La música en el teatro

El musical es una producción en la que se integran en una trama emocional canciones y bailes, acompañamientos instrumentales e interludios y, a menudo, también danzas. Este género renació como se conoce hoy en día en la Europa del siglo XIX como una variante de la opereta, aunque en los diferentes países existía teatro musical con diferentes estilos: zarzuela, género chico y comedia musical en España, ópera cómica y música hall en Inglaterra u operette en Francia. Mucho después, durante la primera mitad del siglo XX, se desarrolló en Estados Unidos, país donde ha registrado el máximo desarrollo. se puede decir que el musical nació el 12 de septiembre de 1866, el día en el que en Estados Unidos se pone en escena por primera vez una ópera (The Black Crook), que surge de la unión entre una compañía de danza y baile europea con una compañía de teatro. El musical en el teatro: Adquiere su forma definitiva en la década de los años veinte, con una acción muy rápida y con canciones y otros números  musicales perfectamente integrados en la trama.Décadas de 1930 y 1940: fueron las mejores para el género, con obras de George Gershwin o Kurt Weil, Década de 1950: destacan musicales como My fair lady. Décadas de 1960 y 1970: Grease, Jesucristo Superstar o Chicago. Desde 1980 hasta nuestros días: Los Miserables, Fama o Mamma Mia.El musical en el cine: La comedia musical cinematográfica es un género cinematográfico específico que presenta dos rasgos fundamentales en relación con la música que utiliza: Invierte los términos entre música e imagen. Procede, en casi todos los casos, del teatro. ...

El teatro del siglo XX ha tenido una gran diversidad de estilos, evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual del teatro y no solo el literario. Se avanza en la técnica interpretativa, con mayor profundización psicológica (método Stanislavski, Actors Studio de Lee Strasberg), y reivindicando el gesto, la acción y el movimiento. Se abandonan las tres unidades clásicas y comienza el teatro experimental, con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo, retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. Importancia del director teatral. Entre los diversos movimientos teatrales conviene reseñar: el expresionismo (Georg Kaiser, Fritz von Unruh, Hugo von Hofmannsthal)expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra. El teatro épico (Bertolt Brecht, Peter Weiss, Rainer Werner Fassbinder),El teatro del absurdo, vinculado al existencialismo (Antonin Artaud, Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Albert Camus); Los Angry young men, de signo inconformista y antiburgués (John Osborne, Harold Pinter, Arnold Wesker).Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski y el Teatro de la Crueldad de Peter Brook...

El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII, aparte de rústicas farsas. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa. El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual dominado por las pasiones, ya sean éstas virtuosas o viciosas. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro pero con una maquinaria escénica y efectos escenográficos suntuosos y aparatosos. La voz engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio. El tema del burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace que sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra ha conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro español. Se disfrutaron varias maneras de hacer teatro entre ellas el melodrama el teatro burgués que proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar, con el objetivo de que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared. NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas de los personajes, la preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. APARICIÓN DEL DIRECTOR El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral moderno. REALISMO PSICOLÓGICO Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes estudios de individuos.

El clasicismo es un movimiento cultural desarrollado durante la segunda mitad del siglo XVIII que estuvo fuertemente influenciado por las culturas clásicas de Roma y Grecia, Este movimiento manifestaba el deseo de imponer una sobriedad en la humanidad, para de esta manera controlar, no solo la emotividad, sino también los impulsos viscerales de las personas, disminuyendo todo lo que se refería al ser humano a monotonía y perfeccionismo banal. Los artistas y compositores del clasicismo tuvieron al equilibrio, la sencillez, la sobriedad y la proporción como ideales estéticos. La inspiración en modelos y obras de la      antigüedad, basándose solo en las obras del apogeo artístico de Roma y Grecia, por ejemplo las obras      tomadas de homero, Horacio y Teocrito. Es totalmente racionalista y suprime toda idea      imaginativa, se ven exaltados los rasgos físicos del ser humano, haciendo      de esta manera énfasis en su forma de ser y vivir, siendo lo más exacto      posible que el artista pueda      plasmar. Busca tender siempre a la sencillez y mantener      la claridad en las obras,      siendo palpadas con mesura, estableciendo un equilibrio armónico dejando      ver así un verdadero orden. El clasicismo siempre buscó mantener una      actitud pedagógica en      sus obras, ya que plasma hechos importantes de la historia, personajes      famosos, obras literarias y arquitecturas de      las épocas pasadas. Busca siempre mantener un carácter distintivo de      todos los géneros que      le permita destacar por sí mismo y no sea asociada con otros movimientos externos. Al ser lo más realista posible, sin caracteres      imaginativos no amerita un análisis exhaustivo de parte del que admire      las obras, si no que      más bien se traslade directamente al momento plasmado en la obra. El clasicismo es una corriente estética y cultural que tuvo su apogeo hacia finales del siglo XVIII, acompañando a la compleja transición que vivió Occidente al salir de la denominada Edad Moderna para pasar a la Edad Contemporánea. En la segunda mitad del siglo XVIII se producen una serie de acontecimientos históricos muy significativos, que cambiaron drásticamente el paradigma social hasta entonces vigente; la Revolución Francesa en 1789 fue sin duda el más destacado. En términos de arte, el clasicismo se ubica entre el Barroco y el Romanticismo. Con el clasicismo se da un regreso lo clásico e imperecedero, y esto no solo se refiere a las formas y estilos, sino también a que se produce una vuelta temática, en la que lo religioso (que hasta entonces dominaba) pierde protagonismo en favor de las grandes gestas y los relatos mitológicos, o de los sentimientos humanos...

