Theater Echo - Wir sehen Schwarz

Mazlum Nergiz im Gespräch mit Lara-Sophie Milagro Wie kann verantwortungsvolle Teamarbeit am Theater funktionieren? Was macht die Besonderheit des Gewerks der Autorenschaft aus? Welchen Platz hat Emotionalität in der deutschen Sprache und wie kann der Körper als Ort von Geschichte, Trauma und Resillienz auf der Bühne stattfinden?Mazlum Nergiz spricht mit Schauspielerin Lara-Sophie Milagro in einem spannenden und humorvollen Deep Dive über seine Arbeit als Autor, Theatermacher und -leiter: Von seinen Anfängen 2014/15 in Berlin („Was bitte schön ist eine Probe?"), über Stationen in Weimar und Amsterdam bis hin zur Erfahrung, das Schauspielhaus Wien zusammen in einer Gruppe zu leiten.Mit:Gast:Mazlum Nergiz schreibt Prosa, Essays und Theaterstücke, zuletzt Große Elbstraße 275A für das Thalia Theater in Hamburg, das im Januar 2027 uraufgeführt wird. Seit der Spielzeit 2023/24 ist er Mitglied der Leitungsgruppe am Schauspielhaus Wien. Ab 2027 ist er, zusammen mit Florian Borchmeyer, Künstlerischer Direktor des Festivals Theaterformen.Moderation:Lara-Sophie ist Schauspielerin, Theater- und Filmemacherein und CEO der Produktionsfirma Label Noir. 2026 war sie am Thalia Theater Hamburg (R: Sarah Elizabeth Braun) und am HAU Berlin (R: Jozef Wouters) zu sehen und spielt derzeit am Grips Theater Berlin. Als Regisseurin inszenierte sie u.a. für das HAU "Emmett, Tief in meinem Herzen" (2021) und für das Gorki Theater Berlin "Auf Noahs blutigem Regenbogen tanzen wir" (2020). Ihr erster Langfilm als Schauspielerin, Regisseurin und Produzentin ist derzeit in der Postproduktion.Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Inhalt:Was passiert, wenn ein zeitgenössisches Theaterstück den Mythos von Tausendundeine Nacht überschreibt und dabei Fragen nach Islam, Orientalismus und westlichen Projektionen aufwirft? In dieser Folge von Theater Echo: Wir sehen Schwarz diskutieren Sarah Seini, Lara Duymuş und Berfin Orman über Kurdwin Ayubs „Weiße Witwe“ an der Volksbühne Berlin.Aus ihren Perspektiven als Künstlerinnen sprechen sie über Stereotype, Kostüm und Bühnenbilder, über Dekolonisierung und die Frage, wie muslimisch positionierte Künstlerinnen mit Bildern und Zuschreibungen umgehen. Dabei wird die Kritik auch persönlich: Welche Erfahrungen bringen sie selbst mit – und wie prägen ihre eigenen künstlerischen Arbeiten den Blick auf das Stück?Mit:Lara Duymuş ist eine türkische queere Bühnen- und Kostümbildnerin sowie Künstlerin. Nach ihrem Masterabschluss an der Universität der Künste Berlin arbeitet sie heute weiterhin sowohl in Istanbul als auch in Berlin und ist an Staatstheatern ebenso wie in der freien Szene tätig.Berfin Orman ist Regisseurin, Autorin und transnationale Künstlerin. Dabei verwebt sie ihre politische und künstlerische Praxis mit kollektiven und individuellen biografischen Reflexionen. Sie ist Mitglied des Internationalen Theaterinstituts und Alumni der ITI Academy. Im Rahmen der ITI Academy entwickelte sie fürs Theater der Welt 2023 die Performance „Me & White Supremacy“ und co-kuratierte die Konferenz „Conflict & Care - dispute as a part of transformation within the performing arts and its institutions“. Sarah Seini (1998 in Bochum geboren) ist eine queere Künstlerin nigrischer und polnischer Abstammung, die in Berlin lebt und arbeitet; ihre künstlerische Praxis bewegt sich zwischen Kostümbild, Bühnenbild, Performance und skulpturalem Textildesign. Sie absolvierte ihren Bachelor im Kostümbild an der Universität der Künste Berlin (UdK), führt dort derzeit ihr Masterstudium fort und beschäftigt sich in ihrer interdisziplinären Arbeit mit Mehrfachzugehörigkeiten, postkolonialen Identitäten, Fragmentierung und Queerness, wobei sie Kostüm als Raum von Erinnerung, Transformation und gesellschaftlicher Zuschreibung untersucht. Seit 2019 arbeitet sie freiberuflich für Theater, Film und Performance als Kostüm- und Bühnenbilderin.Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Inhalt:It´s not what you think, allow me to clarify ist ein Tanzstück, das einen Dialog über Umsiedlung, Flucht und Migration eröffnet – insbesondere für Menschen aus Entwicklungsländern und People of Color in Zeiten verschärfter Einwanderungspolitik. Das Stück lenkt den Blick auf „die andere Hälfte unserer Realität“ – auf Menschen aus zerstörten Nationen, die sich von kolonialen Unruhen und korrupter Führung erholen und dabei einen Kern von Potenzial, Ressourcen und Neubeginn in sich tragen.Yasmine Calasse beschäftigt sich konsequent mit den Folgen des Kolonialismus und nimmt mit ihrem Team eine differenzierte Perspektive auf das Thema Migration ein, entlarvt Stereotype und hinterfragt die Logik des „White Saviourism“.Yasmine Calasse ist eine südafrikanische zeitgenössische und Hip-Hop-Tänzerin, ausgebildet in der Dance Factory in Johannesburg und dem Peridance Center in New York City. Sie ist stark beeinflusst von der Streetdance-Szene, was sich nicht zuletzt im politischen und sozialen Bewusstsein ihrer Arbeiten zeigt. Als Choreografin arbeitet sie mit anderen Künstler*innen wie z.B. Willie Stark zusammen und führt Werke namhafter Choreografen auf, darunter Stephanie Thiersch, Ching Ching Wong, Ihsan Rustem, Jennifer Archibald, Elisabetta Minutoli, Rayboom and Jasmin Halper. Ihre Arbeit „Confinement” wurde in Kapstadt (Western Province Building für ICA 2020) ausgestellt. Yasmine Calasse ist Co-Produzentin von AFIA und Gründerin von ReIgnite Sessions.Mit: Yasmine Calasse, Mable Preach, Mimi Odoom HarderFoto  “Yasmine Calasse” by Hakki TopcuGrafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Inhalt: Wie findet man seinen eigenen Weg ins Theater? In dieser Folge spricht Patty Kim Hamilton mit Quang Nguyễn-Xuân über die ersten Schritte als Theaterautor*in und Regisseur*in, das Schreiben zwischen dem Politischen und Intimen und die Auseinandersetzung mit vietnamesischer Diaspora. Ein persönlicher Einblick in künstlerische Anfänge, erste Arbeiten und die Frage, wohin der eigene Weg führt.Mit:Moderation:Patty Kim Hamilton ist Theaterautorin und Performance-Künstlerin. Sie arbeitet derzeit an ihrem Debütroman.Künstler*in: "Quang Nguyễn-Xuân (they) interessiert an der Schnittstelle von Theater, Performance und Text das Verhältnis zwischen dem Politischen und Intimen. Studiert aktuell Szenisches Schreiben an der Universität der Künste Berlin, davor Politikwissenschaft, Europäische Ethnologie und Sozialwissenschaften an der Universität Würzburg und Humboldt-Universität zu Berlin.Bisherige Auftragsarbeiten als Theaterautor*in in der freien Szene umfassen Hörst du mich? (aufgeführt im HochX München, Ballhaus Ost, Theater Bremen), Model Minority (ROXY Birsfelden, Treibstoff Theatertage Basel) und Ersatzverwandte (HochX, Theaterhaus Jena), jeweils Stückentwicklungen zur vietnamesischen Diaspora unter Regie von Benjamin Truong. Entwickelte 2026 mit Nam Anh Nguyễn Quốc Fiktionsbescheinigung – Rumours from the Fish Market (Berliner Ringtheater), eine