Roule Galette

CETTE semaine dans Roule Galette, je vous propose de découvrir ou redécouvrir l’homme à 3 mains de Katerine , paru en 1999 . Cette année-là, Philippe Katerine sort deux albums en même temps : Les Créatures et L’Homme à trois mains. Deux disques qui désarçonnent son public grandissant.À cette époque, Katerine s’est construit une image de dandy assez élégant avec une pop raffinée, des arrangements soignés et une certaine délicatesse, entre bossa nova et easy listening , très référencés cinéma des années 60.Aussi, quand arrive ce diptyque , Le contraste avec les disques précédents est assez brutal.Les Créatures est composé avec les Recyclers, groupe de Jazz un peu free sur les bords , provenant de la galaxie rectangle , de Quentin Rollet et Noël Akchoté . L’Homme à trois mains, lui, est un disque solitaire. Katerine expliquait à l’époque qu’il ne voulait pas choisir entre ces deux manières de travailler : il voulait conserver ces deux dimensions et les faire dialoguer.L’homme a trois mains apparait donc comme un disque plus dépouillé. Katerine y joue seul, enregistre seul, et laisse entrer dans ses chansons une quantité de choses qui auraient probablement été écartées dans un disque plus conventionnel. Des idées étranges, des ruptures, des paroles absurdes, des moments presque inquiétants qui dénotent complètement avec l’image de gendre parfait , un peu benêt , fraichement sorti d’un film de Jacques Demy, qu’il avait développé sur ses disques précédents. L’album commence par cette phrase : non je ne suis pas schizophrénique , mais appelez-moi encore Patrick . Ça donne tout de suite une idée du propos .Pourtant, ce n’est pas un disque expérimental au sens où on pourrait l’entendre, n’y cherchait pas des relans de Fred Frith ou de je ne sais quel artiste obscur que seules 8 personnes connaissent ! Non ! Cela reste toujours des chansons, juste un peu décalée, comme on dit , en terme artistique ou Atypique en langage Pole emploi ou linked in.La bossa nova y tient une place prépondérante, donnant l’impression d’écouter quelque chose de léger et de paisible si l’on fait abstraction des textes et des thèmes abordés . Le propos est tantôt drôle, tantôt complètement absurde, mais il subsiste derrière tout ça quelque chose de beaucoup plus sombre. On a l’impression d’entendre quelqu’un qui nous fait rire tout en nous laissant entrevoir qu’il ne va pas très bien.On y trouve également des titres plus dérangés, comme Le Simplet ou Petit Philippe, qui montrent une autre facette de Katerine. Mais même là, ce n’est jamais une plaisanterie. Il y a toujours quelque chose de fragile derrière le jeu. Katerine y balance ses doutes, ses failles, ses questions enfouies , remet en cause son éducation , met en scène sa mort …Ça n’est jamais trop éloigné de la tradition du label Saravah de Pierre Barouh , à David Mac Neil en passant bien évidemment par Brigitte Fontaine , dont Katerine avait déjà repris deux titres avec les recyclers sur la compilation morceaux choisisEn 1999, Philippe Katerine ne sait évidemment pas encore tout ce qu’il va devenir. Mais avec L’Homme à trois mains, il montre déjà qu’il ne va probablement pas suivre une trajectoire très droite. Et c’est peut-être finalement ça, le plus intéressant dans ce disque : on entend un artiste qui commence à comprendre qu’il peut faire à peu près ce qu’il veut. Et qui va désormais avoir beaucoup de mal à s’en empêcher. On commence par le magnifique Gare Montparnasse, une bossa qui apparait comme le titre sans doute le moins dérangé , si l’on fait abstraction de ce fameux homme à trois mains dont on se demande d’où il peut bien sortir …Aujourd’hui , le simplet, premier véritable pétage de plomb de l’album . Katerine y fait référence à son adolescence , sans concession . Un miroir tendu face à la cruauté des autres, lorsqu’on est différent .Le bonheur, autre bossa nova , nonchalante et dérangée , où Katerine fait se croiser les catholiques avec les cinémas pornographiques.Petit Philippe est un autre pétage de plomb , où Katerine règle clairement ses comptes avec son éducation catholique .Aujourd’hui , moi -même , autre splendide Bossa , entre narcissisme et schizophrénie.

