Close Up. Ein Podcast übers Filmemachen

Diesmal ist Produzent Quirin Berg zu Gast bei Susanne Bormann. Mit seiner Firma LEONINE zählt er zu den erfolgreichsten Produzent:innen Deutschlands. Im Gespräch, das im November 2025 aufgezeichnet wurde, erläutert er, wie er ohne eigenes Kapital, dafür aber mit viel Unterstützung und dem Gefühl, alles schaffen zu können, ins Berufsleben gestartet ist. Es geht um die langjährige Freundschaft und Partnerschaft mit Max Wiedemann, gemeinsame Kinoerfolge, die Zusammenarbeit mit Regisseur:innen und die Frage, was es neben Glück und dem richtigen Zeitpunkt braucht, um Ideen erfolgreich umzusetzen.Außerdem sprechen die beiden darüber, was Zuschauer:innen heute dazu bewegt, sich für einen Kinobesuch zu entscheiden – und welche Rolle dabei die Verschränkung von Relevanz und Unterhaltung spielt.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:Webseite LEONINEWebseite Wiedemann & Berg FilmFilmografieMehr zum Host:Susanne Bormann InstagramSusanne Bormann AgenturAufnahme & Schnitt: Nicolai ZielMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Gordon MuehleProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. · Jule Bartram, Sarah HoffmannKapitel00:00:00 Zusammenfassung und Gretchenfrage00:04:35 Freundschaft und geteilte Leidenschaft für Film mit Max Wiedenmann seit der Schulzeit, Initialzündung in Cannes00:10:00 über Zettel am schwarzen Brett der HFF zum Regie-Praktikum bei Bernd Eichinger00:17:35 Erfolgsrezept Dialektik und Dialog: Ein Gespür dafür entwickeln, wann man eingreift und wann man die kreativen Partner machen lässt00:31:38 Keimzelle HFF und die Arbeitsbeziehung zum Florian Henkel von Donnersmark00:38:09 inhaltliche Ausrichtung der Firma und die Zusammenarbeit mit Simon Verhoefen00:50:08 was braucht es, um die Zuschauer:innen ins Kino zu ziehen / Filme von Alireza Golefshan01:00:11 Welchen Mehrwert kann und muss Kino gegenüber dem Streaming bieten?01:08:36 Zeitmanagement und die Frage, wie man es schafft, unter Zeitdruck kreativ zu sein01:19:13 Intension und Management von Leonine Studios Teil 101:23:28 In wieweit hat die Filmbranche eine gesellschaftliche Verantwortung?01:29:04 Leonine Studios Teil 2 und Umgang mit KI01:38:54 was wünscht Du jungen Filmemacher:innen und was dem deutschen Kino?

Susanne Bormann trifft Gerrit Hermans, der seit vielen Jahren als Kinoautor tätig ist und sich im Verband der Autor:innen für die Belange seines Berufsstandes engagiert. Das Gespräch fand im Juli 2025 statt.Im Mittelpunkt steht die Situation von Drehbuchautor:innen in Deutschland: Was hat sich in den vergangenen Jahren bereits verändert und wo liegt Entwicklungspotenzial, um gute Bedingungen für die Entstehung ausgereifter Drehbücher zu schaffen? Außerdem geht es darum, warum es für Autor:innen wichtig ist, sich zusammenzuschließen, sich auszutauschen und gemeinsam für die Belange ihres Gewerkes einzustehen – damit es auch in Zukunft attraktiv bleibt, für das Kino zu schreiben, und der Berufsstand weniger von Selbstausbeutung geprägt ist.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:WebseiteProfilseite DrehbuchverbandFilmografiePodcast: Neue Drehbuchförderung – Der Weg zum GeldMehr zum Host:Susanne Bormann InstagramSusanne Bormann AgenturAufnahme & Schnitt: Nicolai ZielMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Ben WolfProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. · Jule Bartram, Sarah HoffmannKapitel00:00:00 Thematischer Überblick und kurze Einführung in den Arbeitsalltag00:07:30 Gretchenfrage und Biografisches anhand der Entwicklung der allgemeinen Lage für Autor:innen in Deutschland in den letzten Jahrzehnten00:19:58 Resilienz und Krisenmanagement / Entstehung von Kontrakt 1800:31:42 Was hat sich durch Kontrakt 18 verändert?00:38:25 Missverständnisse und Kontroversen um Kontrakt 1800:41:02 Veränderungen und positive Entwicklungen durch Kontrakt 18, Teil 200:49:40 Tradition des Autorenkinos in Deutschland00:59:51 Lebensrealität von Kinoautor:innen in Deutschland – wie attraktiv beziehungsweise unattraktiv ist dieser Beruf?01:11:50 Warum der Beruf als Autor:in im jetzigen System zur Selbstausbeutung verleitet und wie viel man unentgeltlich in Vorleistung geht01:22:38 Herausforderungen im Entstehungsprozess der Bücher und im Umgang mit Kritik01:28:53 Wie finanziert man die Buchentwicklung und bis zu welchem Zeitpunkt sieht man meist noch kein Geld?01:33:35 Der Zwiespalt, dass man als Autor:in einerseits ein ganz dickes Fell und parallel dazu ein Höchstmaß an Sensibilität braucht, und die Frage, wie man Kritik konstruktiver gestalten könnte01:43:02 Was ändert die Filmförderreform an der Situation der Autor:innen?01:51:11 Entwicklungspotenzial und Anregungen zur Verbesserung02:02:08 Was wird sich durch KI verändern?

