mon père n'était pas là pour soutenir Sékou Touré (président de 1958 à 1984, NDLR), mais il était son conseiller. Il lui disait ce qu'il n'aimait pas entendre. Et Sékou Touré était à l'écoute de ça. Il invitait le père de Toumani Diabaté – Sidiki Diabaté –, le père de Ballaké Sissoko dans une veillée jusqu'à 5h du matin. Il ne partait pas à la présidence, c'est Sékou Touré qui venait à la maison. On lui disait ce qu'il devait faire, ce qu'il devait dire dans les grandes conférences, que ce soit de l'OIA, de la Cédéao ou bien en Guinée. On lui portait des conseils : "voilà ce qu'un chef doit faire et comment tu dois respecter les gens qui sont sous ta responsabilité". Aujourd'hui, ce côté-là est oublié. » À lire aussi«Tribute To Kandia», l’hommage de Kaabi Kouyaté à son père, célèbre griot guinéen Pour cet album, Kaabi s'est entouré de fidèles : Badje Tounkara (ngoni), Ballaké Sissoko (kora), Lansine Kouyaté (balafon), Jean-Philippe Rykiel (piano), Aminata Camara, qui fut choriste de son père. Sans oublier bien sûr la maîtresse-voix de Kaabi Kouyaté. Tribute To Kandia est sorti chez Buda Musique.

Pour son retour, la star de l'afropop nigériane, Adekunle Gold, rend hommage à la musique fuji, celle qui a irrigué le patrimoine yoruba durant des décennies. Qu'y a-t-il de commun entre une montagne japonaise et la musique des musulmans yoruba du Nigeria ? Rien, si ce n'est l'imagination débordante du musicien Ayinde Barrister. Impressionné par la musique « Were » que jouaient les artistes pour distraire les religieux yorubas pendant les fêtes du ramadan, il va en faire, dès les années 1960, un genre à part entière. Il le baptise « fuji » après avoir vu une publicité pour le tourisme au Japon. Le fuji va s'imposer rapidement comme une musique festive, rythmé et populaire dont Adekunle Gold fut un auditeur attentif durant sa jeunesse au point de l'intégrer dans son afropop actuelle. Fuji est le cinquième album d'Adekunle Gold qui, à presque quarante ans, est considéré comme l'un des pionniers de l'afropop. Sa carrière a démarré en 2015. Et s'il n'a jamais eu la notoriété d'un Davido ou d'un Rema, c'est peut-être en raison de choix artistiques très affirmés. Adekunle Gold s'ancre dans le patrimoine musical nigérian, mais aussi africain. À ce titre, il a invité le Soweto Gospel Choir sur un titre ainsi que les porte-drapeaux de l'afrobeats comme Lojay et Davido.

C’est un album dans l’air du temps – ou plutôt de saison : After Summer. Ce disque aux accents folk, pop et rock nous emmène dans l’univers poétique et lumineux de Constance Amiot. C'est le cinquième album de cette chanteuse, guitariste et compositrice française, née en Afrique, qui aime brouiller les frontières entre les langues et les cultures.