Cette semaine dans Roule Galette, on s’intéresse à un disque assez méconnu, Spirit of the Golden Juice, l’unique album de l’Américain F. J. McMahon, paru en 1969. Avec le « fameux retour en force du vinyle », dernier soubresaut d’une industrie du disque en perdition depuis le MP3 et le streaming, les rééditions de disques oubliés ou passés inaperçus sont devenues, pour certains, un nouvel eldorado. Des labels se sont spécialisés dans cette activité, avec plus ou moins de bonheur, finissant par rendre méfiant l’amateur potentiel. L’hyperbole et les superlatifs sont de sortie : attendez-vous à entendre des merveilles inconnues toutes les semaines ! Les communicants sauront bien vous appâter en nourrissant votre peur de ne pas connaître. Un label s’était même appelé Moi j’connais… C’est dire à quel point l’idée d’être ignorant hante le mélomane.Dans ce flot incessant de nouvelles gloires oubliées à découvrir absolument, il y a toutefois des disques qui, sans être des classiques incontournables, méritent qu’on leur redonne une chance.F. J. McMahon grandit à Santa Barbara, en Californie, et commence très jeune à jouer dans des groupes de surf rock. En 1964, à dix-huit ans, il s’engage dans l’US Air Force, notamment pour choisir son affectation plutôt que d’être appelé sous les drapeaux. Il est envoyé en Asie du Sud-Est et sert notamment au Vietnam comme policier militaire. Il y découvre la guerre, mais aussi des réalités sociales et humaines très éloignées de son environnement californien.À son retour, en 1968, il est profondément marqué par cette expérience. Il a également connu la scène psychédélique de San Francisco avant son départ, avec ses concerts au Fillmore et à l’Avalon Ballroom. Mais ce qui ressort de ses chansons, c’est surtout une désillusion grandissante face à la guerre, à la société américaine et aux discours patriotiques dans lesquels il a grandi.Au début de 1969, deux hommes qui cherchent à monter une petite société de production lui proposent d’enregistrer un album. McMahon se retire alors chez sa grand-mère, à Santa Barbara, et prend plusieurs mois pour écrire les chansons. Spirit of the Golden Juice naît de cette période. Le titre fait référence au bourbon que lui et ses compagnons buvaient en Asie du Sud-Est, qu’ils appelaient leur « golden juice ».Musicalement, le disque ne se présente pourtant pas comme un manifeste. Il s’agit d’une folk-rock assez dépouillée, mélancolique, avec des guitares acoustiques et une production rudimentaire. L’enregistrement a été réalisé avec des moyens limités, en plusieurs étapes et dans différents studios. Un disque de less is more, faute de moyens autant que par choix esthétique. Une folk-rock acoustique qui pourrait évoquer un croisement entre Tim Hardin et Swell.À sa sortie, sur le petit label californien Accent, l’album ne rencontre pratiquement aucun public. Il n’a ni véritable distribution ni campagne promotionnelle digne de ce nom. McMahon continue à jouer ici et là, dans des bars, des hôtels ou des salles de bowling, puis finit par abandonner progressivement la musique pour travailler dans l’électronique et l’informatique. Il ne donnera même son premier concert consacré à cet album qu’en 2017, près de cinquante ans après son enregistrement.Entre-temps, le disque est devenu une référence pour les amateurs de folk confidentielle et de ces petites productions privées des années 60 que les collectionneurs ont commencé à rechercher bien plus tard. Des rééditions lui ont finalement permis de toucher un public qui n’avait jamais eu l’occasion de l’entendre à l’époque.Malgré mes multiples tentatives pour proposer ce disque aux trop rares clients du magasin, un exemplaire a fini par me rester sur les bras… Ce qui en fait aujourd’hui l’un des disques les mieux cotés de ma discothèque. Les amateurs de vinyles étant parfois plus obnubilés par la cote de leurs disques que par les disques eux-mêmes, je dois bien avouer que les prix hallucinants pratiqués par les spéculateurs me font sourire.Spirit of the Golden Juice n’est peut-être pas un chef-d’œuvre oublié qu’il faudrait absolument réhabiliter. C’est un album singulier, qui porte la trace d’une époque et d’une expérience personnelle, et qui mérite qu’on prenne le temps de l’écouter.Car c’est finalement , ça l’esprit de Roule Galette : mettre un disque qu’on connaît très bien, ou simplement en choisir un autre , qu’on connait un peu moins pour passer un bon moment, sans autre attente que celle de l’écoute. Sister, Brother, le premier morceau de l’album, donne assez rapidement le ton. McMahon s’adresse directement à une sœur, à un frère, et plus largement à ceux qui l’entourent, avec cette idée assez simple de solidarité : il demande qu’on lui tende la main, qu’on aide les autres, qu’on essaie malgré tout de rester ensemble. Derrière cette apparente simplicité, le texte est beaucoup plus désabusé qu’il n’y parait . Il s’interroge sur ce que va devenir le pays, sur la possibilité de connaître enfin des jours heureux et surtout sur cette paix que tout le monde semble souhaiter sans vraiment savoir comment l’atteindre. Et lorsqu’il évoque l’idée de voir enfin tout le monde sourire, il laisse entendre que ce n’est certainement pas pour demain. On retrouve donc déjà cette opposition entre l’espoir d’un monde meilleur et le sentiment que la réalité en est encore très éloignée. Ça ne vous rappelle pas quelque chose ? Black Night Woman est sans doute le morceau le plus directement lié à ce que McMahon a vécu au Vietnam. Il raconte l’histoire d’une jeune Vietnamienne dont le compagnon américain, un GI, lui avait promis de l’emmener aux États-Unis. Elle découvre finalement qu’il est marié et qu’il n’a jamais eu l’intention de tenir sa promesse. Elle se suicide. McMahon raconte cette histoire avec beaucoup de sobriété, en évoquant cette femme, les moments passés avec elle et le souvenir qu’elle lui a laissé. Il ne cherche pas à en faire un grand réquisitoire contre la guerre : c’est plutôt le récit d’une histoire personnelle, marquée par l’abandon et la mort, qui montre une des conséquences humaines très concrètes de la présence américaine au Vietnam. Five Year Kansas Blues est sans doute le morceau le plus directement consacré à la question de la conscription. McMahon y raconte le choix d’un jeune homme qui refuse de partir à la guerre et qui sait qu’il risque, en conséquence, cinq années de prison à Leavenworth, au Kansas. Le narrateur ne comprend pas pourquoi il devrait aller tuer un homme qu’il ne connaît pas et refuse cette idée de « devoir » qui voudrait justifier la guerre. Mais ce refus a aussi un prix : il sait qu’en partant en prison, il laisse derrière lui sa femme et ses enfants. McMahon ne développe pas vraiment de discours politique : il raconte plutôt le dilemme très concret d’un homme confronté à la guerre, avec d’un côté l’obligation de combattre et de l’autre la décision de refuser, quitte à en subir les conséquences. Enough It Is Done s’éloigne du récit de guerre pour s’attaquer plus largement aux travers de la société. McMahon dénonce un monde où l’argent, le pouvoir et les intérêts personnels prennent le pas sur les relations humaines. Même l’amour semble souvent servir des motivations égoïstes, loin de toute véritable solidarité. Il s’interroge aussi sur la capacité des hommes à reconnaître leurs erreurs, alors qu’ils contribuent eux-mêmes à créer les problèmes qui les accablent. Comme il l’expliquait lui-même, il voulait parler de cette humanité qui passe sa vie à courir après l’argent et le pouvoir en oubliant l’essentiel. Une critique sociale assez désabusée, qui dépasse le seul contexte de 1969 et reste fidèle à l’esprit du disque. The Spirit of the Golden Juice clôt l’album et revient sur l’expérience de McMahon en Asie du Sud-Est. Le titre fait référence au bourbon I. W. Harper que lui et ses compagnons buvaient pendant leur séjour : ils l’appelaient le « golden juice ». Mais la chanson ne parle pas simplement d’alcool ou de souvenirs de soldats. McMahon y porte un regard rétrospectif sur les années qu’il vient de traverser, avec le sentiment d’avoir perdu une partie de sa vie, mais aussi la conscience que les expériences heureuses comme les plus douloureuses contribuent à donner un sens à l’existence. Il explique lui-même avoir écrit ce morceau avec cette idée : on ne peut pas apprécier le bon sans avoir également connu le mauvais. La chanson prend ainsi une dimension plus personnelle et méditative, comme si McMahon tentait de faire le bilan de ces années avant de refermer le disque.