Susanne Bormann trifft Dirk Beinhold, Geschäftsführer der Firma Akkord Film, die sich erfolgreich dem Kinderanimationsfilm verschrieben hat. Im Gespräch geht es um die Stoffentwicklungsabteilung als Kernkompetenz des Unternehmens, darum, warum im Animationsfilm die netteren Menschen arbeiten und was ihm sein Studium sowie sein Arbeitsaufenthalt in den USA für das Produzieren in Deutschland gebracht haben – zum Beispiel die Erkenntnis, dramaturgische Entwicklung und Marketing miteinander zu verknüpfen.Außerdem geht es um filmpolitische Themen, etwa um das Missverhältnis zwischen der Bedeutung von Kinderfilmen für Gesellschaft und Demokratiebildung und den Geldern, die dem Kinderfilm zur Verfügung stehen. So werden beispielsweise beim öffentlich-rechtlichen Fernsehen nur zwei Prozent der Mittel für Kinderformate ausgegeben, obwohl Kinder zwölf Prozent der Bevölkerung ausmachen und Medieninhalte sie stark und nachhaltig prägen.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:Dirk Beinhold Filmografieakkord filmMehr zum Host:Susanne Bormann InstagramSusanne Bormann AgenturAufnahme & Schnitt: Nicolai ZielMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Akkord FilmProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. · Jule Bartram, Sarah HoffmannKapitel00:00:00 Biographie und Vorstellung00:05:49 Gretchenfrage00:10:17 Benefit von den Arbeitsjahren in den USA im Bezug auf Stoffentwicklung00:19:25 Kernkompetenz der Akkordfilm: Die Dramaturgie- und Stoffentwicklungsabteilung00:24:59 Unterschiede in der Herstellung im Vergleich zum Realfilm00:32:08 Wie entsteht die künstlerisch-kreative Welt im Animationsfilm00:43:32 Die Höhen und Tiefen der Firma00:51:12 Selbstfürsorge und Vereinbarkeit zwischen Beruf und Familie in der Firmenstruktur und im Arbeitsklima00:55:50 Das Reizvolle und die Besonderheiten am Kinderfilm01:00:29 Möglichkeiten und Verantwortung vom Kinderfilm für die Gesellschaft und die Demokratieförderung01:10:29 Auch Streamer investieren nicht in deutsche Animation, obwohl das mit die erfolgreichsten Produkte sind01:16:35 Ausbildung im Bereich Animation01:21:11 Die wichtigsten Partner und Wegbegleiter01:24:48 Was möchtest du jungen Filmemachern mitgeben? Über den Vorteil, nicht zu ehrfürchtig zu sein

„Das Vicky“ nannte Simone Bär ihren damaligen Schützling, weil sich die Schauspielerin Vicky Krieps auch schon in ihren Anfangsjahre jeglicher Zuschreibung entzog. Susanne Bormann spricht mit der Präsidentin der Deutschen Filmakademie über die Suche nach Wahrhaftigkeit in der Glamour-Scheinwelt des Filmes, wie sich ihre internationale Karriere entwickelt hat und sie eines Tages mit Paul Thomas Anderson und Daniel Day Lewis am Set von „Der Seidene Faden“ stand.Es geht um Aufrichtigkeit im Spiel, das „nicht reagieren müssen“ und aushalten von Stille aber auch um Rollenbilder von Frauen im Film und der Gesellschaft.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:Vicky Krieps InstagramVicky Krieps FilmografieMehr zum Host:Susanne Bormann InstagramSusanne Bormann AgenturAufnahme & Schnitt: Nicolai ZielMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Florian LiedelProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule BartramTechnische Umsetzung: Sarah HoffmannKapitel00:09:02 Filmfestspiele in Venedig mit Jim Jarmuschs Film „Father Mother Sister Brother“00:15:36 Biografie00:21:10 Die Rolle kommt und lädt mich ein auf dieses Treffen - Auswahl an Rollen00:28:42 Gretchenfrage00:35:50 Die Suche nach