Música y significado

Pues, queridas y queridos::: llegó el Destino inexorable llamando a nuestra puerta, y nuestras vidas se bifurcan dramáticamente... Pero nuestra existencia no habrá sido en vano: hoy nos regocijamos en las memorias que se produjeron durante estas ¡¡15 temporadas!!, y repasamos los 12 programas más descargados de nuestra prolongada historia. No os digo aquí cuáles fueron, pero tal vez la imagen os dé unas buenas pistas... Miles, millones o trillones de gracias por vuestra amistad, apoyo, cariño... y por vuestras orientaciones, que nos han hecho crecer en conocimiento, y han causado que "Música y Significado" sea un exitazo planetario en lengua castellana. Ha sido un logro vuestro, y habla muuucho de la calidad de vuestras almas. Hasta siempre, queridas y queridos. Seguiremos comunicándonos en las redes y seguiremos unidos en la cercanía de los pódcasts. Abrazo grande para todos-as,,,Escuchar audio

En Moscú, en aquel terrible año de 1944, cuando parecía acabar la pesadilla nazi, pero se reforzaba la pesadilla de Stalin (había mandado asesinar al dramaturgo Meyerhold y a su esposa la actriz Zinaida Reich, por "occidentalistas burgueses")... Sergei Prokofiev compone “una sinfonía de la grandeza del espíritu humano... un himno para un hombre libre y feliz, himno a sus maravillosos poderes y a su puro y noble espíritu".Es su famosa Quinta Sinfonía, con un primer movimiento engrandecedor, un segundo movimiento sarcástico y motórico, un tercer movimiento que se quita la máscara histriónica y muestra gritos de dolor, y un cuarto movimiento giocoso (juguetón) con un final que evita la grandiosidad romántica y muestra al homo ludens, con un runrún de engranajes, como la idea que tenía Stalin de sus súbditos: dientes de su maquinaria estatal.Prokofiev hace valer su poderoso talento melódico: “Amo la melodía. La considero como lo más importante en música, y durante años he estado trabajando por mejorar su calidad en mis obras. La fuerza y la vitalidad de todo lo creado por los grandes maestros de la música descansa en el hecho de que el público siempre ha podido entender sus obras. Estos compositores no se encierran en el interior de sus talleres, sino que van de la mano con la gente. Ahí está lo avanzado, el principio democrático en el mundo de la música clásica” (declaraciones al Musical Times, agosto de 1948). Escuchar audio

Chopin está muy de actualidad, a juzgar por su presencia en Internet. Y tiene la rara virtud de producir belleza en la tristeza, una belleza sanadora, o sensibilizadora. Quizá de ahí su aceptación entre esos cientos de millones de personas actuales. Chopin es música muuuy contemporánea, queridas y queridos. Nos acercamos al Nocturno nº 20, que pasa a la historia porque salvó la vida a dos pianistas judío-polacos en 1944: Vladislav Spilzman (el pianista del Gueto de Varsovia) y Natalia Karp (en el campo de Plaszow, frente al mismo nazi sanguinario, Amon Goeth, de La lista de Schindler). Chopin puede cambiar corazones demoníacos, aun ocasionalmente, y salvar vidas... La melancolía de Chopin no se explica por sus enfermedades, ni por sus seres queridos fallecidos, ni por su exilio: Chopin parece que nació exiliado de este mundo, y no necesitaba tristezas "terrenales" para componer con esa conmoción. Escuchamos el Lento de la Sonata para Violonchelo, que es, de facto, un nocturno. También Chopin podía crear temas que eran "hermanos secretos" de otros temas, como quien escribe una novela sobre dobles: el Nocturno en Sol menor (según él mismo inspirado por el Hamlet de Shakespeare) y el Nocturno en Fa menor. Y compensamos la nebulosa nocturna con un par de Estudios exuberantes, y con ese prodigio para piano y orquesta que escribió con 18-19 años, en 1829: el Rondó a la Krakoviak, con atmósfera matinal, nocturna, canciones polacas, poderoso sentido dramático, etc. "El espíritu de la música ha pasado por la tierra", sentenció su admirador Robert Schumann cuando Chopin murió en 1849...  Escuchar audio