Cette semaine dans Roule Galette, on remonte au milieu des années 90 avec le premier album de Radar Bros., tout simplement intitulé Radar Bros.Le groupe se forme à Los Angeles autour de Jim Putnam, que certains connaissent déjà pour son travail avec Medicine, formation emblématique du shoegaze et du noise rock américain, notamment responsable du single « Aruca », très influencé par My Bloody Valentine.Mais ici, changement radical de décor. Exit les guitares saturées et les nappes bruitantes : Radar Bros. développe une musique lente, retenue, mélancolique, où les morceaux semblent suspendus.J’ai découvert ce groupe dans le fameux magasin Selectadisc, déjà évoqué lors de l’épisode sur Neu! ’75. Immédiatement, j’y ai senti une familiarité, entre les harmonies vocales du Pink Floyd de « Fearless » et la lenteur et le minimalisme de Low ou Codeine.Jim Putnam ne cache pas son admiration pour « Fearless » de Pink Floyd. Et il y a un joli détour à faire par Low également, puisque le groupe reprendra « Fearless » quelques années plus tard.Le disque paraît au milieu des années 90, à une époque où le rock indépendant américain explore toutes sortes de voies, entre le post-rock naissant, le slowcore et les formes plus dépouillées de la pop. Radar Bros. ne cherche pas à faire du bruit ni à imposer une signature spectaculaire. Les chansons prennent leur temps, les guitares respirent, les voix restent à distance. Et pourtant, sous cette apparente nonchalance, les mélodies s’accrochent.Le groupe va progressivement trouver son public, notamment en Europe, où il tourne en première partie d’artistes comme Kelly Deal et Godspeed You! Black Emperor. Ce premier album lui permettra aussi de trouver un partenaire européen : les disques suivants paraîtront chez le label écossais Chemikal Underground, connu notamment pour avoir accompagné Mogwai, Arab Strap et The Delgados.Depuis, Jim Putnam poursuit son chemin musical en dehors de Radar Bros. Il a notamment collaboré avec Mickaël Mottet, le musicien français connu entre autres pour son projet Angil, sur un album commun paru en 2014 chez We Are Unique! Records. Plus récemment, en 2025, il a sorti un album solo sous son propre nom, également sur ce label français.C’est aussi ce qui rend cet album si particulier : il ne cherche pas à séduire immédiatement. Il installe plutôt une atmosphère, et c’est en y revenant qu’on en mesure la richesse. Pour moi, c’est un parfait disque d’automne.Pour les morceaux, cette semaine, je vais faire un peu différemment. Je ne vais pas chercher à expliquer les titres, ni à interpréter des paroles dont je ne suis d’ailleurs pas toujours certain de saisir le sens. Il y a des disques qui s’écoutent sans qu’on éprouve le besoin de les comprendre. Celui-ci en fait partie.Ça me rappelle cette phrase de Trisomie 21, sur Million Lights : « Il y a quelque chose de ridicule à expliquer les choses. Mais le pire est de donner du sens à ce qui n’en a pas. »

Cette semaine, dans Roule Galette, on va remonter un peu le temps, jusqu’en 1965, avec un disque de Paul Simon, The Paul Simon Song Book. Un disque sorti bien avant ma naissance, car finalement, il n’y en a pas tant que ça qui ont été évoqués dans Roule Galette. À l’époque, Paul Simon n’est pas encore tout à fait le Paul Simon que tout le monde connaît. Simon & Garfunkel ont bien sorti un album, Wednesday Morning, 3 A.M., en 1964, mais leur disque est passé largement inaperçu. Paul Simon, plutôt que de s’entêter aux États-Unis, décide de partir en Angleterre.Là-bas, il fréquente les clubs folk, il en profite pour traîner du côté de Paris ou de Copenhague, passe à la BBC et se construit un petit public… Il mène sa vie de jeune chanteur américain en Europe, avec sa guitare sous le bras, sans qu’on puisse vraiment parler de carrière triomphale.Cela reste toutefois suffisamment important pour que CBS lui propose d’enregistrer The Paul Simon Song Book, à Londres, entre juin et juillet 1965, aux studios Levy’s, sur New Bond Street. Un