Dessine-moi un corps

Dans les années 70, la comète Francesca Woodman est l’une des photographes américaines  les plus prolifiques de sa génération. Née en 1958, elle  grandit dans un environnement artistique, ses parents étant déjà reconnus. Le père est peintre, photographe et professeur, la mère est céramiste. Le grand frère, lui, est vidéaste. Très tôt, la jeune fille pense que la valeur de la vie, « sa vie » réside dans la création artistique et elle s’y jette à corps perdus alors toute jeune ado dès l’âge de 13 ans. Son travail est marqué par l’exploration du corps comme espace de découverte, c’est à la fois son sujet principal, son outil de travail et le territoire d’une exploration intime de son identité. Sa production visuelle est tout aussi impressionnante que précoce et comprends environ 800 clichés, composé surtout d’auto-portraits et des nus. TW : sa carrière s’achève brutalement lorsqu’elle se suicide par défenestration à l’âge de 23 ans. Francesca Woodman est de ces artistes femmes que l’on n’oublie pas, une étoile fulgurante qui marque durablement le paysage de la photographie d’hier et d’aujourd’hui. Comment, si jeune et en moins de dix ans, Francesca Woodman a-t-elle pu créer une œuvre qui transcende son époque, et continue de faire échos à nos propres fragilités que l’on soit artistes ou non ?J’ai souhaité lui rendre hommage. C’est parti pour un nouvel épisode spécial vision, du corps, très bonne écoute et bonne rentrée à tous.tes ! Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.

Si je vous dis Vénus ? Plein d’images vous viennent en tête et pour cause, c’est l’archétype de l’idéal féminin, du canon universel que l’on retrouve absolument partout dans notre société de consommation qui boulotte des images en continu. Moi bien sûr, c’est en histoire de l’art que son image m’intéresse. 
Modèle féminin, symbole d’amour, de fertilité… les symboliques sont nombreuses. Les artistes se sont engouffrés dans cette iconographie foisonnante à travers les siècles depuis la découverte de la vénus de Willendorf en Allemagne jusqu’au fameux déhanchement de Marylin Monroe, la perpétuant ainsi d’années en années, ; d’autres au contraire cherchent à la contourner, dénonçant même ce mâle gaze onmi-présent. Certains historiens d’art ont planché sur ce sujet, je pense notamment à la podcasteuse Julie Beauzac du podcast Vénus s’épilait-elle la chatte ? qui en a fait son cheval de bataille. Je vous recommande d’ailleurs vivement d’écouter son contenu. 
Certains historiens comme la chercheuse brésilienne Raisa Inocêncio dénonçent le fait même que la symbolique de Vénus serait conçue selon l’imaginaire masculin comme une figure fatale, sur-érotique servant aussi à marginaliser les femmes et les inférioriser. 
En revanche, tous s’accordent sur le fait que Vénus-Aphrodite est sans conteste la divinité la plus connue du panthéon gréco-romain. De sa naissance dans la blancheur de l’écume à son triomphe et son culte "vénusiaque", cet épisode va tenter de révéler et approfondir le plus possible les significations des variations esthétiques de la représentation de la déesse au fil du temps et des siècles. Et oui Vénus n’est pas uniquement une célèbre marque de rasoir rose pour femme, elle est tant d’autres choses et je n’aurai malheureusement pas assez d’un épisode pour tout vous montrer mais let’s go. C’est parti pour un nouvel épisode ! Bonne écoute. 
écoute ! 
Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/
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Quand on regarde l’art de Mire Lee, on ressent un milliard de choses. Du dégoût, de l’incompréhension face à ce que l’on voit (est-ce de l’art ? Qu’est-ce que je regarde ?), une peur de l’inconnu ? Mais surtout, on ressent une vraie curiosité. Comment ça marche ? De quoi s’est fait ? A quoi cette oeuvre fait-elle référence ?Le corps est omniprésent dans son travail et cela se voit tout de suite. Ses installations abstraites l’évoquent dans son amalgame de forme et de matière : des masses corporelles béantes ou percées, fuyantes ou tordues, d’énormes tuyaux ressemblant à des tubes digestifs à peine capables de se maintenir ensemble.Finalement c’est assez frappant et j’en ai déjà parlé dans un épisode précédent mais nous, les êtres humains sommes constamment entouré de fluides, la sueur, les larmes, la salive, le sang, la merde. Nous sommes composés de tous ces fluides et le travail de Mire Lee s’en inspire profondément. Ayant grandi en Corée du Sud avec un père artiste et une mère qui enseignait l’art au niveau secondaire, Lee a passé la majeure partie de sa vie à Séoul et a étudié à l’université nationale des beaux-arts de Séoul, où elle a obtenu un master en sculpture. En 2018, elle a déménagé son studio à Amsterdam, après avoir été acceptée dans la résidence de la Rijksakademie, et elle vit et travaille maintenant entre Berlin et Amsterdam. J’ai vraiment voulu vous proposer une incursion dans son univers car même si je n’ai pas la prétention d’avoir fait le tour des artistes contemporains qui traitent du corps tellement il y en a ; Mire Lee par toutes ses facettes m’a profondément déroutée et j’espère qu’elle vous déroutera tout autant que moi à l’écoute de cet épisode. C’est parti pour une vision du corps très spéciale, épisode n°… bonne écoute ! Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.