Lecture Performance über die globale Integration Vietnams, soziale Aufstiegserzählungen sowie das brüchige Aufwachsen darin, für die Quang zum ersten Mal Regie führte. Arbeitet aktuell am ersten eigenen szenischen Text Resolve, der anhand des Vermächtnisses des Vietnam-Amerika Kriegs und der Beteiligung der westdeutschen Nachkriegsindustrie darin Motive von Trauma, Schuld, Erlösung, Wiedergeburt behandelt. Mitgründer*in des Poetry-Projekts tạt lon poetry. Wenn nicht gerade in Berlin, dann in Hồ Chí Minh City. www.quangnguyenxuan.com  @einfach__quangGrafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Inhalt: Patty Kim Hamilon spicht mit Murat Dikenci und Dan Thy Nguyen über ihre langjährige Arbeit am Theater, den Wandel der postmigrantischen Theaterlandschaft und die Bedeutung des Ballhaus Naunynstraße. Es geht um Repräsentation, Macht, Verantwortung und die Frage: Wie kann ein diverses Theater der Zukunft aussehen?Mit:Moderation:Patty Kim Hamilton ist Theaterautorin und Performance-Künstlerin. Sie arbeitet derzeit an ihrem Debütroman.Gäste und Experten:Murat Dikenci, geboren in Hannover, studierte Angewandte Kulturwissenschaften in Lüneburg. Seit 2007 arbeitet er als Autor, Regisseur, Dramaturg, Kurator und Schauspieler an nationalen und internationalen Projekten. Seine Inszenierungen verbinden literarische Stoffe mit einer politisch-poetischen Ästhetik, darunter Sesperado – Revolution of Color (2016), YAHYA HASSAN (2022) und Die Gerächten (2023). Von 2021 bis 2023 war er Künstlerischer Leiter der Universen und Künstlerischer Vermittler am Schauspiel Hannover und prägte dort eine solidarische Bühne für eine diverse Stadtgesellschaft. Von 2023 bis 2026 leitete er das STUDIO Я am Maxim Gorki Theater und setzte Impulse für junge Regiehandschriften und ein neues, diverses Publikum. Zuletzt inszenierte er am Maxim Gorki Theater Fatma Aydemirs Ellbogen (2024), Etel Adnans To Be In A Time of War (2025) sowie Die Legende von Paul und Paula (2025) und Der Fremde am Salzburger Landestheater.Dan Thy Nguyen ist freier Theaterregisseur, Schauspieler, Schriftsteller und Sänger in Hamburg. Er arbeitete an diversen Produktionen u.a. In Ballhaus Naunynstraße, auf Kampnagel, dem Mousonturm Frankfurt, dem MDR und an der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen. 2014 entwickelte und produzierte er das Theaterstück „Sonnenblumenhaus“ über das Pogrom von Rostock -Lichtenhagen, welches 2015 in seiner Hörspielversion die „Hörnixe“ gewonnen hat und bis heute noch an diversen Institutionen gespielt wird. Seit 2020 leitet er mit seiner Produktionsfirma Studio Marshmallow das Hamburger Festival "fluctoplasma - 96h Kunst Diskurs Diversität" und er ist stellvertretender Vorstand der LAG Kinder- und Jugendkultur Hamburg. 2021 erhielt er den Deutschen Hörspielpreis für seine schauspielerische Leistung.Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Inhalt:  Was geschieht, wenn Sprache mehr als nur Kommunikation ist – wenn sie zu Erinnerung, Übersetzung, Gewalt, Widerstand und Heimat wird? In dieser Folge bewegen sich der Schriftsteller Ralph Tharayil und Lyriker*in Meloe Gennai zwischen Englisch und Deutsch und reflektieren über Sprache als Kultur, Performance und Macht. Gemeinsam erkunden sie das Schreiben, dramatische Texte, gesprochene Sprache, das Schweigen sowie die Unmöglichkeit – und Notwendigkeit – der Übersetzung. Sie fragen: Warum schreiben? Warum und wie für das Theater schreiben? Warum überhaupt Theater? Wer definiert