El origen de la zarzuela lo encontramos en el siglo XVII, con la zarzuela barroca, nacida por el gusto de introducir música a determinadas piezas teatrales. El teatro profano se fue abriendo paso en la corte y en los ambientes nobiliarios con serias dificultades fomentadas por la extrema severidad impuesta por la Iglesia, aunque no de forma unánime, pues si bien predominaba la hostilidad, algunos grupos religiosos como los jesuitas adoptaron el teatro como método pedagógico y daban impulso a las representaciones religiosas. A finales del siglo XVII empezaron a introducirse los oratorios en las Iglesias. Las parroquias y catedrales se llenaron de instrumentos musicales que constituyeron las primeras pequeñas orquestas de las ciudades. Desde 1650 a 1790, aproximadamente, tras un paréntesis, desde 1845 a 1965. Así, podemos decir que la zarzuela es la variedad española de teatro musical hablado y cantado a la vez, y por lo tanto equivalente en cierto modo a la ópera- comiquee francesa, al singspiel alemán, a la ballad-opera o masqueinglesa. Los textos de Calderón,  como El jardín de Falerina (1648), El golfo de las sirenas (1657), El laurel de Apolo (1658), La púrpura de la rosa(1660) y Celos aun del aire, matan (1660) fueron los primeros en ser zarzuela. Con la construcción del Teatro de la Zarzuela en Madrid en el 1856 con capacidad para 2000 personas se demuestra la apuesta empresarial para este género. Será la Obra “El barberillo de Lavapiés” de Barbieri se salva el teatro y con el este género tras una fuerte crisis económica que afectó el País. El auge de la zarzuela y su fama le llegó en el siglo XIX, a partir de 1839, con varios músicos entre ellos destacan Francisco Barbieri y Emilio Arrieta Los más famosos eran los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas o de contenido amoroso que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular para asegurar que la interpretación fuera un éxito. Surge también en Cuba partiendo de la tradición musical del teatro vernáculo en el 1927 en el teatro Regina con la Zarzuela de Ernesto Leucoma y Eliseo Grenet o La Habana en 1939. Los temas de la zarzuela cubana describían imágenes y costumbres de la época colonial, utilizando las suaves cadencias musicales que dan a Cuba tanto reconocimiento mundial. Tema popular era el señorito rico, hijo del dueño del ingenio, que aunque comprometido con una joven de su clase, cortejaba a la joven mulata, zalamera y atrevida, con quien tenía amores prometiéndole matrimonio.

