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Lee Chang-dong verwebt in POSSIBLE LOVE gleich drei Stoffe miteinander: Das erste Thema ist die soziale Gerechtigkeit, das zweite Thema ist das zweite Thema ist die Stabilität und die Brüchigkeit von Beziehungen und das dritte Thema ist der Umgang mit einem tiefen Trauma. In mehr als zweieinhalb Stunden wechseln sich die Themen immer wieder ab. Mi-ok und ihr Ehemann Ho-seok haben sind den Streiks der Gewerkschaft engagiert, sind aber dennoch entlassen worden. Sie sind die Toten – diejenigen, die ihren Job nicht verloren haben, sind die Lebenden.Ho-seok fühlt sich nach einem brutalen Polizeiangriff leer, ein Phantom, in dem nichts mehr ist außer Angst, Wut und Schmerz. Als die Dokumentarfilmerin Ye-Ji über die entlassenen Arbeiter einen Film drehen will, kommen die unterdrückten Gefühle an die Oberfläche. Besonders als die Dokumentarfilmerin und ihr reicher Ehemann das Arbeiter-Paar zu einem Urlaub in die Strandvilla einlädt, zeigt sich welche Liebe möglich ist und welches (Über-)Leben.Es gibt keine einfachen Antworten in POSSIBLE LOVE. Stattdessen komplexe Charaktere, fein beobachtete Details und die Zwischentöne des Lebens: die Ambivalenz von Lust, Neugier und Treue, die Ambivalenz von Abhängigkeit und Privilegien. Nach einem ersten Schauen lässt sich die Vielschichtigkeit des Films kaum erfassen: Zum Beispiel das Spiel mit den Perspektiven. Wir sehen auf einer Ebene, wie die Regisseurin die Szenen für ihren Dokumentarfilm dreht, wir sehen aber auch Ausschnitte aus dem von ihr gedrehten Material, es gibt Rückblicke mit verwackelter Schulterkamera, Material aus Polizeihubschraubern und die Bildschirme einer Videoüberwachung.Im Podcast direkt nach dem Kino versuchen Johanna und Thomas ihren ersten Eindruck in Worte zu fassen, diskutieren dabei unter anderem über die Rolle der Dokumentarfilmerin, über die dichte Atmosphäre und pure Schönheit vieler Bilder, das Licht im ersten Morgengrauen und Eheringe, die verloren gehen. Wir haben den Film im Murnau-Filmtheater in Wiesbaden gesehen. Seit dem 6. November 2026 ist er auf Netflix zu sehen.Hier unser erster Eindruck von Lee Chang-dongs Film BURNING.

Wir nehmen unsere Podcast-Episoden immer direkt nach dem Kino auf – bei der Aufnahme, die wir nach DIE FRAU, DIE SINGT aufgenommen haben, kann man hören, wie angeschlagen wir sind. Im Mittelpunkt des Dramas steht Nawal, eine Frau, die aus dem Libanon stammt und mit ihren beiden mittlerweile erwachsenen Zwillingskindern, einer Tochter und einem Sohn, in Kanada lebt. Nach ihrem Tod erhalten die Kinder zwei Briefe: einen Brief, den sie an den unbekannten Vater aushändigen sollen, und einen Brief, den sie einem Halbbruder geben sollen, von dessen Existenz sie nichts wussten. Sie machen sich auf den Weg und erfahren im Libanon die erschütternde Geschichte ihrer Herkunft …Denis Villeneuve erzählt die Geschichte auf zwei Zeitebenen: einmal das dramatische Leben von Nawal in einem Bürgerkrieg, der das Land und die Menschen verheert, ein Leben voller Liebe, Hass, Ablehnung, Mord, Gefangenschaft und Folter. Auf der zweiten Ebene die Suche der Zwillinge nach dem Vater und dem Bruder, in der sie nach und nach Zeitzeugen finden, die vom Schicksal ihrer Mutter Nawal berichten. Die Geschichte nimmt immer mehr biblische Ausmaße an, eine klassische, griechische Tragödie in einem absolut realistisch erzählten Rahmen. Als wäre die Handlung nicht schon berührend und schockierend genug, findet Denis Villenueve dafür intensive Bilder, die sich uns eingebrannt haben (der brennende Bus!). Mit belegter Stimme direkt nach dem Kino am Mikrofon: Bettina, Katharina, Götz und Thomas.

1989 tötet ein Student 14 Kommilitoninnen, gezielt nur Frauen an der Technischen Universität in Montreal. Er will eine Generation zukünftiger Ingenieurinnen auslöschen. Ein schrecklicher Massen-Femizid. Soll man einen solchen Amoklauf verfilmen und wenn ja wie? Denis Villeneuve entscheidet sich von fiktiven Charakteren zu erzählen – aber in einer authentisch dem echten Verbrechen nachgestellten Handlung. Und er entscheidet sich für Schwarzweiss, um die Wirkung der Gewaltdarstellungen abzumildern. Dabei ist es nicht die Gewalt, die einen als Zuschauer belastet, sondern die starke emotionale Nähe zu den ermordeten und überlebenden Frauen. Der namenlose Täter steht nicht zentral im Mittelpunkt, Villeneuve gibt auch den Opfern und den Zeugen Raum. Er dreht viele Szenen aus drei verschiedenen Perspektiven – erst, wenn man alle Perspektiven gesehen hat, lassen sich die Tat und die Folgen wirklich erfassen. Die Inszenierung ist einfallsreich, aber man bleibt doch sehr auf die dramatische Handlung fokussiert. Thomas – heute alleine am Mikrofon – fühlte sich nach dem Film stark an die eigene (friedliche) Universitätszeit erinnert.