En el verano de 1819 Franz Schubert, con 22 años, pasaba unas semanas en la preciosa ciudad de Steyr (Alta Austria), donde se juntan los ríos Steyr y Enns.  Allí, recién "liberado" de su atosigador trabajo como maestro en la Saülengasse, rodeado de sus amigos Paumgartner y los Schellmann (especialmente las ocho hijas de Schellmann), y bendecido por los sonidos o las sensaciones de aquellos paisajes, Schubert compuso su Quinteto en La mayor "La trucha", en cinco movimientos:1) Comienza contemplativo, sigue con un tema sentimental y después un tema lúdico, "scherzante", todo en el típico esquema de Exposición-Desarrollo-Reexposición.2) Un Tema A como una canción amorosa inocente, un Tema B doloroso, y un Tema C como un galop infantil. Forma binaria.3) Un Scherzo muuuy vigoroso, con una sección central sosegada.4) El famoso, que sale en anuncios de mieles ricas. Son cinco variaciones sobre la canción "La trucha" (1817) que cuenta que una trucha inocente muerde un anzuelo de la misma manera que una muchacha ingenua cae en las garras de un astuto seductor...5) Es casi un rondó-sonata: Tema A como canción lúdica, Tema B como un dúo eufórico rossiniano, y otra vez el Tema A variado, en continuas alternancias.Incitación al optimismo existencial, queridas y queridos, al gozo de la ingenuidad consciente: "Schubert es un niño que juega despreocupadamente entre gigantes" (Robert Schumann),,,Escuchar audio

Terminamos esta inmortal sinfonía (versión de 1881), que también fue apodada "una sinfonía del bosque": el bosque como "catedral de montañas y árboles", donde se recibían epifanías. El tercer movimiento es un Scherzo, según Bruckner mismo representando a los míticos cazadores germanos, con sus épicas monterías y con una especie de danza mística en la sección central. Y el cuarto movimiento nos sitúa en "el terror del bosque", que empieza con el viento, el ocaso, y un tema que porta la figura del diapasón, generalmente referida a la imponente majestad del Todopoderoso. Un tema segundo parece evocar (según Kretzschmar) "los encantos de la niñez". Y todo parece dirigirse a uno de esos Resurrexit galácticos con que culminan casi todas las sinfonías de Bruckner. En Bruckner encontramos (como decía Eugenio Trías) "el Gran Relato", la historia prototípica del género humano y su hábitat eterno, y especialmente una extraña certidumbre y un "asombro antiguo" (parafraseando a Borges)...Escuchar audio

Ampliamos en dos programas nuestro análisis de la inmortal, súper-épica, Cuarta Sinfonía de Anton Bruckner (versión de 1881).  Bruckner realmente inventó una nueva perspectiva sonora en el mundo de la sinfonía: es lo que Byung-Chul Han llamaría "el demorar contemplativo", y Eugenio Trías (sobre Bruckner mismo) denominó "espacio extraordinariamente ampliado [...] tiempo empujado hasta sus más remotos confines [...] hacia celestiales longitudes"... El inicio de esta Sinfonía es legendario: la trompa anuncia la llegada del amanecer (según Bruckner mismo), uno de los amaneceres más gloriosos de todos los tiempos, y le sigue un tema heroico, como de un John Williams espiritualizado o decimonónico. Hay un Tema B en este primer movimiento, que él llamó "murmullos del bosque, la canción del pájaro carbonero". Y tras la Exposición se despliega un Desarrollo cósmico, que parece celebrar un renacimiento desde las cenizas hasta el lento estallido de la vida. La Reexposición confirmará esta magnificación de la existencia, como un Resurrexit. Hermann Kretzschmar dijo que era "una sinfonía del bosque", con el bosque "consolador en tiempos de tribulación". Esto se cumple en el segundo movimiento, que tiene algo de marcha fúnebre en la inmensidad nocturna del bosque, tiene una "serenata" (según Bruckner mismo") y una plegaria.  La próxima semana completamos esta memorable Cuarta Sinfonía. En Bruckner siempre encontraremos certidumbre, quietud, y serenidad majestuosa, junto con ese "aroma del tiempo" que vindica Byung-Chul Han y que nos redime del "burnout". Felices grandezas contemplativas, queridas y queridos,,,Escuchar audio