J’ai rencontré Arthur dans le cadre de mon travail et bon je dois dire qu’il m’a plu tout de suite. En tant que personne déjà puis à travers la générosité de son travail et de son art. Arthur Gillet est un enfant des années 80, il vit et travaille en région parisienne plus précisément à Bagnolet où il a son atelier. Diplômé de l’École des beaux-arts de Rennes, il se forme aux arts plastiques et parallèlement à la danse contemporaine au Musée de la danse. Il grandit en transition de genre, dans une famille de sourds et malentendants. Dans ses travaux, Arthur approfondit les thématiques du désir, de la construction de l’identité mais aussi de la lutte sociale et des médias ; par sa pratique assidue de la performance et du happening, il investit beaucoup les espaces publics ou institutionnels comme le Palais de Tokyo, CAC de Brétigny, Proxyco à New York et bien d’autres encore car la liste ne cesse de s’allonger… Arthur c’est un personnage et il me tarde de vous faire découvrir sa vision du corps. Allez c’est parti, bon épisode !Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.

Les représentations de l’hermaphrodisme, de l’intersexuation et de l’androgynie en art (qui sont des termes radicalement différents ne l’oublions pas) sont nombreuses et plurielles. L’un des plus anciens cas mentionnés serait la sculpture antique de l’Hermaphrodite endormi conservée au musée du Louvre au département des sculptures. Sa redécouverte au XVIIe siècle ainsi que la prise en compte de l’existence des personnes intersexes par la science au XVIIIe siècle ont fait des hermaphrodites le symbole du « beau idéal » pour l’historien de l’art Johann Winckelmann. L’androgynie, constituante de l’esthétique de l’idéal antique puis du néo‑classique du XIXe siècle, ressurgit, par le biais du travestissement chez les artistes du début du XXe siècle comme Marcel Duchamp ou Claude Cahun dont je reparlerais plus tard au cours de cet épisode. Pour m’accompagner avec moi, aujourd’hui, une invitée de renom que je suis très fière d’avoir à mon micro, Natacha Aprile, docteur en histoire de l’art moderne. Elle va nous parler de son passionnant sujet de thèse « Troublante Christine : réseaux, genre et imagerie de Christine de Suède du XVIIe siècle à nos jours » soutenu à l’EHESS et à Sorbonne Université. Bref on a bien papoté, on a parlé de Piche, de l'homoérotisme chez Caravage, de la chanteuse Dorian Electra… Je vous suggère de vous prendre une petite tasse de thé où de cappuccino au choix et mettez-vous confortablement. Merci encore Natacha pour ta douceur et ton savoir. Je vous souhaite une très bonne écoute ! Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.

Longtemps considéré comme trop niche malgré son importance historique artistique, le travail d'Annegret Soltau est maintenant considéré comme l’une des positions les plus importantes dans la photographie féministe et l’art corporel. Au cours de plus de cinq décennies et face à une forte opposition, le langage visuel indépendant et radicalement féministe de cette artiste l’a établie comme une voix indispensable dans l’art contemporain.Les thèmes centraux du travail de Soltau incluent le féminisme, la politique corporelle et le défi de l’identité humaine et féminine. À cette fin, elle a développé ses propres techniques innovantes qui transcendent les frontières de la photographie—la photo-couture, le photo-repiquage et la photo-gravure et c’est précisément de cela dont nous allons abondamment parler dans cet épisode. Dans ses autoportraits, Soltau interroge les modèles féminins et met en lumière les normes sociales en visualisant des mondes émotionnels complexes, des conflits intérieurs et des états émotionnels. Depuis la fin des années 1970, elle se consacre à une exploration artistique de la grossesse et de la maternité—thèmes qui ont été sous-représentés dans l’art pendant des siècles et n’ont commencé que récemment à recevoir une attention croissante dans la société et le monde de l’art. Son travail est aussi une expression poignante du vieillissement du corps féminin et des questions de mortalité bref que des questions qui m’animent et qu’il me plaît de partager avec vous. Son travail a fait l’objet à plusieurs reprises d’une censure publique ; ses représentations s’écartent des conventions esthétiques établies et sont perçues comme provocatrices. Je pense que j’ai assez teasé à présent, c’est parti pour une incursion à travers le travail corps à corps d’Annegret Soltau. Bonne écoute !Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.