Immer wieder überrascht uns Villeneuves Tragikomödie MAELSTRÖM. Die Geschichte windet sich und wendet sich anders, als wir es erwartet hatten. Es geht um das Leben einer privilegierten jungen Frau, das aus eigener Schuld aus den Fugen gerät. Sie strandet in der Realität und weiß nicht, welches Schicksal auf sie wartet. Villeneuve bettet die Geschichte ein in groteske und märchenhafte Elemente (der sprechende Karpfen), experimentiert mutig, spielt mit Farben und dem Verzicht auf Farben, mit Wasser und Meer, mit Close Ups und einer Erzählerstimme, die Götz sehr stark an Godard und die Nouvelle Vague erinnert. Sehr eigen, sehr sehenswert, aber noch keine klare Filmsprache. Vielleicht ist das der Grund, warum Villeneuve nach Maelström fast zehn Jahre pausiert. Am Mikrofon direkt nach dem Kino: Kristin, Katharina, Götz und Thomas.

Denis Villeneuves erster Langfilm dreht sich um Simone, eine Frau, die nach einem Autounfall ihre eigene Vergänglichkeit erkennt und jetzt ein Kind will – von ihrem besten Freund Philippe, zu dem sie eine platonische Beziehung hat. Ihr Wunsch führt die beiden in die Große Salzwüste in Utah und wieder zurück nach Kanada. Ein Arthouse-Roadmovie mit immer wieder starken Bildern, das den Zuschauer – vor allem nach dem unerwarteten Ende – angefasst und nachdenklich zurücklässt. Thomas mit seinem ersten Eindruck nach dem Kino.

Der Hype um HOPE war beträchtlich nach dem sehr gelungenen Trailer. Ich lehne mich mal aus dem Fenster: Da werden viele enttäuscht sein. Ich nicht :-) HOPE ist „nur“ ein Genre-Film mit allen Stärken und Schwächen: Die Stärken: Rasante, aufregende Verfolgungsjagden, perfektes Setdesign, interessante Monster, starker Score von Michael Abels und eine Bad-Ass-Polizistin. Die Schwächen: Hemmungsloses Over-Acting, dämliche Dialoge direkt aus der Drehbuchhölle der 1980er und viel zu lange sich wiederholende Actionelemente. Und vor allem: In HOPE steckt kein einziges Molekül Subtilität, kein Hauch von Meta-Ebene. Wenn man sich daran nicht stört, hat man einen kurzweiligen Abend mit einem handwerklich herausragenden SF-Actioner. In unserem Podcast wird klar: Einige freuen sich auf HOPE 2, andere nicht :-) Direkt nach dem Film am Mikrofon: Anke, Marc, Hendrik, Harald, Tom und Thomas.

Der Koyote, der mit den verrücktesten Methoden versucht den blitzschnellen Laufvogel Road Runner zu fangen, und dabei immer brutal scheitert, ist vielleicht die einprägsamste Figur der Looney Tunes. Er ist in dieser anarchischen Welt der Sysiphus unter den Cartoonfiguren. Ein Antiheld meiner Kindheit, den ich unglaublich gerne gesehen habe. Jetzt kommt er (nach einigen Schwierigkeiten) zurück auf die große Leinwand – als Gerichtsfilm. Denn Wile E. Coyote hat die Schnauze voll von den nutzlosen Erfindungen der Firma ACME (A Company Manufacturing Everything) und verklagt sie. Sein Anwalt ist nur auf einen schnellen Vergleich mit dem Konzern aus. Aber ACME hat ein Geheimnis, das vor Gericht nicht herauskommen soll … Als Gerichtsfilm funktioniert COYOTE VS. ACME nicht wirklich, aber immer wieder bricht sich der Cartoon-Slapstick Bahn und da macht der Film richtig Spaß. Im Podcast direkt nach dem Film sprechen wir über die reibungslose Integration von Animation und Realfilm, über Peter Lorre, kognitive Dissonanz und Kapitalismus. Direkt nach dem Film schon wieder gut gelaunt am Mikrofon: Johanna, Tina, Tom und Thomas.

