Le choix musical de RFI

C'est un nouveau crooner qui entre dans la cour des grands. Le chanteur haïtiano-américain Tyreek McDole n’a que 26 ans, un âge que sa voix de baryton parfaitement maîtrisée ne laisse pas deviner. De retour avec un nouveau disque intitulé Chroma, l’artiste avait été révélé l’année dernière par Open Up Your Senses, son premier album, salué unanimement. Son retour musical était donc attendu au tournant... Si la voix reste la même, Chroma marque une nette évolution. Là où Open Up Your Senses était résolument jazz, avec plusieurs hommages à de grands standards, ce nouvel opus garde le jazz au centre mais tire beaucoup plus vers la soul et le hip-hop. À contre-courant de la rapidité et de la surconsommation musicale actuelles, Tyreek McDole choisit de ralentir pour tenter d'inscrire sa musique dans la durée. Il explique : « Je pense que beaucoup d’artistes travaillent autour de cette question aujourd’hui. Dans un monde où l’on se focalise sur les tendances et la viralité, on ne pense pas suffisamment à notre héritage, à la création de thèmes, d’hymnes caractéristiques d’une époque ou d’un lieu. Tous les compositeurs que je présente dans cet album on créé des thèmes au cours de leur vie. Miles Davis en a même créé plusieurs, et même s’il jouait la composition de quelqu’un d’autre, son interprétation à lui devenait un hymne. Qu’il joue "Bye Bye Blackbird" ou "Directions", peu importe : on reconnaît sa patte. C’est grâce à cela que la musique, et n’importe quelle histoire que vous avez à raconter, vaut le coup d’être racontée encore et encore. » Les « future favorites », classiques de demain Tyreek McDole explore ainsi le concept de « future favorites » : ces musiques ou ces artistes que le présent est déjà en train de transformer en futurs classiques. Sur Chroma, seulement trois des morceaux sont des compositions originales et les sept autres reprennent et réinventent des morceaux qui l'ont marqué. L'enjeu est d'observer ce qui nous a été transmis, de dialoguer avec les artistes actuels et d'imaginer les références de demain. Le titre de l'album renvoie aux différentes couleurs qui nourrissent l'univers du chanteur. Sur ce disque, il réunit donc différents répertoires qu'il se réapproprie. « Chroma est comme la description d’une couleur très intense, très saturée » résume-t-il. Tyreek McDole aime dire que les différents artistes repris sur l'album possèdent « un haut niveau de chroma » : Nina Simone, Richie Havens, OutKast ou encore Annahstasia. Il raconte ainsi la genèse de son morceau « Confession » : « Je suis un énorme fan de toutes les expressions de la musique noire américaine. Soul, hip hop, funk, peu importe la manière dont vous l’appelez. Je voulais incorporer tous ces sons dans une seule composition. Donc je me suis dit : on va prendre du blues et le coupler avec d’autres influences. Un peu de Michael Jackson, un peu de Prince, et un de mes préférés : un peu de George Benson. C’est vraiment tout ce que je voulais faire avec "Confession" : c’est amusant, c’est mignon, j’adore, on passe un bon moment, et j’ai l’occasion de danser un peu. » Entre soca, sébène et rara Comme dans son précédent album avec le morceau « Wongolo Wale », le jeune chanteur s'aventure à nouveau du côté de ses racines plongées en Haïti. Cette fois-ci, le titre s'intitule « Think of you » et figure en playlist RFI ce mois-ci. « J'ai voulu être très explicite dans l'exploration de l’élément le plus afro-diasporique de mon éducation et de mon expérience musicale. Donc j'ai exploré quelques rythmes, quelque part entre le soca, le sébène et le rara. Et puis, je voulais vraiment incorporer cet héritage caribéen dans le continuum du jazz. Par exemple, j’ai intégré un sample de rara, une forme musicale typiquement jouée lors des rituels vaudous en Haïti, d’où vient ma famille », raconte-t-il.   Tyreek McDole est actuellement en tournée : 12/11/26 · Ablon-sur-Seine · Espace Culturel Alain-Poher 13/11/26 · La Rochelle · La Coursive 14/11/26 · Bordeaux · Auditorium de Bordeaux 17/11/26 · Meudon · Centre d'Art et de Culture 19/11/26 · Le Mans · Le Scarron 21/11/26 · Limoges · Éclats d'Email Jazz Festival 25/11/26 · Monte-Carlo · Monte-Carlo Jazz Festival 26/11/26 · Fouesnant · L'Archipel 28/11/26 · Fontainebleau · Théâtre municipal de Fontainebleau