Wahrhaftigkeit und einem leeren freien Raum00:42:30 Mutter sein und drehen, gleich zu Beginn der Karriere00:51:35 Der Weg zum internationalen Durchbruch mit Daniel Day Lewis in „Der Seidene Faden“ von Paul Thomas Anderson01:05:48 Der Dreh mit Daniel Day Lewis, dem Angstgegner vieler Schauspielkolleg:innen01:19:10 Familien-Background01:29:34 Unterschiede zwischen internationalen und deutschen Produktionen in der Arbeitsweise01:36:43 Das Aneignen von Figuren und über das „nicht reagieren müssen“ und Aushalten von Stille01:45:42 Erwartungen an die Rolle als Frau, Schauspielerin und Mutter01:57:54 Der Spagat zwischen Ehrlichkeit, unangepasster Frau und Pressearbeit

Bevor der Regisseur İlker Çatak seinen durchschlagenden Erfolg mit dem Oscar-nominierten und vielfach ausgezeichneten Film „Das Lehrerzimmer“ feierte, erfuhr er neben einigen kleineren Erfolgen auch Ablehnung auf seinem Werdegang zu einem der gefeiertsten Regietalente Deutschlands.In den zwei „Welten“ von Istanbul und Berlin aufgewachsen, ist für İlker Çatak Ambivalenz das wichtigste Kriterium für den Kinofilm und er sieht sich in der Verantwortung, den Zuschauenden keine Meinung vorzuschreiben. Mit Christian Schwochow spricht er darüber, wie Ablehnung auch ein Motor sein kann, über Selbstzweifel als ein ständiger Begleiter, Rassismuserfahrungen im Zusammenhang mit der Pressearbeit zu „Das Lehrerzimmer“, darüber wie konstante Beziehungen diese von Unvorhersehbarkeiten geprägte Arbeit erleichtern und warum es dennoch wichtig bleibt, sich auch mit neuen Partner:innen immer wieder neu zu erfinden.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:İlker Çatak InstagramMehr zum Host:Christian Schwochow Facebook und InstagramChristian Schwochow AgenturSchnitt: Rainer SchwochowAufnahme: SonnenstudioMusik: Martin TodsharowFotos: Florian Mag, Mattia TezzeleProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga GoossensTechnische Umsetzung: Sophie NietheKapitel00:00:00 Intro00:01:14 Gretchenfrage und Kindheit im Wedding in den Achtzigern00:08:29 Kulturschock und Desillusionierung mit dem Umzug nach Istanbul00:20:07 Zurück nach Berlin – Zum Zivildienst, um dem türkischen Militär zu entgehen00:28:23 Erste Gehversuche beim Film00:38:26 Nach Studienabbruch zahlreiche vergebliche Versuche an Filmhochschulen genommen zu werden00:45:55 Hamburg Media School00:55:54 Wie die harte Schule der zahlreichen Ablehnungen zu enormer Gewissenhaftigkeit bei den Hochschul-Filmen führte01:00:45 Auserwählt für das Auslandsprojekt der Hamburg Media School mit dem Film „Sadakat" in Istanbul01:11:29 Die Vor- und Nachteile immer wieder mit denselben Leuten zu arbeiten und wie wichtig neue Impulse sind, um nicht stehen zu bleiben01:25:55 Erfolg und Misserfolg01:44:02 Handwerkliche und inhaltliche Arbeit mit Kamerafrau Judith Kaufmann01:55:10 Die Angst, nicht gut genug zu sein und irgendwann „aufzufliegen“ / Kino vs. Fernsehen02:01:37 Das Lehrerzimmer: später, kometenhafter Erfolg und Rassismus-Erfahrungen im Zuge der Pressearbeit02:15:20 Zusammenarbeit und Zusammenwachsen mit dem Produzenten Ingo Fliess von if Productions02:27:11 Warum İlker sich zumeist für weibliche Hauptfiguren entscheidet02:32:58 Arbeit mit den Schauspielenden – Der Raum, den es braucht um sich fallen zu lassen und sich wirklich zu öffnen02:43:30 Outro