Durante el siglo XVII el teatro que comenzó su apogeo en el Siglo de Oro, se perfeccionó y fue entonces cuando se empezaron a desarrollar elementos teatrales que le daban más prestigio a las producciones el desarrollo de la escenografía y el atrezzo, y la creación de piezas musicales reforzaba la intensidad de los espectáculos dramático, etcétera. Todo ello hizo que, poco a poco, aparecieran nuevos géneros teatrales como la zarzuela en España, la ópera o el ballet. En España se representa en los llamados corrales de comedias, que no son otra cosa que patios de vecinos entre tres o cuatro manzanas de casas; en uno de sus lados, al fondo se alza un tablado para la escena; no hay decorados, sino los propios balcones y puertas de la casa, que son utilizados para apariciones y desapariciones de personajes; el público se distribuye según clases sociales, de pie ante el escenario los hombres, las mujeres sentadas en el fondo, en la llamada cazuela, los burgueses y los nobles en los balcones de las casas. Sus beneficios económicos, aparte los honorarios de actores, autores y dramaturgos, se dedica a obras de beneficencia. A estos corrales sirven los poetas con comedias y dramas, en cuyos intermedios se representan los entremeses, bailes, loas y mojigangas. Los temas son muy variados: religiosos, mágicos, amorosos, políticos, históricos, filosóficos, teológicos. Destaca el teatro como propaganda de la alianza entre la monarquía y el pueblo, en contra de la aristocracia y la nobleza que abusa de sus privilegios, del mismo modo que apoya la fe religiosa del pueblo; el tema del honor será constante en los dramas y tragedias, tema que Calderón lleva a sus más altas expresiones. Características del Teatro Barroco Aparece la nueva comedia - El teatro en verso -Diferentes estrofas según las situaciones -Su historia tiene dos acciones paralelas unidas, una protagonizada por personajes nobles y otra por criados. -Mezcla de tragedia y comedia. Corral de comedias eran patios de vecindad, rodeados de casas al aire libre. -Hombres se colocaban en el patio de pie, las mujeres se situaban frente al escenario. -Estructura: inicio Loa 1er y 2da jornada: ENTREMÉS 2da y 3era jornada: BAILE -Temas: AMOR; HONOR Y HONRA: -Personajes: Rey, poderoso, caballero, galán y dama, Gracioso y criada, villano. Dimensión Social del teatro -Siglo XVII: Teatro era espectáculo más popular -Mensaje fácil de compresión – conflicto con una solución. -Intenta que el espectador se identifique con los protagonistas. La función comenzaba con la ejecución enguitarra de una pieza popular; en seguida se cantaban canciones acompañadas con diversos instrumentos. Venía luego, la loa, especie de explicación de los méritos de la obra y síntesis de su argumento. Daba comienzo la comedia u obra principal, y en los entreactos se ejecutaban bailes o se representaban entremeses. El escenario era un simple tablado y la decoración una cortina. Los cambios de escena eran anunciados por uno de los actores. Temas del teatro Barroco  EL HONOR, sentimiento muy arraigado en la sociedad española del siglo XVII. Cuando el honor quedaba manchado por una ofensa, debía ser lavado incluso por la sangre. Este honor no era solo patrimonio de nobleza, sino que también los villanos luchaban por mantenerlo intacto.  LA RELIGIÓN, tema muy tratado por los dramaturgos barrocos. Se cuestionan temas teológicos siendo el más frecuente el de la Eucaristía, que dio origen a los AUTOS SACRAMENTALES. Son obras de un solo acto en verso, con personajes alegóricos como el vicio, la mentira, el pecado,  LA TRADICIÓN NACIONAL es uno de los temas llevados a escena: canciones populares que sirven de inspiración para crear comedias; temas de historia de España, así como una gran variedad de asuntos caballerescos, pastoriles y mitológicos.

Los creadores e intelectuales del renacimiento intentaron restaurar los ideales artísticos de la antigüedad clásica. El espíritu de la época se reflejó en las canciones profanas y en la música cortesana, que pasaron a integrarse en la vida del arte y de las letras. El dramaturgo inglés William Shakespeare utilizó canciones y baladas populares en sus obras y sus propios versos inspiraron a numerosos compositores de canciones y de música orquestal para teatro. “Greensleeves” de Shakespeare. La Reforma protestante puso fin al teatro religioso a mediados del siglo XVI, y un nuevo y dinámico teatro profano ocupó su lugar. La aparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. Además, la participación de actores profesionales en las obras fue sustituyendo poco a poco a los entusiastas aficionados. Desde un punto de vista filosófico el humanismo es una actitud que hace hincapié en la dignidad y el valor de la persona. Uno de sus principios básicos es que las personas son seres racionales que poseen en sí mismas capacidad para hallar la verdad y practicar el bien. El teatro se desarrolla en las cortes italianas con gran despliegue de medios visuales y musicales, acompañado de danza y música, con espectaculares vestuarios y tramoya. Se solía representar una obra, la mayoría de las veces de origen clásico (romana o griega, sobre todo comedia), pero el interés estaba en los llamados intermezzi, donde toda imaginación tenía su lugar.