disque minimal : Paul Simon, sa guitare et ses chansons, comme nombre de disques à l’époque, dans le sillage de Dylan. Le disque sort en Angleterre au mois d’août et est accueilli comme un disque de folk parmi d’autres.Si la presse musicale britannique s’y intéresse, on ne peut pas pour autant parler d’un succès commercial majeur. Il ne faut pas imaginer que les Anglais se soient précipités en masse pour découvrir le futur géant de la chanson américaine. À ce moment-là, Simon est surtout un jeune auteur-compositeur qui commence à trouver sa place dans le petit monde du folk.Et puis, quelques semaines plus tard, l’histoire se met à accélérer. Aux États-Unis, The Sound of Silence, dans sa version initialement acoustique, ressort avec une instrumentation électrique ajoutée en studio à l’initiative du producteur Tom Wilson. Paul Simon et Art Garfunkel ne sont même pas présents lors de cette opération. Le morceau décolle, devient un énorme succès, et Simon & Garfunkel changent de dimension.Les chansons de The Paul Simon Song Book vont alors connaître une seconde vie. Plusieurs seront réenregistrées par Simon & Garfunkel, sur Sounds of Silence ou Parsley, Sage, Rosemary and Thyme. I Am a Rock, Kathy’s Song, April Come She Will, Leaves That Are Green… On retrouvera ces morceaux sur leurs albums suivants, avec la voix d’Art Garfunkel et des arrangements plus élaborés.Mais les versions originales gardent ma préférence.De manière générale, je suis plutôt sensible aux disques minimalistes. Je préfère souvent une chanson qui tient debout avec trois bouts de ficelle plutôt qu’un morceau sur lequel on a rajouté des couches d’arrangements jusqu’à ce qu’on ne sache plus très bien où se trouve la chanson. Chez Nick Drake, par exemple, j’ai toujours préféré la nudité de Pink Moon aux arrangements de Bryter Layter.Alors, quand j’ai découvert ce disque de Paul Simon, bien longtemps après sa sortie, j’ai tout de suite accroché à cette instrumentation réduite à l’essentiel. Je connaissais évidemment, comme à peu près tout le monde, les grands succès de Simon & Garfunkel, mais je n’avais jamais vraiment entendu ces chansons sous cette forme-là, avec Paul Simon tout seul, sa guitare et sa voix.Par ailleurs, il y a cette drôle d’impression que les chansons sont déjà là. On entend ce qui va devenir le répertoire de Simon & Garfunkel, mais débarrassé de tout le côté un peu mielleux qui peut parfois être reproché au duo. Ce ne sont pas des brouillons, des esquisses en attendant qu’on leur ajoute de beaux habits. Les chansons tiennent déjà debout.Prenez I Am a Rock, par exemple. Dans cette version, la guitare et la voix suffisent à installer le personnage, ce type qui s’enferme dans sa forteresse pour ne plus avoir à souffrir du monde extérieur. La version de Simon & Garfunkel est plus ample, plus pop, avec sa rythmique et ses arrangements. Mais est-ce que ça apporte vraiment quelque chose à la chanson ? Je n’en suis pas forcément convaincu. Ça change la manière de l’entendre, certainement. Ça l’améliore ? C’est une autre question.Bon, évidemment, on ne va pas ouvrir le dossier Art Garfunkel et se demander à quoi il sert. Ce n’est pas mon propos, même si la tentation est grande. Disons, de manière plus consensuelle, que Paul Simon me suffit largement.On est en amont de la célébrité mondiale, avant les grandes productions, avant que tout cela ne devienne une évidence. Et finalement, je m’y retrouve mieux dans cette proximité avec l’artiste solo que dans l’hystérie collective. I am a RockI Am a Rock met en scène un individu qui revendique une solitude souveraine, se comparant à un rocher, à une île, comme si l’isolement pouvait le soustraire définitivement aux blessures du monde. Mais les raisons qu’il avance pour justifier ce retrait trahissent précisément ce qu’il prétend avoir dépassé : la souffrance, la déception, la vulnérabilité inhérente à toute relation humaine . Sa solitude apparaît moins comme un choix dicté par la force que comme une stratégie de