En 1915, con 36 años, el alma de Ottorino Respighi habita las calles de Roma con sus leyendas y sus resonancias eternas. Unos meses después pierde a su madre, y las fuentes de Roma parece que otorgan un misterioso sentido a su existencia: el agua como renovación, como susurro de eternidad, como eco de grandeza. También esos días comienza su relación con Elsa, su joven alumna de Composición que más tarde llegará a ser su esposa.  Respighi compone sus Fuentes de Roma dando vida a aquellas esculturas, y combinándolas con los colores de la luz a diferentes horas del día: la Fuente del Valle Giulia al amanecer (con "manadas de ganado" y "la bruma fresca"); la Fuente del Tritón en la mañana (como "un repentino y fuerte estallido", "una llamada jubilosa" ); la impresionante Fontana de Trevi al mediodía (con "la superficie radiante del agua", el "carro de Neptuno con su séquito", y toques de trompeta); la Fuente de Villa Medici (en "la hora nostálgica del atardecer"). Completamos estas visiones con otras fuentes mágicas: La Fontana dell'Acqua Paola de Charles Griffes; las Fuentes de Versalles de Michel Delalande; Al borde de una fuente de Franz Liszt. Felices fuentes existenciales, queridas y queridos, y felices personas/fuente: por eso acabamos con "Eres tú como el agua de mi fuente", de Juan Carlos Calderón/Pedro Villarroig, en versión de Voces para la Paz.Escuchar audio

Se le ha achacado a Bach escribir música sublime sobre textos demasiado ingenuos, o incluso demasiado sentimentales. El Evangelio de Mateo es un texto sobrio, pero los textos poéticos de Picander tienen rasgos de Pietismo: religiosidad "doméstica", misticismo muy emocional. Bach no era pietista, pero deseaba llegar a toda la gente, y prefirió esos textos que dieran a su Pasión un rasgo de cercanía con aquellas gentes de Leipzig en 1727. La Segunda Parte de esta Pasión tiene ocho escenas, de la 9 a la 16.  Escena 9: Jesús ante Caifás. Bach representa el silencio de Jesús, la paciencia por medio de un tema de viola de gamba, y la ofensa de las "lenguas injuriosas". Escena 10: Jesús es condenado. Bach retrata la crueldad de las turbas, sus burlas, el coral que se lamenta de aquellos golpes... Escena 11: La negación de Pedro. El momento en que el fiel Pedro, confuso, dice que no conoce a su Amigo y Maestro. Su alma "niña" canta aquella inolvidable aria, Erbarme dich. Escena 12: El suicidio de Judas. El aria del bajo clamando "Devolvedme a Jesús". Escena 13: Jesús ante Pilato. El "Coral de la Pasión". Pilato se entrega a Jesús. El descomunal grito de las turbas: "¡¡Barrabam!!". Y su frenesí diabólico con el motivo de la Cruz: "¡¡Sea crucificado!!". Expresionismo barroco. El aria casi incorpórea de la soprano con la flauta, que (según Daniel Vega) representa "el desamparo". Los latigazos y el "motivo de la flagelación" en recitativo y aria. Escena 14: Jesús es crucificado. La viola de gamba representa el paso tropezado y tembloroso de Jesús hacia el Calvario. Las burlas de las turbas contra el Crucificado. Escena 15: Muerte de Jesús. Las tinieblas en la hora novena. El grito de Jesús: "¡Elí, Elí, ¿lama sabactani?". Jesús entrega su espíritu. El "Coral de la Pasión" silencioso y misterioso. El terremoto. Las gentes al pie de la cruz: "Éste verdaderamente era el Hijo de Dios". Escena 16: El entierro de Jesús. El coro desea descanso al Hijo de Dios, y finalmente canta el sobrecogedor número final: "Nos postramos y decimos ¡Alcanza la paz!". Está en Do menor, y Daniel Vega nos recuerda que Do menor simboliza el sueño, porque Su muerte es un sueño del que despertará triunfante. El profesor Vega también nos desentraña cuándo Bach se introduce como personaje en la escena: es al pie de la Cruz, su voz es la del bajo que hace 14 notas, el número/firma de B-A-C-H (2+1+3+8 = 14): "Yo también testifico que Jesús es el Hijo de Dios".Escuchar audio