Gemeinsam mit seinem Bruder Jonas führt Jakob die noch recht junge Produktionsfirma Weydemann Brothers, deren Filme, z.B. „Systemsprenger“, zahlreiche internationale Preise gewonnen haben. Auch die Beziehungen zu den Talenten denken die Weydemanns langfristig und familiär – Vertrauen und gemeinsames Wachsen sehen sie als Basis für das Entfalten von kreativem Potential. Susanne Bormann spricht mit Jakob Weydemann über die Suche nach noch nicht gesehenen Geschichten und nicht gehörten Perspektiven, darüber, wie die benötigten Konsensentscheidungen zu vieler Fördertöpfe kreative und außergewöhnliche Stoffe hemmt und warum es sich trotzdem lohnt, Stoffe fürs Kino zu entwickeln, obwohl die Streamer unkomplizierter und schneller die Gelder zur Verfügung stellen. Jakob hat sich in den vergangen Jahren intensiv für eine grundlegende Reform der Förderstrukturen in Deutschland eingesetzt und hat uns die anstehende Filmförderreform im Detail erläutert und verständlich gemacht, welche positiven Änderungen uns hoffentlich erwarten – auch wenn wenige Woche nach dem Gespräch durch die politischen Ereignisse nun wieder alles offen ist.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:Website Weydemann Bros.Mehr zum Host:Susanne Bormann InstagramSusanne Bormann AgenturAufnahme & Schnitt: Nicolai ZielMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Jakob WeydemannProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga GoossensTechnische Umsetzung: Sophie NietheKapitel00:00:00 Erste Filmbegeisterung bei der Hamburger Sneak-Preview und Produktionserfahrungen im Schultheater00:11:14 Gretchenfrage und die Magie ein Projekt von der ersten Idee bis zum Ende zu begleiten00:18:55 Internationales Studium in Barcelona und USA – erste Kurzfilme: mit viel Risiko und Neugier hinaus in die Welt00:30:30 Erster Langfilm mit Damian John Harper „Los Angeles“ – ein Projekt entgegen aller Wahrscheinlichkeiten00:39:21 Bewusstes gestalten der eigenen Firmenphilosophie und des Familiengedankens00:46:21 Durchbruch und Überraschungserfolg mit „Systemsprenger“ von Nora Fingscheidt00:56:20 Weitere waghalsige Projekte, z.B. „Niemand ist bei den Kälbern“ während der Corona-Zeit00:05:19 Neue Perspektiven: „Ivie wie Iwie“ von Sarah Blaßkiewitz01:16:21 Flexible Verleihstrategie für „kleinere“ Filme am Beispiel von „Ivie wie Ivie“ ohne großes Marketing-Budget01:19:40 Für und Wider von Sperrfristen, vor allem in Bezug auf Arthouse-Produktionen01:34:20 Widerstände im Entwicklungsprozess für mutige, ungewöhnliche Themen – der nötige Konsens der vielen Fördertöpfe01:41:29 Unterschiede im kreativen Prozess bei einem unabhängigen Kinofilm und einer Streamer-Auftragsproduktion01:50:22 Die anstehende Reform der Filmförderung: Steueranreizmodell und Investitionsverpflichtungen von Streamern02:03:11 Filmfördergesetz – was soll sich im Detail ändern?02:08:39 Was bedeuten die Änderung insbesondere für den Arthouse-Film?02:17:07 Den Prozess familiär denken – Arbeiten mit dem Bruder, Arbeitsbeziehungen langfristig als Film-Familie denken02:25:03 Familienfreundliches Produzieren

Immer wieder sind der Einstieg in den Beruf und die entscheidenden Schritte am Anfang einer Karriere Thema bei uns im Podcast. Im Fall von Julia von Heinz ist der Start in die berufliche Laufbahn umso spannender, da sie keinen klassischen Hochschulweg gegangen ist und sich bereits mit zwei kleinen Kindern im Gepäck ihren Weg ins Filmgeschäft sehr hart erkämpft hat.Ihr Debütfilm „Was am Ende zählt“ fand erst zwei Jahre nach Fertigstellung einen Verleih und wurde dann aber schlussendlich mit der Lola in Gold prämiert. Heute betreibt die gefeierte Regisseurin