Meisterschaft? Was bleibt von der Realität, sobald die Sprache gesprochen hat? Ein Gespräch über mehrsprachige Lebensentwürfe, asynchrones Denken, literarische Praxis und die Schönheit, nicht immer bei einer einzigen Antwort anzukommen.Mit:Meloe Gennai  ist Dichter. Durch Zufall und getrieben von einer ungesunden Bewunderung für einen abwesenden Deutschlehrer beschloss er, obwohl er aus Genf stammt, Germanistik zu studieren. Anschließend wandte er sich dem Rechtstudium zu und studierte später Diplomatie. Er bemüht sich bis heute, dies in die Praxis umzusetzen, insbesondere als Mitglied von x collective x, einem Verein, der queere, trans- und/oder behinderte of African Descent und Native Autor*innen zusammenbringt und veröffentlicht. Ralph Tharayil, geboren in der Schweiz als Sohn südindischer Eltern, studierte Geschichte, Medien- und Literaturwissenschaft in Basel. Er arbeitet interdisziplinär mit Text. 2023 erschien sein von der Kritik gelobter und mehrfach ausgzeichneter Debütroman Nimm die Alpen weg, der 2024 an den Bühnen Bern uraufgeführt wurde. 2027 erscheint das Buch unter dem Titel Roll Back the Mountains in der Übersetzung von Jon Cho-Polizzi bei Seagull Books. Mit Ivna Žic und Henri Michel Yéré kuratiert er seit 2024 am Literaturhaus Basel die kritische Gesprächsreihe Second Thoughts. Gemeinsam mit dem Soziologen Ido Nahari forscht er zum Begriff des Unheimlichen/unsettling aus einer antikolonialen Perspektive. Als Teil des von Pro Helvetia geförderten Co-Creation Grants forscht er mit dem Autor und Kurator Indranjan Banerjee zur Verkörperung von Grenzen in den Alpen und im Himalaya. Ralph ist Teil des post-deutschen Künstler*innenkollektivs parallelgesellschaft, er lebt in Berlin. Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Inhalt:Was passiert eigentlich nach der Premiere? Wenn der Applaus verklungen ist und die Anspannung langsam nachlässt? Schauspieler Calvin-Noel Auer spricht mit Regisseurin und Co-Intendantin Azeret Koua über ihren Weg ans Theater, künstlerische Freiheit, die Verantwortung des Erzählens und ihre gefeierte Inszenierung „Kassandra: coming of age at the end of the world“ am Theaterhaus Jena. Gemeinsam werfen sie einen Blick hinter die Kulissen einer Premiere und sprechen über Zweifel, Visionen und die Frage, wie Theater heute von Krisen, Zukunft und Widerstand erzählen kann. Ein persönliches Gespräch über Kunst, Haltung und das, was bleibt, wenn der Vorhang fällt. Mit:Azeret Koua (sie/ihr; 1993* in Detroit) ist Regisseurin, wuchs als Third-Culture-Kid mit vielen Sprachen und noch mehr Fragen in den USA, Deutschland und China auf und landete über Umwege (Theaterwissenschaft und Kunstgeschichte an der LMU München, Assistenzen am Schauspiel Dortmund und Residenztheaterin München) in der künstlerischen Leitung des Theaterhaus Jena (2024–26). Auf der Bühne interessiert sie sich für alles, worüber man* lieber nicht spricht: tabuisierte Reibungspunkte aus Gesellschaft und Politik, überhörte Narrative, misrepräsentierte Sichtweisen. Ihr Werkzeugkoffer: Popkultur, Surrealismus, Musik und ein Humor, der sich weigert, brav zu sein. Azeret's Arbeiten kreisen um Freiheit — von Systemen, Normen, und gelegentlich von sich selbst. 