Bach transforma la música sobre Jesús de Nazaret, el Hijo de Dios. Antes de Bach, las representaciones musicales de Jesucristo eran más místicas, abstractas, filosóficas, e incluso encantadoramente etéreas, de un Dios intangible, o casi aristotélico. Pero Bach, en su Pasión según San Mateo, inicia una cercanía dramáticamente humana hacia Jesús. Bach es como un personaje más (muy apasionado) junto a su Maestro, y lo expresa de manera extrema: desde las turbulencias pre-románticas hasta la paz casi sobrehumana. Revisitamos la obra cumbre de Johann Sebastian Bach, y ampliamos nuestro análisis a lo largo de dos programas. Hoy damos la Primera Parte, es decir, las escenas 1-8. Empieza con un prólogo en que se agitan las "hijas de Sión" en estrépito de confusión, en aquella Jerusalén nocturna, y que contiene todas las premoniciones siniestras del relato. Después, la música narra toda aquella historia inolvidable: Jesús anuncia su muerte a los 12 apóstoles; los sacerdotes planean su captura; Judas se ofrece para entregar a Jesús; se reúnen esa noche para la Santa Cena, con la voz emotiva de Jesús; se describe el núcleo central de la Expiación de Jesucristo, casi como un Dios solitario en el Universo, en Getsemaní (el Jardín de los Olivos); llega Judas con los alguaciles y los sacerdotes, y capturan a Jesús. Bach, en 1727, utiliza el Evangelio de Mateo (según la traducción de Lutero) y encarga al poeta aficionado Picander que cree textos poéticos o reflexivos sobre cada escena. El relato de Mateo lo canta un tenor agudo, y los textos poéticos forman las arias, los coros añadidos, los dúos con que Bach compone este colosal oratorio. Al final de casi cada escena, Bach sitúa un coral tradicional, representando a la congregación, a los fieles, que actúan como comentario íntimamente afectado. Pero la música de Bach tiene la rara virtud de emitir belleza, la belleza como fuerza consoladora, como gran esperanza hacia dimensiones que es imposible verbalizar. Bach narra lo que para él es la mayor tragedia de la Humanidad con una grandeza que parece bendecir las vidas de los que escuchamos.Escuchar audio

Revisitamos una de las músicas más luminosas de Robert Schumann (con el refuerzo orquestal de Gustav Mahler). La Sinfonía "Primavera" la compuso en 1841, unos meses después de su matrimonio con Clara.  Él mismo escribió sobre esta Sinfonía: “Escribí la Sinfonía en esas acometidas de la primavera que transportan a un hombre [...] y lo renuevan cada año". Por eso es una música de renovación y de transformación: la fanfarria del comienzo ("una llamada al despertar") se transforma en el Tema A, un tema de jovialidad primaveral. También Schumann evoca un "tema-Clara" (La-Sol-Fa-Mi-Re), que ella había compuesto con 14 años en su Nocturno op. 6:2. Y también evoca sus famosas "papillons", las mariposas que simbolizan la transformación hacia la luz. Repasamos todo eso, queridas y queridos, con el segundo movimiento ensoñador; el tercero, un Scherzo que él tituló "Felices compañeros de juegos"; y el cuarto, en que parece que homenajea la Canzonetta de Mendelssohn (su amigo que dirigió el estreno), pero con un tema que ya había utilizado en su Kreisleriana, y que al parecer es una canción popular que decía "Tanto tiempo he estado lejos de ti". Es quizá un resumen de la lucha de aquellos jóvenes, Clara y Robert, por hacer triunfar su legendaria historia de amor. Clara misma anotó que Robert se basó en un poema de Böttger: "Oh, vuélvete, vuélvete y cambia tu camino; en el valle, la primavera ya florece". De nuevo la música de la transformación y la victoria luminosa de aquel amor indestructible. Acabamos con una bellísima obra contemporánea: la Sonata en Fa Mayor (2026) del joven pianista y compositor Daniel Villarroya, con una gran dosis de "transformación romántica" y de cierto lejano "esplendor primaveral" también. Felices primaveras mágicas y renovadoras, queridas y queridos,,,Escuchar audio