protection, élaborée pour ne plus avoir à s’exposer aux incertitudes de l’attachement. C’est ce décalage entre l’invulnérabilité proclamée et la fragilité que laisse entrevoir le discours qui fait évidemment tout l’intérêt du texte . The Sound of Silence,C’est évidemment le titre qui va connaître un succès considérable dans sa version électrique, au point de devenir l’une des chansons emblématiques de Simon & Garfunkel. On la retrouve dès leur premier album, Wednesday Morning, 3 A.M., paru en 1964, mais c’est sa réédition avec les arrangements électriques de Tom Wilson, en 1965, qui va la propulser en tête des classements américains.Ici , on retrouve la version dépouillée de Paul Simon, avec cette guitare acoustique et cette pulsation sèche, presque métronomique, qui accompagne le chant. Une chanson qui n’a finalement pas besoin de grand-chose pour installer son atmosphère.Dans les paroles, Simon évoque un monde où les gens parlent sans vraiment s’écouter, où les mots circulent sans parvenir à créer de véritable communication. C’est le paradoxe de ce son du silence : il ne s’agit pas de se taire, mais de cette distance qui s’installe entre les êtres, même lorsqu’ils sont entourés de paroles et de bruit. Une forme de solitude collective, et une difficulté à faire entendre ce qui compte vraiment. The side of a hillAvec The Side of a Hill, Paul Simon signe une chanson particulièrement sobre, dans laquelle la guerre apparaît à travers la mort d’un enfant.On pourrait y voir une référence au Dormeur du val de Rimbaud, dans cette manière de faire se rencontrer la nature et la mort, comme si le décor paisible rendait la tragédie plus terrible encore. On y retrouve cette même façon de suggérer l’horreur plutôt que de la décrire frontalement. La chanson aura d’ailleurs une seconde vie chez Simon & Garfunkel. Paul Simon en reprendra des éléments dans Canticle, entrelacé avec la ballade traditionnelle Scarborough Fair, sur l’album Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, en 1966. Les paroles liées à la guerre viennent alors se superposer à la mélodie ancienne, créant un contraste entre la douceur de la musique et la noirceur du propos. Kathy’s SongAvec Kathy’s Song, on retrouve une chanson qui n’aura pas besoin d’être profondément remaniée pour intégrer le répertoire de Simon & Garfunkel. La version publiée sur Sounds of Silence en 1966 reste très proche de celle que Paul Simon avait enregistrée seul l’année précédente. Et, fait assez révélateur, Art Garfunkel n’intervient pas sur l’enregistrement : c’est toujours Simon qui chante, comme sur The Paul Simon Song Book.Je trouve même que la version solo a quelque chose de plus convaincant, notamment dans la prise de voix. Elle me semble plus présente, mieux définie, moins nasillarde aussi, et débarrassée de certaines inflexions qui peuvent donner à Simon un côté un peu trop dylanien. Ici, le chant souligne la fragilité qui correspond bien à cette chanson écrite dans l’éloignement, alors que Kathy Chitty est restée en Angleterre et que Simon poursuit son séjour loin d’elle. Flowers Never Bend with the Rainfall Flowers Never Bend with the Rainfall, est une chanson que j’avais complètement occultée dans le répertoire de Simon & Garfunkel. Je l’ai redécouverte par Paul Simon, à travers cette version dépouillée du Paul Simon Song Book. Et en réécoutant celle du duo, je comprends assez bien pourquoi elle m’était passée sous le nez. Avec ses arrangements, ses chœurs et cette couleur un peu country, elle prend une tournure qui me rappelle le syndrome de la French Tart . L’apparat nuit au propos. Derrière son titre bucolique, elle exprime une forme de désenchantement, une interrogation sur ce qui nous permet de tenir debout dans un monde qui ne répond pas nécessairement à nos attentes. Les fleurs, elles, ne se courbent pas sous la pluie , mais le texte est moins une célébration de la résistance qu’une réflexion sur les illusions, la solitude et la difficulté de trouver un sens à l’existence.