2025 war ihre Inszenierung rhapsody beim Radikal Jung Festival eingeladen, und sie wurde in Theater Heute als Beste Nachwuchskünstlerin nominiert. Die Freiheit hat sie noch nicht gefunden - vermutlich versteckt sie sich in der nächsten Produktion.Calvin-Noel Auer (er/ihn) wurde 1995 in Schwetzingen geboren und ist in Lüneburg aufgewachsen. Nach dieser ersten kleinen Identitätskrise ging es ins Ruhrgebiet, um an der Folkwang Universität der Künste von 2017 bis 2021 den Beruf des Schauspielers zu erlernen.Mit der Bochumer Lebensart im Gepäck und der Lust, im Beruf „jetzt so richtig loszulegen“, fand er in der Pandemie seinen Gegner. Aber nach getaner Home-Office-Diplomarbeit ging es für ihn als Gast ans Hessische Staatstheater Wiesbaden („Kleiner König Kalle Wirsch“) und zurück in den Norden ans Theater Kiel („Der Schimmelreiter“ und „Don Karlos“). Dort stellte er fest, dass er sich als Nordlicht identifiziert – mit ein paar Ruhrpott-Einschlägen im Herzen.Dann ging es zum ersten Mal in den Osten, nach Thüringen, ans Deutsche Nationaltheater Weimar, wo er seit der Spielzeit 2022/23 zum festen Ensemble gehört und in verschiedenen Projekten („Othello“, „Werther“, „Fabian oder Der Gang vor die Hunde“, u.v.a.) zu sehen ist.Und wenn nicht im Theater, dann bei Koi 7 mit der Nummer 2 mit Gemüse.Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Inhalt: What does it take to create bold, uncompromising theatre in spaces where you are often the exception rather than the norm? Host Benedicta Delali Agbeko sits down with award-nominated director Azeret Koua to talk about identity, artistic freedom, and navigating Germany's predominantly white theatre landscape. From growing up between cultures to reimagining the myth of Cassandra through BASSANO, Azeret reflects on the power of untold stories, the politics of representation, and why theatre must confront the conversations society would rather avoid. Together, they explore creative belonging, resilience, and what it means to keep making fearless art—even when the system isn't built for you.Mit:Benedicta Delali Agbeko is a Ghanaian creative entrepreneur, cultural strategist, and Co-founder of BLK STAR NOIR. She works with  innovative projects at the intersection of art, fashion, culture, and community development, using creativity to preserve African heritage and empower emerging talent. Passionate about social impact and international collaboration, she is committed to creating opportunities that strengthen communities and showcase Ghanaian creativity on the global stage.Azeret Koua (she/her; born 1993 in Detroit) is a director who grew up as a "third-culture kid"—surrounded by many languages ​​and even more questions—in the USA, Germany, and China. After a winding path (studying Theatre Studies and Art History at LMU Munich, followed by assistantships at Schauspiel Dortmund and the Residenztheater in Munich), she joined the artistic leadership team at Theaterhaus Jena (2024–26). On stage, she focuses on the subjects people prefer not to discuss: social and political taboos and points of friction, overlooked narratives, and misrepresented perspectives. Her toolkit includes pop culture, surrealism, music, and a brand of humor that refuses to play nice. Azeret’s work revolves around freedom—freedom from systems, norms, and occasionally, from herself. In 2025, her production *rhapsody* was invited to the Radikal Jung Festival, and she was nominated as Best Emerging Artist by *Theater Heute*. She hasn’t found that freedom yet—it is likely hiding in her next production.Grafikdesign: @wingtschong Presented  by: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Curation: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) This podcast is funded by the Authority