Le duo franco-arménien Ladaniva revient avec Yasaman, son deuxième album. Porté par la voix sublime de Jaklin Baghdasaryan, alias Jako, et par les instruments du globe-trotteur Louis Thomas, ce disque solaire chanté en trois langues donne parfois envie de danser… il porte en même temps une mélancolie diasporique qui serre le cœur. « Yasaman » en arménien, ce sont les lilas. Ces fleurs qui au printemps parfument les rues de Biélorussie, là où a grandi la chanteuse Jaklin Baghdasaryan, née en Arménie. À 18 ans, elle s’installe entre Tourcoing et Lille pour étudier la musique au conservatoire. Trois pays qu'elle porte en elle, trois langues qui habitent sa voix : « Je chantonne la mélodie, puis la langue vient avec le yaourt que je fais... Je fais confiance à mes oreilles et à mon sentiment. Chaque langue a sa couleur, et j’ai besoin de toutes pour m’exprimer. » Un duo inséparable Avec son chant aux accents orientaux, ses longues tresses brunes, ses parures brodées et son sourire contagieux, Jako forme un duo inséparable avec le trompettiste de jazz Louis Thomas. Grand voyageur, compositeur, jammeur, il joue de tout, de la guitare aux flûtes en bois. Ensemble, ils vont du maloya, découvert à La Réunion, aux fanfares des Balkans, et mêlent les traditions arméniennes à des sonorités plus contemporaines, le rabiz notamment, la pop du Caucase. Du succès viral à l’Eurovision Leur notoriété a commencé avec la chanson « Kef Chilini » vu des dizaines de millions de fois sur YouTube. Un premier succès qui a fait entrer Ladaniva dans les playlists de toutes les fêtes de la diaspora arménienne dans le monde. Les réseaux sociaux ont mené ce groupe là où on ne les attendait pas, en Roumanie par exemple. En 2024, l’Eurovision leur offre une grande exposition. Le duo représente l’Arménie, et la chanson « Jako » termine à la huitième place de la finale. Un titre plein de peps qui bousculait gentiment ce qu’on attend traditionnellement d’une jeune fille. Dans l'un des nouveaux titres, « Margarita » chantée en français, Jako aborde, toujours avec une certaine legerté, la question du consentement. Des aficionados de la scène Après une tournée jusqu’aux États-Unis, puis deux ans de pause pour écrire ce nouveau disque tragi-comique Ladaniva se prépare à retrouver la scène, l’endroit où Jako « se sent le mieux » nous dit-elle. Increvable et passe-partout, comme ce 4x4 russe d’où le groupe tire son nom, Ladaniva promet une nouvelle scénographie et toujours cette énergie généreuse, un peu hors du temps et hors des modes. L'album Yasaman de Ladaniva (Jiguli / [PIAS]) sort le 13 novembre 2026. Le groupe sera (notamment) en concert à Paris, à La Cigale, le 15 décembre 2026 (complet), et au Trianon le 23 novembre 2027. 

Quatre ans après son dernier album, la rappeuse et chanteuse égyptienne Felukah revient avec un troisième disque intitulé Hibiskiss. Le titre est un jeu de mots entre « hibiscus » et « kiss », « baiser » en anglais. La fleur d’hibiscus l’inspire depuis des années : avec cet album, elle a souhaité lui rendre hommage mais aussi offrir un baiser, un câlin à son enfant intérieur, qui attendait un disque pareil depuis longtemps. Depuis toute petite, Felukah écoute des morceaux comme « Beautiful Liar » de Shakira et Beyoncé, et se demande pourquoi ne pas réinterpréter ce genre de morceau, pourquoi ne pas se les réapproprier en tant que femme arabe fière de son identité. C’est ce qui l’a menée à réunir les deux chanteuses palestiniennes TÄRA et Lana Lubany pour composer « Sahara », un titre actuellement en playlist sur RFI. Hibiskiss est un album assez court, d'une vingtaine de minutes seulement, composé de neuf titres. Felukah, qui s'est d’abord fait connaître en tant que rappeuse, y élargit son univers musical avec du hip-hop, de la r'n'b et de la pop égyptienne. Elle adopte des choix de production inspirés du hip-hop occidental, tout en continuant à travailler autour des rythmes du Moyen-Orient, des gammes arabes et de la musique traditionnelle égyptienne. Son morceau « Cleopatra » explore ainsi l'identité plurielle de l'Égypte, tiraillée entre le regard porté sur elle depuis l’étranger et sa réalité intérieure. Plusieurs langues, une même colère Tout au long de l'album, Felukah crée des contrastes musicaux entre nappes synthétiques, ambiances parfois lo-fi, et un rap véhément qui rappelle l'énergie brute de ses débuts. Côté paroles, elle navigue sans effort de l'anglais à l'arabe en passant par l'espagnol... Peu importe la langue, tant que le message passe et son message est très clair : Felukah critique l'ego masculin et le patriarcat, tout en célébrant la puissance féminine. La rappeuse égyptienne Felukah sera sur scène le 20 novembre à New York, puis le 4 décembre à Washington.