gemeinsam mit dem Produzenten Fabian Gasmia und den Regiekollegen David Wnendt und Erik Schmitt die Produktionsfirma Seven Elephants.Mit Christian Schwochow spricht Julia von Heinz darüber, wie entscheidend es für den Verlauf einer Karriere sein kann, Menschen um sich zu haben, die an einen glauben. Sie schildert das Privileg, von einer Ikone wie Rosa von Praunheim in den Beruf eingeführt worden zu sein, und wie es ist, seit vielen Jahren mit ihrem Mann und Drehbuchautoren John Quester zusammenzuarbeiten. Außerdem thematisieren die beiden, wie viel besser junge Leute heutzutage in der Selbstfürsorge sind und wie selbstverständlich man sich früher auch selbst ausgebeutet hat. Sie gehen der Frage nach, ob es ein „Zuviel“ an Arbeit gibt, selbst wenn man diese über alles liebt und wie es sich anfühlt, wenn einem der eigene Film aus den Händen genommen wird, wie bei „Ich bin dann mal weg“.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:Agenturseite Julia von HeinzMehr zum Host:Christian Schwochow Facebook und InstagramChristian Schwochow AgenturSchnitt: Rainer SchwochowAufnahme: SonnenstudioMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Peter HartwigProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga GoossensTechnische Umsetzung: Sophie NietheKapitel00:00:00 Intro00:00:40 Biografie, die Abwesenheit von Film bis zu einem recht späten Zeitpunkt und die Liebe zu Literatur00:10:00 Zeit bei der Antifa00:19:55 Über die Ausbildung beim WDR: Endlich der Weg zum Film00:30:30 Die ersten eigenen Kurzfilme und die gescheiterten Versuche an der Filmhochschulen00:41:33 Der essenziell wichtige Kontakt zu Rosa von Praunheim über Cooky Ziesche00:53:57 Drehbucharbeit mit Lebenspartner John Quester01:03:30 Mit zwei kleinen Kindern Drehbuch für den ersten Langspielfilm schreiben und Drehen01:18:42 Arbeit als Heimat und die Frage ob man zu viel arbeiten kann, selbst wenn es einen sehr erfüllt01:25:20 Wenn man leer ist und irgendwann keine Ideen mehr hat01:31:58 Verwundbar durch die Presse - die Scham, wenn man „enttarnt“ wird01:42:51 Umgang mit Kritik am Beispiel von „Ich bin dann mal weg“01:55:49 Gründung der Produktionsfirma Seven Elephants01:59:55 Der aktuelle Film „Treasure“ nach einer Romanvorlage von Lily Brett02:21:16 Wegbegleiterin seit der ersten Stunde: die Kamerafrau Daniela Knapp02:28:32 Was ist das Besondere am persönlichen Erzählen und wie drückt es sich aus?02:33:07 Die Dreherfahrung in Polen - wie mit viel Professionalität und großen Stolz gegenüber dem eigenen Gewerk hohe Qualität erreicht wird02:36:55 Outro

Susanne Bormann spricht mit Hansjörg Weißbrich – dem Editor, von dem man sicherlich mit Fug und Recht behaupten kann, dass es niemanden in unserer Branche gibt, der ihn nicht kennt. Langjährige treue Zusammenarbeit mit Regiegrößen wie Hans-Christian Schmid, Maria Schrader oder Florian Gallenberger wechseln sich in seiner Laufbahn mit neuen fruchtbaren Begegnungen – wie zuletzt mit Margarete von Trotta oder bei Tim Fehlbaums „September 5” – ab. Hansjörg beschreibt seine Arbeit vom „Groben ins Feine“. Im Gespräch erklärt er, warum seine Rohschnitte immer möglichst kurz sind, wie er es schafft den Schauspielenden im Schnitt so nahe zu kommen, dass man sich als Zuschauer:in dem Sog der Geschichte nicht mehr entziehen kann, wie er es erreicht, dass seine Filme so organisch und rund wirken und warum es wichtig ist, den Film zwischendurch immer wieder als Ganzes anzuschauen.