Se pencher sur la représentation du petit enfant dans l’art au fil des siècles, ce n’est pas seulement regarder l’histoire de l’art, c’est également interroger le statut de l’enfant dans la société en Occident et ailleurs. Quelle est sa place, son importance, ses droits. La représentation de l’enfant dans la peinture n’a jamais été une évidence puisqu’il n’y avait à l’origine que très peu de portraits d’enfants ordinaires. La manière dont ils sont dépeints traduit souvent des questionnements plus larges, d'ordre religieux ou politiques. Dans l’Antiquité égyptienne ou gréco-romaine même si l’on retrouve des bas reliefs représentants des jeunes enfants jouants où des scènes de tendresse avec leurs parents, la réalité était quelque peu différente. Les hommes de la famille s’octroyaient le droit de décider de leur vie ou de leur mort. L’épisode du massacre des Innocents relaté dans l'Évangile selon Matthieu en même temps que la fuite en Égypte en est un exemple criant : le meurtre de tous les enfants de moins de deux ans sur l’ordre du roi Hérode jaloux qu’on lui prenne sa place de monarque. A Rome, le pater familias, jusqu’à sa mort, a légalement un droit de vie et de mort sur ses enfants, nouveau-nés ou adultes. Cette vision rétrograde va évoluer doucement les siècles avançant.S’il y a toujours assez peu de représentations d’enfants dans la peinture du Moyen Âge, cela s’explique notamment parce que l’infans était dans la société assez mal considéré, privé du droit à la parole. Seul l’enfant Jésus faisait l’objet d’une admiration unanime, et pourtant, dans les multiples Vierge à l’Enfant qui existent, son corps ne ressemble pas à celui d’un nouveau-né. C’était d’ailleurs un sujet de fou rire sérieux avec ma bande de copines à la fac de voir tous ces bébés extrêmement laids presque des êtres surnaturels mi adulte mi enfant. On en rigole mais cela s’explique d’une part par le fait que l’enfant Jésus est moins un enfant qu’un être miraculeux et d’autre part par l’interprétation religieuse à laquelle les peintres sont soumis selon le pays où ils vivent. Ainsi, alors que les Italiens veulent que l’on devine Dieu dans l’enfant Jésus, les Flamands, eux, assument cette incarnation. Les bébés italiens ne ressemblent donc pas aux bébés flamands. Dans le même esprit, les peintres de la Renaissance européenne, dès le XIVe siècle, affirment nettement la dimension sexuelle du Christ dans les représentations. Un tournant décisif s’opère au XVIe siècle, puisque les peintres s’intéressent alors aux enfants ordinaires, et non plus seulement à Jésus, et lui offrent la première place en faisant leurs portraits. Il y eut même l’apparition de véritables stars  du portrait, tel Philippe le Beau qui fut l’un des plus représenté ou alors la jeune princesse Margaret des Ménines peinte par Vélasquez. Mais quand est-ce que l’enfant a commencé à être représenté pour ce qu’il est, et non pour ce qu’il allait devenir ? En quoi est-ce plus difficile de peindre un enfant qu’un adulte ? Est-ce qu’il ne symboliserait pas la plupart du temps l’idée de l'innocence perdue ? Peint-on le corps d’un enfant comme celui d’un adulte ? Quels sont les codes ? C’est parti pour ce premier épisode de cette année 2026. Bonne écoute ! Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.

Avez-vous entendu parler de Clément Courgeon ? Il y a quelques semaines, je ne connaissais pas son nom ni n’en avait même jamais entendu parler. C’est un vrai drame car en me penchant davantage sur son travail, j’ai découvert qu’il travaillait sur ce qui me passionne à savoir les domaines de la performance et du corps. C’est parti pour une plongée dans l’univers de Clément, je vous assure que vous me remercierez. Reprenons depuis le début début. Clément est diplômé des Beaux-Arts de Paris, avec les félicitations du jury s’il vous plaît. Il vit et travaille à Pantin. Je vous la fais courte mais il a un sacré parcours : En 2022, il expose à l’occasion de la 72e édition de Jeune Création et remporte les prix de la Cabane Georgina, de la Villa Noailles et celui d’art-exprim. Il remportera également la même année le Prix Multimédia de la Fondation de France. En 2021, les Beaux-Arts de Nantes accueillait son exposition personnelle ba c’çasbot du goliard. Clément Courgeon a également effectué une résidence en 2022 à l’Institut Français de Vilnius en Lituanie et a performé pour de nombreux artistes tel que Felix Gonzalez-Torres, à la Bourse du Commerce en 2022 également.Clément Courgeon a présenté son travail lors de nombreuses expositions collectives au CNEAI, à POUSH, à la Siegfried Contemporary de Londres, à la Villa Belleville ou encore notamment à La Galerie, Centre d’art contemporain de Noisy-Le-Sec.Bref c’est pas n’importe qui Clément Courgeon. Et son travail dans tout ça ?  Ça parle de quoi ?Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.