Ils seront l'une des curiosités du festival Les Trans Musicales à Rennes, en France, le 4 décembre 2026. Les Sud-coréens du groupe Leenalchi que l'on compare souvent au mythique groupe d'électro pop new-yorkais des années 1980, les Talking Heads proposent une pop électro qui plonge dans la tradition du chant Pansori.  Leenalchi prouve que la Corée du Sud ne se réduit pas seulement à la K-pop de BTS ou de Black Pink qui a envahi la surface du globe depuis quelques années. La Corée du Sud, c'est aussi une scène musicale foisonnante où l'imagination et la folie douce règnent en maitres. Celles de Leenalchi atteignent des sommets. Exubérance des voix, rythmiques savantes, le combo fondé en 2018 par l'énigmatique bassiste Jang Young-gyu, figure de la scène underground, place son électro pop sur le terrain de la tradition, et notamment du répertoire Pansori. Cet art populaire, semi théâtral, semi musical, est né au XVIIe siècle sous la dynastie Joseon. Une manière de raconter de grandes épopées mythiques et de les diffuser largement. Le Pansori s'est peu à peu effacé de la mémoire coréenne, jusqu'à ce que Leenalchi ne la remettre au goût du jour. Pour cela, Jang Young Guy a recruté des sorikkuns, des conteurs musicaux. Ils sont quatre, ils ont fait le conservatoire à Séoul, et sont aussi musiciens. Le chant et la voix du Pansori, c'est quelque chose de particulier qui requiert une maitrise exceptionnelle, puisque la technique vocale de cet art mêle chants gutturaux, murmures et envolées dans les aigus. Un lyrisme théâtralisé que l'on peut comparer à l'opéra comique occidental. La musique de Leenalchi reprend à la fois les codes musicaux américains, et la musique tradtionnelle coréenne. Notez la présence de deux guitare basse, celle de Jang Young-gyu le leader et celle de la jeune Ejae, ce qui donne à cette musique une rythmique assez particulière, renforcée par une batterie assez classique et un clavier synthé des plus imaginatif.