for Culture of the Free and Hanseatic City of Hamburg. (Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg) Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Kann Oper dekolonial, futuristisch und radikal sein? In dieser Folge von Theater Echo – wir sehen Schwarz spricht Miriam Ibrahim mit Regisseurin, Choreografin und Kuratorin Mable Preach sowie Performancekünstlerin, Komponistin und Theatermacherin Brandy Butler über Black Opera als künstlerische Praxis des Widerstands, der Transformation und der Hoffnung. Ausgehend von Mable Preachs Opera of Hope und Brandy Butlers Mitosis – Eine LSD Oper sprechen sie über die Dekolonisierung des Hörens, Afrofuturismus, Klang als politische Sprache und die Frage, wie Oper neue Geschichten von Schwarzsein, Queerness, Migration, Gemeinschaft und Zukunft erzählen kann. Ein Gespräch über Kunst, die Grenzen verschiebt.Expertinnen: Brandy Butler is a performer, composer, and theater director whose work spans music, theater, movement, original composition, and socially engaged performance. A former ensemble member of Theater Neumark (2019 - 2024) and a current ensemble member of Theater Freiburg since 2025, she holds a Bachelor's degree in Jazz Flute and a Master's degree in Music Education.Her compositions and performance works reflect a persistent inquiry into embodiment, narrative, and social reflection. Her works include the solo work Avoirdupois, which explored weight as both physical and psychological terrain; Red, a modern retelling of Little Red Riding Hood using mixed media storytelling in elementary-age performance contexts; and Mitosis: an LSD Opera, which was a modern opera exploring death and grief. Her newest work, WOVEN, about Trans Racial Adoption, is set to premiere in 2027.In addition to her institutional work creating projects such as Drag Story Time, Protest Academy, and Enterspaces maintains an active international touring and independent practice touring with artists such as Jeremy Nedd and Ntando Cele.Mable Preach ist eine in Hamburg lebende Regisseurin, Choreografin und Kuratorin mit ghanaischem Hintergrund. In ihrer künstlerischen Arbeit setzt sie sich intensiv mit Themen wie Rassismus, Kolonialismus und Empowerment auseinander. Durch intersektionale und afrofuturistische Ansätze gelingt es ihr, komplexe gesellschaftliche Fragestellungen in ihren Inszenierungen zu beleuchten und neue Perspektiven zu eröffnen.Als studierte Medienmanagerin hat sie zahlreiche Inszenierungen realisiert, insbesondere auf Kampnagel Hamburg und im Schauspiel Hannover. Zu ihren jüngsten Regiearbeiten zählen I AM. WE ARE (2023) und K(NO)W BLACK HEROES (2023/24). Viele ihrer Theatertexte stammen aus ihrer eigenen Feder – sie versteht sich als schreibende Regisseurin, die ihre Visionen nicht nur inszeniert, sondern auch textlich formt. 2022 wurde sie für den renommierten Faust-Preis in der Kategorie "Genresprenger" nominiert.Neben ihrer Theaterarbeit engagiert sich Preach stark für die Förderung junger BIPoC-Künstler*innen. Sie ist Initiatorin des urbanen Jugendfestivals FORMATIONNOW sowie Gründerin des Kultur- und Jugendvereins Lukulule. Bis Ende 2024 war sie dort im Vorstand aktiv. Mit Projekten wie flüchtLINK, dem Black Gurl Magic Festival und der Theaterfactory-Projektwoche an Schulen schafft sie Plattformen für marginalisierte Stimmen.2024 gründete sie The Choir of Uncivilized Voices, ein künstlerisches Kollektiv, das Stimmen von BIPoC-Künstlerinnen und Aktivistinnen zusammenführt, um