Tráiler | Temporada 6

En este episodio, se habla de la necesidad de cuestionar la formación cinematográfica y los paradigmas que allí se instalan.Niles Atallah es un cineasta y artista visual chileno-norteamericano, cuyo trabajo ha comprendido largometrajes, cortometrajes, videoinstalaciones y obras de realidad virtual.Junto a Joaquín Cociña y Cristóbal León, fundó en 2009 el colectivo Diluvio con el que han creado obras de ficción y animación fuera de los estándares tradicionales de producción. Su ópera prima, Lucía, se estrenó en San Sebastián y su segundo largometraje, Rey, obtuvo el Premio Especial del Jurado de Rotterdam. Allí regresó recientemente para presentar su nuevo largometraje, Animalia Paradoxa.Por otro lado, Elena Pardo es una artista y cineasta mexicana que ha explorado formatos como la animación, el documental, la videoinstalación y el performance.Es cofundadora del Laboratorio Experimental de Cine-LEC, con quienes ha trabajado por más de diez años en la divulgación, producción y programación de cine experimental en formatos fílmicos. Su más reciente trabajo, Nanacatepec, codirigido con Azucena Losana, se estrenó en el Forum Expanded de la Berlinale. Niles y Elena se reúnen aquí para hablar de la experimentación como una forma natural de aproximarse al cine y reclaman que sean aceptadas nuevas formas de crear. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En este episodio, se habla de la escritura y la dirección de cine como oficios profundamente íntimos y emocionalmente demandantes.Ana Cristina Barragán es una joven y prolífica directora ecuatoriana reconocida internacionalmente por su ópera prima Alba, película que obtuvo el Lions Award en el Festival de Rotterdam y el Premio de la Crítica FIPRESCI en Toulouse. En poco más de diez años, ha dirigido varios cortos y dos largometrajes que se han presentado en escenarios como Locarno, San Sebastián, Toronto y Thessaloniki. En sus obras ha retratado, de manera inquietante y en ocasiones sombría, experiencias íntimas de niñas y adolescentes que se enfrentan por primera vez a la muerte. Alba y La piel pulpo, su segundo largometraje, obtuvieron nominaciones al Goya a Mejor Película Iberoamericana. Por otro lado, Sofía Quirós Ubeda es una directora y guionista de Costa Rica. Su cortometraje Selva y su ópera prima Ceniza negra fueron las primeras obras seleccionadas de su país en la Semana de la Crítica de Cannes. Su largometraje también fue nominado al Goya como Mejor Película Iberoamericana. A través de una forma poética, Quirós ha creado atmósferas en las que el mundo espiritual dialoga con el mundo material. La sensibilidad y el deseo de sus personajes femeninos permean el entorno natural que las rodea. Su cortometraje más reciente, El silencio de los niños, se estrenó en la Competencia Latinoamericana del Festival de Mar del Plata.  Ana Cristina y Sofía se reúnen aquí para hablar de los aprendizajes que representaron sus primeros largometrajes y los desafíos de sus próximos proyectos. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En este episodio, se habla de las imágenes cinematográficas como materia y como espectros.Alberto Gracia es un director, escritor y artista español. Es uno de los nombres más sobresalientes del llamado Nuevo Cine Gallego, aunque se ha desmarcado del mundo rural que éste suele retratar. Ha dirigido los largometrajes El quinto evangelio de Gaspar Hauser, La estrella errante y La Parra, películas estrenadas en la selección oficial del Festival de Rotterdam, donde obtuvo el Premio de la Crítica FIPRESCI por su ópera prima. Es autor del libro Microfugas, teoría y juego de la profanación, un ensayo que cuestiona la representación de la realidad en el arte contemporáneo.Por otro lado, Theó Court es un director chileno de ascendencia española. Su cortometraje El espino fue seleccionado en la Cinéfondation del Festival de Cannes y su ópera prima, El ocaso, se estrenó en 2011 en el Festival de Rotterdam. Court ha explorado de manera aguda las tensiones coloniales que conforman los cimientos de la sociedad chilena y ha explorado las cualidades plásticas de la imagen para hacer visible la fabricación misma de las películas. Su segundo largometraje, Blanco en blanco, recibió el Premio a Mejor Dirección y el Premio de la Crítica FIPRESCI en la sección Orizzonti del Festival de Venecia.Alberto y Théo se reúnen para hablar de la necesidad de suscitar con sus películas reflexiones sobre la manipulación de las imágenes. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En este episodio, se habla del oficio actoral como una búsqueda permanente por suspender el tiempo. Luis Gnecco es un actor chileno con una amplia trayectoria en teatro y televisión desde los años 90. En la última década, su versatilidad ha sido reconocida internacionalmente por colaborar con importantes directores latinoamericanos como Rodrigo Sepúlveda, Fernando Meirelles y Carlos Carrera. En Neruda, de Pablo Larraín, y El bosque de Karadima, de Matías Lira, interpretó a dos conocidos y polémicos personajes de la historia chilena, suscitando interesantes discusiones sobre la ficcionalización de la realidad y la representación del horror. Por otro lado, Esteban Bigliardi es un actor argentino con una filmografía diversa en registros dramáticos. Su trabajo con directores como Lisandro Alonso, Romina Paula, Alejandro Fadel y María Alché, le ha permitido explorar géneros tan distintos como el drama familiar, el thriller, narrativas experimentales e incluso el terror.En el último año, protagonizó Los delincuentes, de Rodrigo Moreno, y La práctica, de Martín Rejtman, estrenadas en Cannes y San Sebastián. También hizo parte de La sociedad de la nieve, de J. A. Bayona, estrenada en Venecia y nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera. Luis y Esteban se reúnen aquí para hablar de la espera como una experiencia que atraviesa su oficio y reivindican la libertad de la creación actoral.  Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En este episodio, se habla de la escritura como un ejercicio permanente en la creación cinematográfica.Santiago Mitre es un director argentino reconocido inicialmente por su trabajo como guionista en películas de Pablo Trapero, como Leonera, Carancho y Elefante blanco, todas estrenadas en el Festival de Cannes. Con su ópera prima El estudiante obtuvo el Premio Especial del Jurado en Locarno y desde entonces ha desarrollado una exitosa filmografía como director, usando las estrategias del cine clásico para renovar las posibilidades narrativas de géneros como el thriller político. Recientemente, obtuvo un Globo de Oro y fue nominado a los Premios Oscar por su largometraje Argentina, 1985, también galardonado con el Premio FIPRESCI en el Festival de Venecia. Por otro lado, Alejandro Landes es un director nacido en Brasil que creció entre Ecuador y Colombia. Después de trabajar algunos años en la prensa y televisión de Estados Unidos, debutó como director en Sundance con el documental Cocalero, un registro de la campaña electoral de Evo Morales en Bolivia. En 2011 estrenó en la Quincena de Realizadores de Cannes Porfirio, una ficción inspirada en hechos reales que utiliza elementos documentales en su puesta en escena. Siete años después obtuvo el Premio Especial del Jurado del Festival de Sundance por Monos, una ambiciosa representación de la juventud y del conflicto armado en Colombia, que también fue seleccionada para ser parte del Panorama de la Berlinale.Santiago y Alejandro se reúnen aquí para hablar de los procesos de investigación que nutren sus guiones y su trabajo con actores naturales y profesionales. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.En la sexta temporada de Encuentros conversan Alejandro Landes + Santiago Mitre, Esteban Bigliardi + Luis Gnecco, Alberto Gracia + Théo Court, Ana Cristina Barragán + Sofía Quirós Ubeda, Elena Pardo + Niles Atallah y Nele Wohlatz + Rodrigo Moreno. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En este episodio, se habla del cine de archivo como un medio para hablar del futuro. Agustina Comedi es una directora argentina reconocida internacionalmente por su ópera prima El silencio es un cuerpo que cae, estrenada en el IDFA, y Playback. Ensayo de una despedida, premiado como Mejor Cortometraje en Mar del Plata y ganador del Teddy Award de la Berlinale.  A través de archivos familiares y de la escena underground de los años 80, Comedi ha señalado el conservadurismo de la sociedad cordobesa y la consecuente represión sexual, al tiempo que ha dado forma a una filmografía comprometida políticamente desde la libertad y la desobediencia del ensayo cinematográfico. Por otro lado, Jerónimo Atehortúa es un director, productor y crítico colombiano. Ha producido los largometrajes Pirotecnia, de Federico Atehortúa, y Como el cielo después de llover, de Mercedes Gaviria, presentados en Rotterdam y Visions du Réel. Es codirector de Mudos testigos, largometraje póstumo de Luis Ospina, en el que toma como materia prima las imágenes del cine colombiano silente y explora su amplio potencial expresivo como material de archivo. También es autor del libro Los cines por venir, publicado en Colombia, España y Argentina, una recopilación de diálogos con importantes directores contemporáneos. Agustina y Jerónimo se reúnen aquí para hablar de la política del cine y del ensayo cinematográfico como un laboratorio para crear nuevas formas.  Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En este episodio, se habla del cine como un motivo para regresar y marcharse del lugar de origen. Elena López Riera es una directora española. Dirigió los cortometrajes Pueblo, Las vísceras y Los que desean, tres obras con un exitoso recorrido y el último de ellos premiado con el Pardino de Oro del Festival de Locarno. En 2022, su ópera prima El agua, se presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes, Toronto y San Sebastián y fue nominada a dos premios Goya. En su filmografía, rodada enteramente en Orihuela, ha explorado la sensación de convertirse en extranjera, el deseo y la tradición oral de su pueblo natal, conjugando de forma sensible la realidad con la fantasía y el documental con la ficción. También ha trabajado como programadora para los festivales de Sevilla, Entrevues Belfort y Visions du Réel. Por otro lado, Eduardo “Teddy” Williams es un director argentino, cuyo singular reconocimiento comenzó con su primer cortometraje Pude ver un puma, estrenado en la Cinéfondation del Festival de Cannes. Tras dirigir varios otros cortometrajes, en 2016 estrenó su ópera prima El auge del humano en Locarno, donde obtuvo el Premio Cineastas del Presente. Siete años más tarde, volvió a la competencia oficial de este mismo festival con El auge del humano 3 y obtuvo el Premio Tabakalera de San Sebastián. En su filmografía, caracterizada por su innovación técnica y espontaneidad, se ha aproximado a la virtualidad, escenarios geográficamente distantes y el desenfado y el malestar de distintos jóvenes alrededor del mundo. Elena y Eduardo hablan aquí de la necesidad de reconocer otros esquemas de producción que hoy permiten la creación de un cine diverso.  Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En este episodio se habla del cine como un espacio para integrar las voces y los relatos ignorados por las Historias oficiales.Laura Huertas Millán es una artista visual y cineasta franco-colombiana cuya investigación se ha preocupado principalmente por cuestionar los discursos coloniales, las formas en que la etnografía se ha acercado a los sujetos que estudia y la relación del ser humano con la naturaleza. Su obra, de una fuerte impronta experimental, está compuesta por videoinstalaciones y trabajos de corta duración como El laberinto y Sol negro, que se han presentado en los festivales de Toronto, Berlín, Rotterdam, Locarno y Marsella. El Film Archive de Harvard, la Cinemateca de Bogotá y festivales como Mar del Plata y FICUNAM han organizado retrospectivas de su trabajo.  Por otro lado, Luis López Carrasco es un director y productor español de cine experimental, con un especial interés en la creación y la reflexión sobre el material de archivo. En su filmografía, que explora la idea del “fake found footage”, ha retratado de formas oblicuas relatos y personajes de la contracultura española que subvierten los relatos oficiales posteriores a la dictadura. En 2008 cofundó con Javier Fernández Vásquez y Natalia Marín Sancho el colectivo Los Hijos, con quienes codirigió su ópera prima Los materiales. En solitario ha dirigido los largometrajes El futuro, estrenado en Locarno, y El año del descubrimiento, ganador del Tiger Award como Mejor Película del Festival de Rotterdam en 2020.A partir de sus propias biografías, Laura y Luis se reúnen para hablar de una urgencia personal por crear un archivo de imágenes y sonidos que cuestione las ideas instauradas en el pasado de Colombia y España hasta su historia reciente.   Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En este episodio, reunimos a dos figuras emblemáticas del cine en español que comparten una larga amistad y admiración mutua.Víctor Gaviria es un director y poeta colombiano reconocido internacionalmente por los largometrajes Rodrigo D. No Futuro y La vendedora de rosas, primeras películas en la historia de su país en competir por la Palma de Oro de Cannes en los años 90. Su obra se ha caracterizado por el trabajo con actores naturales y su persistencia en retratar, sin prejuicios ni concesiones, las realidades más violentas de los márgenes de Medellín. Esto lo ha convertido en una figura ineludible del cine latinoamericano y una gran influencia para las nuevas generaciones de cineastas de Colombia.Por otro lado, Fernando Trueba es un director y guionista español ganador de numerosos premios Goya, un Premio Oscar y el Premio Nacional de Cinematografía de España. Su filmografía, que comprende casi 20 títulos, ha explorado temas tan diversos como la música, el teatro y la crisis política que produjo la Guerra Civil, pero siempre desde una perspectiva luminosa y cercana a la comedia. Ha dirigido ficciones como Ópera prima y Belle Époque, el documental Calle 54 y las animaciones Chico y Rita y Dispararon al pianista, la primera nominada al Óscar y la segunda estrenada en San Sebastián. También adaptó al cine la novela colombiana El olvido que seremos, película seleccionada en Cannes.Gaviria y Trueba hablan aquí de su amor por el cine y de las mayores influencias en su obra.   Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.