Le plus attachant des chanteurs français est de retour pour éclairer le début de l'automne. Philippe Katerine vient de dévoiler son dix-neuvième album, Planète bleue. Pour ce nouveau disque, l'artiste explore des territoires à la croisée de l'électro et du hip-hop, sans oublier de cultiver sa gentille bizarrerie et de porter un regard lucide sur le monde. Comment être fidèle à soi-même tout en n'étant jamais là où on l'attend ? S'il existe une réponse à cette question, c'est très probablement Philippe Katerine qui la détient. Avec dix-neuf albums à son actif, le chanteur français ne cesse de se réinventer, de surprendre et de se surprendre, mu par une inépuisable créativité et un bouillonnement d'idées incessant. On l'attendait du côté d'une pop maximaliste, comme celle qu'il livrait dans son précédent disque, Zouzou ? Avec Planète bleue, Philippe Katerine prend un chemin de traverse et nous retrouve sur le terrain de l'électro et du hip-hop. Une alliance fructueuse avec NkF « Je n'aime pas trop l'idée de faire toujours le même disque, sourit cet éternel joueur. Donc je change toujours de méthode, et de personnes avec qui je travaille. » Cette fois-ci, son acolyte principal fut NkF, Nikola Feve à la ville, qui était déjà intervenu sur le mixage de Zouzou. Le producteur, connu notamment pour avoir travaillé avec Damso, Zaho de Sagazan ou PNL, avait envoyé plusieurs pistes instrumentales au chanteur. « Je suis parti de ces pistes pour imaginer des mélodies. Je n'ai pas d'envie au préalable : je me lance dans quelque chose, sans savoir où je vais ! C'est la vie qui dirige, pas tellement vos envies », souligne encore le chanteur. Après une première phase d'écriture et de composition, ce dernier a enregistré de premières maquettes dans un studio non loin de chez lui (le bien nommé « Dites-le en musique »), avant de s'envoler pour Montréal où, chapeauté par NkF, le chanteur a finalisé son travail. Résultat : une douzaine de chansons riches en nappes de synthétiseurs et en instrumentations planantes. Un univers presque entièrement électronique, très loin de ce que compose habituellement le chanteur. « Il n'y a quasiment pas de "vrais" instruments, hormis le piano à pouces dont je joue sur "Paris 2025". En fait, NkF fait essentiellement de la programmation avec une petite tablette qui tient dans la main. » Un changement radical de processus pour Philippe Katerine, dont il s'est « réjoui », s'enthousiasme-t-il, d'autant que « cela donne un son très particulier, une ambiance assez sombre – des choses que, moi, je n'aurais jamais composées ! » Climat, capitalisme, numérique : la « Planète bleue » va mal Cet univers froid a eu, en tout cas, le mérite de correspondre aux préoccupations du chanteur. « J'étais dans un moment où j'avais vraiment besoin de créer. Je me sentais oppressé, aussi bien par ce qui se passait à l'intérieur de moi que par ce que je voyais à l'extérieur. » Pêle-mêle, Philippe Katerine évoque donc le changement climatique (« Planète bleue »), la toute-puissance du numérique (« Ils nous sucent »), ou le règne du capitalisme (« Les enfants sont de droite »). « ​​​​​​​Ce sont des chansons d'humeur, admet le chanteur et compositeur. Je suis énervé, j'avais besoin de faire cet album. Le monde était dans un tel état – il est encore pire aujourd'hui d'ailleurs –​​​​​​​ que tout se répercutait en moi de façon négative. Dans ces cas-là, mon remède, c'est de faire des chansons pour mettre de l'ordre dans tout ça. » À lire aussiDominique A, retour au rock et à l’autobiographie dans une époque inflammable Pour autant, ce drôle d'oiseau ne perd rien de l'étrange poésie qui est la sienne, et chacun de ses messages est livré sans naïveté, mais avec candeur ​​​​​​​–​​​​​​​ ​​​​​​​« ​​​​​​​j'essaie de cultiver mon innocence » confie-t-il d'ailleurs. Ainsi, pour aborder la confiscation de la démocratie, part-il d'une histoire en apparence innocente : celle de la disparition de son banc parisien préféré, où il aimait s'installer pour observer les passants. « ​​​​​​​Un jour, je suis arrivé, et il n'y avait plus de banc. Il ne restait plus que des traces, sur le bitume, d'un banc qui avait été là autrefois. » Une situation qui l'a mis hors de lui, pour lui-même, et surtout pour ceux pour qui un banc représente parfois un chez-soi, « ceux qui n'ont pas de maison notamment : on supprime des bancs sans nous prévenir, et en fait, sans notre consentement. Tout se décide sans nous. Il y a de quoi être furieux. » Au cynisme et à la noirceur, Philippe Katerine oppose une fois de plus la sincérité et l'innocence : ​​​​​​​Planète bleue, c'est donc un antidote à la morosité ambiante – un remède, qu'on se rassure, sans risque de surdosage. Philippe Katerine, Planète bleue (Cinq 7 / Wagram Music) 2026 Facebook / Instagram / YouTube