Comment comprendre qu’une appréciation esthétique soit possible dans une collection anatomique ? Comment au milieu des tumeurs en bocal, des os, des moulages de cires anatomiques ou des naturalisations peut-on trouver un réel intérêt pour ces objets à tel point même que certains artistes s’en inspirent et que l’art se mêle petit à petit à la médecine ?On ne peut nier la tradition artistique de représentation des blessures et des maladies à commencer par le nombre colossal d’oeuvres d’art chrétiennes et les reliques qui sont conservées encore aujourd’hui. On ne part pas de rien et les premières collections médicales partent de ce postulat. Qualifiés de musées des horreurs, nombreux sont les musées de collections anatomiques en Europe et en France. On pense notamment à la collection Dupuytren fermée depuis 2016, véritable musée des maladies située dans le quartier latin à Paris renfermant des merveilles pour tout scientifique ou médecin en quête de pathologies les plus uniques. La pulsion scopique morbide continue notamment au musée d’anatomie de Montpellier extrêmement connu pour ses quelques 5600 pièces composées de squelettes, momies et moulages de cire, véritable joyau médical fait pour faire avancer la science. Le lieu qui m’intéresse le plus et c’est celui sur lequel je vais sans doute plus développer dans cet épisode est le musée Fragonard situé au cœur de l’École nationale vétérinaire de Maisons-Alfort, en banlieue parisienne, l’un des plus anciens musées de France. Ce dernier présente notamment une collection d’écorchés, sortes de momies humaines et animales étonnantes sur laquelle bon nombre d’histoires circulent. J’avais déjà réalisé un épisode sorti en juin 2022 baptisé Cadavre pas si exquis ! J’évoquais le rapport à la mort, l’esthétique de la mort et de la maladie en histoire de l’art mais ici c’est véritablement l’aspect anatomique qu’il me plaît davantage de décortiquer. Ce qui se passe VRAIMENT à l’intérieur et comment les artistes l’ont perçu depuis la Renaissance et se le sont appropriés jusqu’à l’ère contemporaine. C’est parti pour un nouvel épisode qui sera je l’espère anatomiquement agréable ! Bonne écoute.Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1 Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.

Coucou les ami.es, je suis de retour. Ça faisait longtemps quand même. J’espère que vous ne m’avez pas oublié. Depuis mon aventure Fridesque, la motivation, le travail qui s’accumule, la pause estivale aussi et juste… la vie m’ont complètement happée. En cette rentrée, je me suis dis qu’il était de bon ton de mettre à plat toutes mes idées car elles sont revenues à balle et de recommencer. Et on va parler photo ! Photo arlésiennes s’il vous plaît. Les Rencontres haut lieu de la photographie chaque été à Arles ont célébré cette année la diversité des cultures, des genres et des origines autour du sacre de l’année francobrésilienne 2025. La dynamique des liens familiaux et amicaux est également explorée sous le prisme culturel, politique et social.La thématique des pères absents avec les expositions de Diana Markosian et Camille Lévêque sont les deux expositions qui m’ont le plus marqué et dont j’ai décidé de vous parler aujourd’hui à travers un épisode un peu décousu mais un peu coup de coeur aussi : à savoir la quête d’un père absent, et la façon de s’en acquitter par le biais de l’image photographique. C’est la première fois que j’arrive à assister aux rencontres et encore je n’ai malheureusement pas eu le temps de tout faire faute de temps sur place.. Autant vous dire que j’étais ravie car ce sont des thématiques qui me parlent beaucoup. Présentée aux Rencontres de la photographie à Arles (espace Monoprix), l’exposition, délicate et habitée, de Diana Markosian, Father, se distingue ( à mon sens) dans la pluralité des propositions artistiques estivales, en suggérant combien la photographie documente l’absence des corps, le vide de ces corps et le silence laissé par ces corps. Je parlerais un peu plus tard dans cet épisode de Nan Goldin ma chouchoute ou encore  Letuzua Bataglia qui m’ont aussi marqué à leur façon. Allez c’est parti, je vous laisse avec cet épisode un peu fouillis mais sincère, bonne écoute ! Écriture et réalisation : Maurine Roy. Illustration : Lucie C. Musique intro : Icons by @icons_8 https://icons8.com/music/track/corporate-intro--1Musique interludes : https://pixabay.com/music/upbeat-whispers-of-september-acoustic-background-music-for-video-29-second-391375/Toutes les œuvres d’art et bibliographiques sont à retrouver sur la page fb du podcast et Instagram @dessinemoipodcast Tous droits réservés.