Los orígenes del teatro medieval no están aclarados. Según parece, hay una ruptura de siglos en la representación teatral, desde el mundo romano y griego, quienes prefieren la comedia a la tragedia, más cultivada entre los griegos. Las opiniones de los primeros cristianos acerca del teatro son bastante negativas y es posible que ello influyera en la práctica desaparición del mismo. En la Edad Media el teatro se va a desarrollar a partir de las festividades. En esas fiestas, se inician representaciones del misterio, dentro de la iglesia. El teatro empezó en las iglesias representando los momentos litúrgicos más importantes, como la Epifanía, la visita al sepulcro y la Pasión de Cristo. De ahí pasó a los pórticos de las mismas por la inclusión de momentos cómicos y jocosos y, finalmente, a las calles y plazas públicas. Esto permitió la introducción de elementos como el vestuario o la escenografía, el uso de carros, etc. Durante la Edad Media, las autoridades eclesiásticas se sirvieron del teatro para divulgar entre el pueblo las historias de la Biblia y los valores del cristianismo. Los sacerdotes crearon dramas de tema religioso, llamados misterios. Las obras se interpretaban primero en las iglesias, más adelante también en las plazas de las ciudades o en carretas que podían trasladarse de una localidad a otra. El teatro medieval, al igual que el teatro clásico, surgió a partir del culto religioso, pero enfocado hacia el cristianismo. En el siglo XV empezaron a aparecer también obras no religiosas, basadas en cuentos tradicionales o anécdotas divertidas. Se hicieron populares las obras de intención moral, que utilizaban la poesía, la música y la comedia para instruir al pueblo. En esa época se formaron pequeños grupos de artistas profesionales llamados juglares, que trabajaban en los patios de las posadas y en las ferias...

La civilización griega es la cuna del teatro. En este Imperio fue donde se comenzaron a llevar a cabo representaciones compuestas de música, danza y teatro que tenían como objetivo rendir homenaje a Dionisio, dios del panteón griego. Fueron los campesinos y pastores quiénes comenzaron a realizar este tipo de espectáculo para que el dios de la agricultura, Dionisio, en los siglos VI y V antes de Cristo solían celebrar en la época de la primavera. Características del teatro griego clásico. Al aire libre: a diferencia de nuestras representaciones teatrales, en la Antigua Grecia estas obras se realizaban al aire libre. Normalmente, el espectáculo duraba todo lo que duraba el sol, es decir, desde la mañana y hasta la puesta de sol. Vestimenta: dependiendo de si la obra era una comedia o una tragedia, los actores iban vestidos con ropa de diferentes estilos. Las tragedias tenían unas prendas mucho más elegantes y sofisticadas mientras que las comedias iban con ropas más vulgares y sencillas. Máscaras: por lo general, los actores iban con máscaras sobre el rostro que les ayudaban a interpretar mejor su papel. Recordemos que las mujeres no podían actuar, por tanto, el uso de estas máscaras les ayudaban a mostrar qué personaje estaban interpretando y darle un toque más de fantasía y literatura. Arte social: una de las características del teatro griego más destacadas es que era un género literario muy social. Es decir, a diferencia de otros géneros que estaban reservados únicamente a las personas más cultas e intelectuales, el teatro era el género "del pueblo", por eso, personas de todas las clases sociales acudían a ver las representaciones y, si no tenían dinero para la entrada, el Estado les ayudaba. Coro: es otro de los elementos más representativos de las obras teatrales de la Antigua Grecia. El Coro era un grupo de personas que participan en la obra y que tenían un papel crucial para el desarrollo de la trama. Acompañados de música y cante, estas personas explicaban cómo continuaba la trama de una forma espectacular y divertida. Al principio, el Coro estaba formado por hasta 50 personas pero con Sófocles el número descendió hasta fijarlo en 15. Géneros del teatro griego Tragedia griega: Trata de los grandes problemas que afectan al hombre a través de los mitos. Su personaje central es el héroe y sus temas el destino, la culpa y el castigo divino, el conflicto entre individuo y la sociedad, etc. Utiliza un lenguaje literario, culto y elevado. Autores: Esquilo, Sófocles y Eurípides. Comedia griega: Refleja los problemas más importantes de la época con argumentos inventados que provocan risa o burla. El héroe, cómico resuelve siempre felizmente su situación angustiosa. El lenguaje es vulgar he incluso obsceno. Autores: Aristófanes y Meandro.

❤ Bienvenidos a todos, gracias por estar aquí. ❤ -En este tema de introducción les contaré un poco de lo que hablaremos en estos capítulos y de como la música y el teatro se han ido complementando a lo largo del tiempo hasta la actualidad.