Fat Dog (« Gros chien ») publie Cancel Me (I’m Tired), deuxième album pour le groupe londonien, toujours mordant. Cancel Me (I’m Tired), dix titres, pied au plancher, voix énervée et refrains façon rock héroïque sur des synthétiseurs implacables et dansants. Réputés pour leurs concerts enflammés, les Londoniens se font connaître sur scène en 2020. Mais c’est surtout quatre ans plus tard que tout bascule, avec un premier album à la cacophonie post-punk génialement maîtrisée, intitulé Woof. Il les place illico sur le devant de la scène rock mondiale, grâce notamment au tubesque « Running ». En à peine six ans, le succès de Fat Dog est tel que les sollicitations pleuvent de partout. À commencer par cette proposition improbable de représenter le Royaume-Uni à l’Eurovision 2027. Et ils avaient un titre déjà prêt, « England Is My City ». Mais le projet tombe à l’eau, par crainte de récupération du morceau par l’extrême droite anglaise, et parce qu’il n’est pas question de s’associer au célèbre concours de la chanson, devenu un enjeu géopolitique. Dans la foulée, Fat Dog publie donc le 2 octobre 2026 son deuxième album, Cancel Me (I’m Tired) (« Annulez-moi, je suis fatigué »). Ça sent la déprime, ce titre. Mais fatigué, marre de quoi au juste ? Réponse de Chris Hugues, l’une des têtes pensantes du collectif de passage a Paris pour une session promo : « Le nom de cet album vient d’abord de la fatigue de notre longue tournée américaine. Mais il fait aussi allusion à la "cancel culture", cette mauvaise habitude qu’on a d’effacer facilement l’existence des autres pour une parole ou une position, sous la pression des réseaux sociaux. On a l’impression de marcher sur des œufs en permanence. Sur le plan créatif, c’est déprimant quand on voit la culture prise en étau entre le diktat virtuel et la peur de la transgression. Alors on aborde ces sujets sérieux avec l’humour, ce second degré très britannique. Et que les choses soient claires : on aime les États-Unis. C’est l’un des plus beaux pays de la planète. Mais si Donald Trump n’était pas président et animait une télé-réalité, les gens l’aimeraient plus, parce que ce mec est un vrai clown. Une sitcom lui irait beaucoup mieux. » Humour anglais, donc, et pas de langue de bois. Et la France dans tout ça, avec toute la crise sociale, Il en pense quoi ? Beaucoup de bien. Avec un nom pareil, Chris Hugues est déjà à moitié français. Il lui manque juste le jambon-beurre. Et justement, il en parle aussi : « J’aime tellement la France. Je sais qu’en ce moment c’est agité, avec les étudiants qui manifestent pour leurs droits, mais c’est génial, parce que je n’ai jamais vu une mobilisation étudiante de cette ampleur. Je ne vis pas en France, certes. Mais ma mère est alsacienne et je viens ici depuis tout petit, toujours avec le même plaisir. On y mange bien, la musique et l’art sont partout. Et on est au pays des droits de l’homme. Ici, vous existez. En Angleterre, c’est moins sûr. Et quand j’arrive à Paris, je me dis : "Oh mon Dieu, le meilleur jambon-beurre du monde !" Alors que le sandwich de rue est dégueulasse et plus cher à Londres (rires). » Cancel Me (I’m Tired), un album sans filtre, entre rage et provocation, à l’image de la chanson « Go Fuck Urself ». Sur scène, c’est encore plus explosif. Samedi 31 octobre 2026, à l’Élysée Montmartre, à Paris, ils ont même enfilé symboliquement des gilets jaunes pour soutenir la France en colère, comme leur rock'n'roll de chien fou. Cancel Me (I’m Tired) de Fat Dog, en concert à Tourcoing dans le nord de la France, le 3 novembre 2026.