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:BFS Webseite Hansjörg WeißbrichMehr zum Host:Susanne Bormann InstagramSusanne Bormann AgenturAufnahme & Schnitt: Nicolai ZielMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Florian LiedelProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga GoossensTechnische Umsetzung: Sophie NietheKapitel00:00:00 Intro00:00:55 Gretchenfrage und Biografisches00:10:08 Fügung für wichtige Zusammenarbeiten, z.B. mit Hans-Christian Schmid, Margarete von Trotta und Maria Schrader00:21:26 Schnitt ist wie Bildhauerei, man arbeitet vom Groben ins Feinere00:35:52 Abstimmungsprozesse und Zusammenarbeit mit der Regie im Schnittprozess00:46:51 Wann folgt man der eigenen Intuition und wann den Anweisungen der Regie?00:54:34 Den Figuren mit dem Schnitt in der größtmöglichen Intensität folgen – Wie geht das?01:02:24 Den Film immer als Ganzes betrachten – von einem verdichteten, kurzen Rohschnitt hin zu einzelnen Ergänzungen01:08:20 Wie entsteht und gestaltet man den Schnittrhythmus im Film?01:23:21 Wie hilft Musikalität und in Hansjörgs Fall sein Musikstudium beim Schnittprozess?01:33:12 Einen Schnittprozess abgeben oder den Schnitt von einer anderen Produktion übernehmen und fertigstellen01:47:03 Wie wichtig es ist, in der Ton-Mischung und in der Endfertigung dabei zu sein01:51:16 Outro

Wie kann man über Musik reden? Wie lassen sich Worte finden, um eine Melodie zu beschreiben? Wie lässt sich eine gemeinsame Idee für einen Score entwickeln? Christian Schwochow spricht mit dem Ausnahmetalent Dascha Dauenhauer über das angstfreie und wertfreie Ausprobieren bei schwer zu beschreibenden künstlerischen Prozessen. Das Ego darf laut Dascha beim Film jedenfalls keine Rolle spielen. Als neunjährige studiert sie bereits Komposition und ihr erstes Werk wird in der Philharmonie uraufgeführt als sie 15 Jahre alt ist.Mit Christian Schwochow spricht sie darüber, wie Oscar-Gewinner:innen sie auf Instagram anschreiben, um sie zu engagieren, wie sehr sie es liebt, eigene Sounds zu kreieren, über Arbeitssucht und darüber, wie wichtig diese eine Person ist, die sagt: Ich gebe dir 'ne Chance, selbst wenn es viele Gegenstimmen gibt. Für Dascha war diese Person Burhan Qurbani, der ihr noch als Studierende sein riesiges Vertrauen geschenkt und sie für „Berlin Alexanderplatz“ engagiert hat und damit ihre aussergewöhnliche Karriere ins Rollen brachte.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:Webseite Dascha DauenhauerMehr zum Host:Christian Schwochow Facebook und InstagramChristian Schwochow AgenturSchnitt: Rainer SchwochowAufnahme: SonnenstudioMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Marcus HöhnProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule BartramTechnische Umsetzung: Sophie NietheKapitel00:00:00 Intro00:00:15 Aufwachsen in Moskau und musikalische Förderung ab dem Alter von 5 Jahren00:10:44 Harter Aufschlag beim Umzug nach Berlin-Lichtenberg und Kompositionsunterricht ab 9 Jahren00:19:45 Konzertreisen als Kind und Lampenfieber00:32:20 Von der Komposition zur Filmmusik und der Filmuniversität Babelsberg00:41:30 Die Arbeit im Team als Filmkomponistin00:47:52 „Angst“ vor Musik und Musik als Mittel der Manipulation00:49:55 Filme von Henrika Kull- wie ein Score entsteht (Jibril, Glück)00:56:04 Wie schwer es ist Worte und eine gemeinsame Sprache für Musik zu finden und wie wichtig das Ausprobieren - ohne Angst zu scheitern - ist01:10:23 „Berlin Alexanderplatz“ mit Burhan Qurbani - direkt vom Studium in diese aufwendige Produktion01:20:50 Über Depressionen und Selbstzweifel in der Arbeit - und was dann hilft01:32:14 Der Durchbruch und die internationalen Chancen danach, z.B. bei „Golda - Israels Eiserne Lady“ von Guy Nattiv mit Helen Mirren01:43:22 Wie wichtig es ist, von Anfang an deutlich zu machen, was man will, um negative Erfahrungen zu vermeiden01:51:23 Musik Libraries vs. Eigene Sounds kreieren02:01:56 Outro