Ich bewundere Regisseurin Jane Schoenbrun für die unbekümmerte Art, wie sie eine Meta-Slasher-Groteske inszeniert, ohne sich auch nur einen Deut um Genre-Gesetze und Publikumserwartungen zu scheren. Allein schon die ersten Minuten, die Geburt, Ruhm, Ausbreitung, Absturz und Verachtung eines Horror-Franchises im Schnelldurchlauf zeigen, sind eine liebevolle, kreative und sachkundige Hommage und Parodie der großen Slasher-Reihen. Aber Schoenbrun arbeitet sich nicht an diesen Filmen ab – sie zeigt eine ganz eigene Geschichte: Eine Independent-Regisseurin (Hannah Einbinder), die die abgewirtschaftete Camp-Miasma-Slasher-Reihe irgendwie woke, irgendwie frisch, neu starten soll. Aber sie weiß nicht wie – bis sie auf die Hauptdarstellerin bzw. das Final Girl (herausragend als Diva: Gillian Anderson) des ersten Camp Miasma-Films stößt.Die beiden charismatischen Frauen nähern sich auf verschiedenen Ebenen an. Es entsteht ein faszinierender Reboot mit unerwarteten Wendungen, der schnell die Oberfläche der üblichen Genreparodien hinter sich lässt und irgendwo zwischen Freud und Marx, zwischen Erotik und Blutfontänen dahin geht, wo weder ein Arthouse-Film noch ein Slasher-Film jemals zuvor gewesen ist. Ein richtiger Festivalfilm – und das ist ein Kompliment. Filmwissenschaftler werden sich die Finger wundtippen bei der Analyse von CAMP MIASMA: die queere Anziehung, das Spannungsfeld von Angst, Gefahr, Gewalt und Sexualität, die Abrechnung mit dem Film-Business, der ebenso subtile wie groteske Humor. Viel Stoff zum Nachdenken auf der einen Seite, aber auch einfach ein großer Spaß auf der anderen Seite. Absolut sehenswert. Direkt nach dem Film gut gelaunt am Mikrofon: Anke, Marc und Thomas.

Erika Mann fährt ihren berühmten Vater Thomas Mann 1949 durch das zerstörte und geteilte Deutschland. Der Westen Deutschlands buhlt dabei genauso um den Literaturnobelpreisträger wie die Sowjetzone. Thomas Mann (gespielt von Hanns Zischler) sieht sich selbst als Relikt eines vergangenen Bildungsbürgertums und verlässt trotz dieser Reflektion mit seiner Goethe-Rede in Weimar den Elfenbeinturm der deutschen Hochkultur nicht. Als gäbe es Deutschland gar nicht mehr, wenn er auch das noch preisgeben würde. Selbst als Sohn Klaus stirbt, setzt er seine Reise unbeirrt fort. Seine Tochter Erika ist hingegen nah an der Wirklichkeit und nah an ihren Gefühlen – Tränen, Schreie und eine überfällige Ohrfeige inklusive.Interessiert uns Thomas Mann noch, oder geht es eigentlich darum, wie sich zwei verschiedene Ideologien ein Land aufteilen und versuchen die gleiche Kultur ganz unterschiedlich in Besitz zu nehmen? Geht es nicht nur um die Trauer um einen Bruder und Sohn sondern auch mitten in den Ruinen um die Trauer, was Deutschland hätte sein können? Darüber, über berührende Momente, über Gründgens und Bach sprechen wir direkt nach dem Kino im Podcast. Und als SandaHüllerUltras natürlich auch über Sandra Hüller. Am Mikrofon: Katharina, Bettina, Johanna, Anke, Marc und Thomas.

Achtung, diesmal SPOILERN wir, sowohl hier im Text als auch im Podcast. Nach dem Trailer hatte ich etwas anderes erwartet: einen postapokalyptischen Actionthriller, düster und niederschmetternd, weil einem Protagonisten ans Herz wachsen, die dann nach und nach sterben. So sind die Genre-Vorgaben.Es geht erst einmal langsam los, wir begleiten den Piloten Hig (Jacob Elordi) auf seinen Streifzügen durch das fast menschenleere Denver. Es fühlt sich lange Zeit an, wie eine realistische und ruhige Version von THE OMEGA MAN (I Am Legend) und dann wie A BOY AND HIS DOG. Aber irgendwann trifft Hig auf Cima, eine junge Frau (Margaret Qualley). Beide haben in der pandemischen Apokalypse ihre Partner verloren und nähern sich ganz langsam an.Auch wenn zwischendurch marodierende Banden für Lebensgefahr und Spannung sorgen, kann das nicht darüber hinwegtäuschen, dass es sich hier um eine postapokalyptische Version von JENSEITS VON AFRIKA handelt. Es geht um Hig und Cima und die respektvolle und anständige Art, wie diese beiden Menschen in einer gesetzlosen Welt nach dem Ende der Zivilisation miteinander umgehen. Es geht um die Frage, ob man gut sein und bleiben kann in einer bösen, gescheiterten Welt.Ridley Scott wählt dafür zurecht eine ruhige Erzählweise und dreht wunderbare Bilder fast komplett in einer Natur, von der wir erkennen, dass sie bleiben wird, wenn wir längst verschwunden sein werden – durch eine Pandemie oder was auch immer. Im Podcast direkt nach dem Kino sind wir ganz unterschiedlicher Meinung und diskutieren zu siebt über Pacing und Musik, über ein absurdes Zwischenspiel, über Higs Hund und ein Happy End unter Sternen. Am Mikrofon: Johanna, Anke, Gabriele, Heidi, Marc, Tom und Thomas.