Le prodige de la soul britannique revient avec Fudge, son cinquième album. Ce disque de ballades épurées était très attendu, mais prend une résonance bouleversante : quelques mois après son enregistrement, Michael Kiwanuka a été frappé par un grave AVC. C’est l’un des auteurs-compositeurs les plus doués de sa génération. Guitariste de 39 ans à la voix sans âge, si gracieuse, Michael Kiwanuka a placé quatre albums dans le top 10 britannique. Il a aussi décroché un Mercury Prize et une nomination aux Grammy. Il y a bientôt dix ans, sa chanson Cold Little Heart propulse sa notoriété bien au-delà du Royaume-Uni, le titre ayant servi de générique à la série Big Little Lies.  Alors qu'il enregistre son précédent album «Small Changes» (2024) et prépare une tournée mondiale, l’artiste s'installe dans un petit studio de Southampton avec ses fidèles musiciens de scène, son quatuor à cordes et ses choeurs. Ensemble, ils jamment et improvisent dans une ambiance introspective. Faire de la musique, pour le plaisir... c'est la genèse de l'album Fudge. Un disque en toute liberté Teinté de folk et de blues psyché, Fudge laisse entendre les timbres nus, les instruments tout proches, le crépitement des bandes, avec de longues plages instrumentales propices à la méditation. Inspiré par une citation du jazzman Chick Corea qui ouvre le disque – « fais ce que tu trouves beau et pas ce que les autres attendent de toi » – l'album se veut libre et instinctif. Pour la toute première fois, Michael Kiwanuka s'est affranchi de ses producteurs fétiches (Danger Mouse et Inflo) pour assurer lui-même la production de ses morceaux, avant d'en confier les finitions à Dom Monks. Mais l'album sonne forcément autrement quand on sait l’épreuve que traverse cet artiste solaire. Le chant comme thérapie Car depuis plus d’un an, c’était silence radio. Michael Kiwanuka avait annulé des concerts pour raisons de santé, sans donner plus de détails. Jusqu'à la sortie de ce disque, il y a quelques semaines. À lire aussiAvec «Small Changes», l'Anglo-ougandais Michael Kiwanuka touche les étoiles Dans la seule interview qu'il a accordé au journal The Guardian, le musicien d’origine ougandaise révèle avoir été victime d’un grave accident vasculaire cérébral en juillet 2025,  juste après avoir l'enregistrement de Fudge. Encore en rééducation, il a toujours du mal à parler près d'un an après l'AVC. Pour lui, le chant est devenu littéralement une thérapie qui l'aide à retrouver le souffle et l'usage de ses cordes vocales.  Père de deux enfants, Michael Kiwanuka n'avait que 38 ans au moment de l'AVC. Il tient donc à passer un message : les hommes noirs sont beaucoup plus exposés à l’hypertension. S’il l’avait su, il aurait consulté et aurait pu se soigner. Son cinquième disque Fudge est sorti le 23 octobre 2026 (Polydor Records/Greffen Records). À écouter aussi sur YouTube.

Plus de vingt ans après avoir passé la new-wave au filtre de la bossa nova ou du jazz, le collectif français Nouvelle Vague consacre un album entier à Depeche Mode. Enregistré à Rio de Janeiro avec des musiciens brésiliens, puis achevé à Paris, A Date with Depeche Mode réinvente treize morceaux de ce groupe britannique culte, portés comme toujours par des voix féminines.  « Personal Jesus », « Enjoy the Silence », « Never Let Me Down Again »… Nouvelle Vague enfile son gant de velours pour explorer le répertoire de Depeche Mode. Formé en banlieue de Londres, dans le sillage du punk, ce groupe anglais a rempli les stades des années 1980 et 1990 avec ses machines et ses sons synthétiques. Une époque qui fascine depuis toujours Marc Collin, claviériste et cofondateur – avec Olivier Libaux, disparu en 2021 – de Nouvelle Vague, pour qui c'était une période très ouverte, portée par les progrès technologiques et un foisonnement de courants musicaux.   De Joy Division à Depeche Mode, 20 ans de reprises réinventées Le projet est né il y a un peu plus de 20 ans sur une envie : « On voulait écouter autrement ces chansons qu’on adore de The Cure, New Order, Depeche Mode », raconte Marc Collin.  « À la base, le concept c’était de prendre des chansons écrites dans les années 1980 par des hommes anglais en colère, et d’imaginer un voyage dans le temps, dans les années 1950-1960, au Brésil. C’est une relecture totale, qui permet d’avoir une autre écoute de ces chansons ». Ce sera donc « Nouvelle Vague », en clin d’œil à la « new wave » en anglais, « bossa nova » en portugais, et au cinéma français de Godard et Truffaut.  