gesellschaftspolitische Themen durch Gesang und Performance erfahrbar zu machen.Ihre Arbeiten wurden international präsentiert, unter anderem in den USA, Chile und Deutschland. Mit der performativen Musikinstallation APHRO SPACE PHUNK sowie der jüngsten Produktion OPERA OF HOPE (2025, Kampnagel Hamburg) setzt sie neue künstlerische Impulse in der deutschen Theaterszene.Mable Preach ist eine Stimme für soziale Gerechtigkeit und kulturelle Vielfalt, die mit ihren Projekten künstlerische Innovation, gesellschaftspolitisches Engagement und literarische Eigenständigkeit verbindet.Host: Miriam Ibrahim ist Regisseurin, Kuratorin von Theater Echo. Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

In dieser Folge begrüßen Miriam Ibrahim und Sarah Claire Ray Lamin Leroy Gibba, einen der vielseitigsten Künstler der aktuellen deutschen Kulturszene. Als Schauspieler, Autor, Regisseur und Produzent lässt sich Lamin nicht in eine Schublade stecken und erläutert im Gespräch, warum multidisziplinäres Arbeiten kein Widerspruch, sondern eine notwendige Befreiung darstellt.Lamin bietet dabei Einblicke in seine Arbeiten am Maxim Gorki Theater, darunter die durch das Genre Horror inspirierte Produktion „Die Zwillinge“ (2026) sowie die berührende May-Ayim-Hommage „Blues in schwarz-weiß“ (2025). Darüber hinaus thematisiert Gibba in einem ehrlichen Austausch Machtstrukturen im Kulturbetrieb, die Verantwortung gegenüber dem Publikum und die dringende Sehnsucht nach einer größeren Vielfalt und Repräsentanz Schwarzer Lebensrealitäten auf der Bühne. Er beleuchtet zudem die Magie des Absurden in seinem Stück „Doppeltreppe zum Wald“ und erklärt, warum eine Besetzung mit neun Schwarzen Charakteren in der deutschen Theaterlandschaft noch immer als revolutionär gelten muss. Lamin nimmt uns mit auf eine Reise durch seine Figurenwelt voller „Cringe-Momente“, radikaler Nacktheit und tiefer Menschlichkeit – ein absolutes Muss für alle, die die Zukunft des afrodeutschen Erzählens miterleben wollen.Gäst:innen:Lamin Leroy GibbaLamin Leroy Gibba ist Schauspieler, Autor und Filmemacher. Nach seinem Studium an der New School for Drama in New York folgten Engagements an Häusern wie dem Classical Theatre of Harlem, Kampnagel und dem Ballhaus Naunynstraße. Internationale Erfolge feierte er mit dem Kurzfilm Hundefreund sowie als Creator und Hauptdarsteller der ARD-Serie Schwarze Früchte (2025), die 2025 mit dem Deutschen Serienpreis ausgezeichnet wurde.Sein Theaterwerk umfasst preisgekrönte Texte wie u.a. Doppeltreppe zum Wald, entstanden in der Ballhaus Naunynstraße Schreibwerkstatt unconventional signs, sowie die von Joanna Tischkau inszenierte Produktion Die Zwillinge (2026). Als Regisseur inszenierte er May Ayims Gedichtsband blues in schwarz-weiß (2025) am Maxim-Gorki-Theater und zuletzt Lennart Kos' Balance und Harmony (2026) an den Münchner Kammerspielen. Gibba verknüpft in seinem Schaffen eine profunde Auseinandersetzung mit afrodeutscher Geschichte mit visionärer Kraft für die darstellenden Künste.Sarah* Claire Wray Sarah* Claire Wray hat Regie an der Ernst Busch in Berlin studiert. They schreibt Lyrik, Drehbücher und Essays und wurde u.A. im WETTER Magazin veröffentlicht. Zuletzt hat they Regie am Schauspielhaus Zürich geführt bei der Uraufführung des Stücks STÜTZLIWÖSCH SUPERTRANS TRE, dass Kay Matter geschrieben hat. Sarahs* thematischer Fokus liegt auf der Intersektion zwischen Gender, Race und KlasseDieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.