Wie kaum ein anderer Regisseur verbindet Andreas Dresen in seinen zutiefst menschlichen Geschichten Humor mit Tiefgang. Er schafft es, dass wir den Blick in Abgründe wagen, vor denen wir gemeinhin zurückschrecken und erzählt mit großer Liebe über das Scheitern. Und das wieder Aufstehen. All das tut er gemeinsam mit jahrelangen Vertrauten, quasi seiner Filmfamilie. Mit Susanne Bormann spricht er über die Bedeutung von Geschichten für uns Menschen und beschreibt, wie seine Filme von der Idee bis hin zum fertigen Ergebnis in gemeinschaftlicher Arbeit reifen und entstehen, und bisweilen ein Eigenleben entwickeln. Wir sprechen über seinen äußerst bewegenden aktuellen Kinofilm „In Liebe, Eure Hilde“, über Risikobereitschaft, die Balance aus Zusammenhalt und künstlerischer Reibung, den angstfreien Raum als Nährboden für Kreativität, die Besonderheiten des Improvisationsfilms und vor allem über die Arbeit mit den Schauspieler:innen.Ein Podcast der Deutschen Filmakademie.Podcast Homepage · Facebook · InstagramMehr zum Gast:Andreas Dresen AgenturMehr zum Host:Susanne Bormann InstagramSusanne Bormann AgenturAufnahme & Schnitt: Nicolai ZielMusik: Martin TodsharowFotos: Mattia Tezzele, Florian LiedelProduktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule BartramTechnische Umsetzung: Sophie NietheKapitel00:00:00 Intro00:00:58 Gretchenfrage und: Was Filme Menschen bedeuten00:06:50 Ist der Beruf des Regisseurs ein einsamer?00:12:12 Kindheit in einer Theaterfamilie in Schwerin00:19:20 Erste Inszenierungen als Kind, unter dem kritischen Blick zweier Väter, die echte Koryphäen sind00:26:13 Erste Amateurfilme auf der AK8 Kamera und Zeltplatzkino mit der „DREFA“00:37:55 Die Jahre bei der Armeezeit in der DDR mit Andreas Höfer00:39:26 Der umständliche Weg zum Studium an der Konrad Wolf in Babelsberg00:46:00 Lehrreiches Praktikum als Tontechniker am Schweriner Theater - Wartezeit aufs Studium00:50:40 Studium in Zeiten des Umbruchs, während der Vor-Wendezeit01:05:39 Die letzten Monate der DDR, Studienabschluss während der Wende und erste berufliche Schritte im neuen System01:10:45 Frustration und Limitierung der eigenen Kreativität durch „braves“ Handwerk, gelangweilt sein von der eigenen Arbeit Anfang der 90er01:20:08 Kreativer Befreiungsschlag durch „Nachtgestalten“ und das Theater, finanziell am Abgrund01:35:48 Ohne Risiko läuft nichts beim Film01:40:25 Wie entstehen die Ideen und Themen zu den Dresen-Filmen01:53:56 „Halt auf freier Strecke“02:04:50 Wie schütze ich mich als Schauspieler:in in emotionalen Extremsituationen der Figur02:21:17 Wechselspiel Schauspiel/Regie: Spielen, ohne das Gefühl scheitern zu können02:30:47 Die Probensituation02:44:02 Wie kann man als Regie den Schauspielenden in emotionalen Szenen helfen?02:55:50 wie hilfreich Subtexte sind und die Herausforderung beim Improfilm Subtexte zu entwickeln03:03:33 Vorbereitung für einen Improvisationsfilm am Beispiel von „Halbe Treppe“03:09:00 Umgang mit Angst, Verantwortung und Druck03:18:38 Anspruch und die Verantwortung das Publikum nicht zu enttäuschen03:23:22 Outro