Le premier album, en 2004, contenait déjà une reprise de Depeche Mode : « Just Can't Get Enough ». Il s’est écoulé depuis à plus d’un million d'exemplaires dans le monde et a révélé des voix comme Camille, Mélanie Pain ou Phoebe Killdeer. « Des paysages sonores » enregistrés à Rio et Paris Comme un retour aux sources, A Date with Depeche Mode a été enregistré à Rio de Janeiro, dans le studio du producteur Liminha, figure du groupe culte Os Mutantes. Les textes sombres de Depeche Mode et la mélancolie new wave raisonnent avec la « saudade » de la bossa nova jouée par des musiciens brésiliens.   À Rio, place aux basses, guitares, percussions et à une touche de cuivres. Puis retour à Paris, où claviers, accordéons et voix viennent achever l'édifice.   Le résultat n'a plus grand-chose à voir avec les originaux. L'idée, explique Marc Collin, est de « déshabiller les chansons » tout en leur donnant une atmosphère, « comme un paysage sonore ». Des voix féminines et un succès mondial Fidèle à sa formule, Nouvelle Vague confie presque chaque titre à une interprète différente. Onze artistes cosmopolites se partagent le micro, parmi lesquelles la Britannique Skye Edwards (la voix de Morcheeba), la Brésilienne Flavia Coelho, la Franco-Mexicaine Eva de Marce ou encore la Turque Nedime Girisken.  Nouvelle Vague, collectif à géométrie variable, enchaîne les tournées au long cours, presque plus connu à l’international qu’en France. En streaming, plus d'une dizaine de ses morceaux affichent entre 10 et 130 millions d'écoutes chacun, un succès un peu fou, qui surprend toujours Marc Collin.   Nouvelle Vague A Date with Depeche Mode (Play It Again) 30 octobre 2026.Nouvelle Vague sera en tournée européenne à partir de mi-novembre.  À lire aussiNouvelle Vague, vingt ans de reprises new wave façon bossa nova

La chanteuse française Aloïse Sauvage est de retour avec La Foudre, son troisième disque, né dans l'abysse d'une rupture amoureuse. Artiste pluridisciplinaire issue de la danse et du cirque, également actrice, elle revient sur le devant de la scène musicale après trois années de travail en binôme avec le musicien et producteur Mathieu Epaillard. Retour sur ce nouvel album dont l'un des titres, « Tomboy », est mis à l'honneur dans la playlist RFI du mois d'octobre.  Native de Seine-et-Marne, Aloïse Sauvage pratique la musique depuis l'enfance : d'abord la flûte traversière, puis la batterie et le saxophone. En parallèle, la danse occupait aussi une place immense dans sa vie, entre les cours de hip-hop et de breakdance à la Maison des jeunes et de la culture de son quartier. Toute la pluralité de ce qui la passionnait dès l'enfance se retrouve aujourd'hui dans La Foudre. Elle raconte : « J'ai toujours voulu créer un mariage, un équilibre entre ce que j'aime dans le hip-hop et ce pourquoi j'ai cette musicalité-là, cette scansion, ce flow presque rappé, cette rythmique. Et l'équilibrer avec une musique plus électronique, plus profonde, avec des couches, plus deep. Je crois que ça vient vraiment de quand j'étais enfant. J'ai commencé à écrire des slams, des raps sur des bandes originales de films très dramatiques, très épiques (rires). J'ai l'impression de toucher du bout des doigts ce que je faisais, un peu inconsciemment, à 10 ou 11 ans. » La rupture comme point de départ  Ce phrasé brut et haletant, tout comme le côté cinématographique des instrumentales et de l'écriture, traverse tout l’album. La Foudre raconte d'abord une rupture amoureuse et la reconstruction qui suit, mais aussi une rupture professionnelle et la fin de la vingtaine : bref, l'ouverture d'un nouveau chapitre. « Cet album parle d'amour, vraiment, il parle beaucoup d'amour. Mais c'est comme un prétexte pour parler de plein d'autres choses qui m'ont traversée : le rapport à la solitude, à l'affirmation de soi, l'identité, le rapport au collectif. Ce sont des thématiques que je tricote et détricote depuis le début de mon parcours musical. Mais en tout cas, c'est un album de retour à soi. Et puis, c'est le premier album que j'auto-produis et que je partage au monde en totale indépendance. Je crois que tout cela est imbriqué : artistiquement, ce que j'ai voulu et ce que j'ai pu faire en étant totalement libre, mais aussi ce que cela implique politiquement de recommencer presque à zéro. Comme si c'était un nouveau premier album, celui d'une nouvelle Aloïse Sauvage », estime-t-elle. Musicalement, la chanteuse expérimente. Son style, entre pop et chanson française, évolue notamment grâce à une rencontre marquante : celle avec Mathieu Epaillard, compositeur et co-producteur de La Foudre, avec qui elle s'est enfermée en studio pour s'offrir du temps de création. Ensemble, ils se sont inspirés des aigus de la chanteuse ghanéenne-américaine Amaarae, des nappes électroniques du producteur britannique Fred Again et du groove du chanteur britannique Blood Orange. De la tempête aux éclaircies Après un passage par le syndrome de la page blanche, Aloïse Sauvage a complètement changé son processus créatif. Elle raconte : « Avant ce projet, j'écrivais d'abord. J'emmagasinais des bribes de textes, puis la magie, la grâce de la création arrivait et je trouvais des mélodies sur le texte déjà existant. Sur cet album, j'ai fait complètement le contraire. Déjà parce que j'en avais besoin : je ne savais plus trop comment écrire. Je ne savais plus trop quoi écrire, si ce n'est sur cette rupture que j'étais en train de vivre, mais qui peinait à être digérée. Donc je ne pouvais pas encore écrire sur tous les aspects de cette histoire. Alors, à la fois par incapacité à écrire et par envie de continuer à créer, j'ai chanté. J'ai beaucoup, beaucoup chanté. Cela m’a aussi permis de me dérider sur ma façon d'écrire, de voir que dans les toplines, il y avait déjà tout le texte qui criait : "Aloïse, regarde, c'est ça qui est dit !" »  Tout au long des douze titres du disque, une progression se dessine : de la fin de l'amour à la redécouverte de soi, jusqu’au moment où on sort la tête de l'eau, où tout recommence, où la vie reprend. Aloïse Sauvage : en tournée à partir de janvier 2027, avec deux dates parisiennes à la Cigale, les 2 et 3 février 2027. Facebook / Instagram / Youtube

Dans Proud Of Me, onze titres jazz-soul teintés de trip-hop, la chanteuse londonienne Ala.Ni signe un disque rugueux et libre, où l’intime devient laboratoire sonore. Il fallait bien un titre aussi crâne pour un disque aussi tendu. Proud Of Me, « fier de moi » Ala.Ni a de bonnes raisons de l’être. Sa voix énigmatique et hors du temps fait mouche sur ces onze plages jazz-soul parfumées de trip-hop, et les superlatifs pleuvent dans la presse française comme internationale : magistral, prodigieux, monumental. Alani Charal, de son vrai nom, a 46 ans. Elle grandit à Londres, dans une famille originaire de la petite île de Grenade dans les Caraïbes. À l’école d’art, l’adolescente se rêve styliste ou danseuse, jusqu’à ce qu’un spectacle scolaire fasse basculer l’affaire et que la chanson l’emporte. Son père est un musicien de calypso réputé, mais son vrai modèle est ailleurs, chez son grand-oncle Leslie Hutchinson, crooner noir des années 1930, tombeur de ces dames comme de ces messieurs et, accessoirement, amant de Cole Porter.  Le jazz, et plus largement les musiques noires, ne l’a jamais lâchée depuis son premier album, en 2016. Avant ce coup d’essai, elle fut choriste de Blur, le groupe pop rock de Damon Albarn. Puis la chanteuse dandy, cheveux courts et pantalon satiné orange, a pris son envol en solo, avec Nina Simone et Billie Holiday pour déesses tutélaires. Commencé avant le covid en 2020, Proud Of Me a trouvé en Adrian Younge un complice de choix. Ce producteur-compositeur californien, connu pour ses collaborations avec le Wu-Tang Clan ou Kendrick Lamar, et pour sa série Jazz Is Dead, cosigne un disque déroutant, volontairement dissonant. Les influences sont broyées, les façons de produire se contredisent, les époques se mélangent, entre tension et émotion. Ala.Ni y parle d’affirmation de soi, de la perte de son père, de racisme aussi. Comme dans « Lament for Emmett Till », hommage à cet adolescent noir sauvagement assassiné dans le Mississippi en 1955. Rien sur cet album n'est fait pour rassurer. Ala.Ni dynamite les codes, malmène le confort d’écoute et transforme l’intime en terrain d’expérimentation. Libre et indomptable, son disque préfère le risque aux recettes, les aspérités aux tendances. De quoi être fière, en effet. Proud Of Me d’Ala.Ni (Linear Labs) sorti le 9 octobre 2026. Facebook / Instagram / YouTube À lire aussi«Sunshine Music» d’Ala.Ni: voyage au cœur des Caraïbes, entre nature et histoire