Cette semaine dans Roule Galette, une fois n’est pas coutume, je vous propose un live .Je sais que les Live ont tendance à diviser le public , certains les rattachent au passage presqu’obligatoire des groupes des années 70 , d’autres à une panne d’inspiration de l’artiste, ou encore à un raclage de fond de tiroir , quand d’autres y voient un moyen de s’immerger dans un concert .Vous connaissez, peut-être ou pas cette chanson de LCD soundsystem , loosing my edge , où James Murphy déclame i was there … hé bien , ce disque que je vous propose , je peux le clamer haut et fort , aussi fort que ma voix puisse le faire pour exprimer ma satisfaction à la fin d’un concert , J’ETAIS LA ! Même si je n’étais pas venu pour eux, j’étais là et on m’entend justement crier à la fin de ce concert !Et le plus drôle , c’est que je ne savais même pas , alors que j’ai le disque depuis des lustres, que ce concert était celui auquel j’avais assisté!Quand je me rends au De Kreun de Courtrai , ce 7 novembre 2012 , je trépigne de voir Moon duo , dont j’ai acheté les disques récemment , ceux-là même que je n’ai plus jamais écouté . Je m’installe pour la première partie, comme d’habitude, près de la table de mixage et vois débarquer trois gars . un bassiste plutôt discret, Clint, un guitariste chevelu aux allures de druide, Andy Duvall, et une espèce de guitar hero qui s’occupait également des synthés, Rich .Ce trio , que je ne connaissais ni d’Eve ni d’Adam , se nomme Carlton Melton.Les quinze premières minutes, sonnent assez cosmiques, répétitives et planantes, avec ce guitar hero qui partait dans des solos assez acides pouvant évoquer David Guilmour. On sent petit à petit une tension monter, la guitare devient plus grasse, puis ,au bout d’un quart d’heure, le druide pose sa guitare et se met derrière les fûts et là… on change complètement de registre pour partir sur un truc stoner assez massif, mélange de Black Sabbath et de krautrock, répétitif et entêtant. J’avais commencé le concert au fond de la salle, je l’ai terminé devant les enceintes, les oreilles et le cou déglingués.Je n’ai pas pu m’empêcher de faire une razzia au stand de merch pour acheter tout ce qui s’y vendait ou presque .Après ça, je les ai revus à plusieurs reprises en Hollande, où la scène psychédélique est très vivace, à Tilburg, pour le festival Incubate, puis à Middelburg, dans un café. J’ai finalement organisé une date à Lille, qu’ils n’oublieront jamais, mais sans doute pas pour les raisons que vous pourriez imaginer. J’ai pu vérifier cela en discutant avec eux à Hastings cette semaine.Quand ils sont arrivés cette fois-là à la Malterie, ils étaient complètement rincés. Ils revenaient d’Angleterre, après une nuit à dormir dans le van, bloqués par la neige sur l’autoroute du côté de Manchester. Ils sont arrivés fiévreux mais ont quand même assuré le concert. J’ai eu beau les soigner comme je pouvais une fois arrivés à la maison, à base de camomille, gingembre, citron, thym, bref, à base de toutes les recettes de grand-mère dont je disposais, ils ont dû annuler la tournée et se sont retrouvés hospitalisés aux Pays-Bas pendant quelques jours, avant de rattraper à temps leur vol pour les États-Unis. Ils avaient assez peu de souvenirs du concert, mais se souvenaient par contre très bien de la maison et de mes tentatives de soins… Aussi, quand j’ai su qu’ils tournaient en Angleterre, je me suis dit qu’il serait plus prudent de les voir sur leur première date plutôt qu’à la fin de leur tournée ! Carlton Melton se forme en 2008, sur la côte du comté de Mendocino, en Californie. Le projet naît autour d'Andy Duvall, Rich Millman, ( Ex Zen guérilla) Brian McDougall et John Steuernagel, avec cette idée assez particulière de jouer de la musique instrumentale, improvisée, forte et psychédélique dans un dôme géodésique appartenant à Brian McDougall. La première session a lieu le 17 juillet 2008 et donne Live in Point Arena, un CD-R autoproduit.Le principe va rester au centre de leur méthode : pas vraiment de morceaux composés à l'avance, mais des sessions où personne ne sait précisément ce que les autres vont jouer. Ils enregistrent directement dans le dôme, puis sélectionnent et retravaillent ce qui leur semble intéressant.Au printemps 2009, une nouvelle session fournit la matière de Pass It On, leur premier véritable album, qu'ils sortent eux-mêmes en novembre 2009 sur leur label Mid-To-Late Records. Une autre session a lieu en juin 2009, avant même la sortie du disque, ce qui leur permet déjà d'accumuler du matériel pour les sorties suivantes. John Steuernagel est remplacé par Clint Golden à la basse .Ensuite, ça s'accélère assez rapidement : Country Ways en 2011, puis en 2012 Smoke Drip, enregistré avec John McBain de Monster Magnet, Photos of Photos, également avec McBain, et AQ Hits, une compilation de morceaux plus anciens ou rares. Le 7 novembre, Carlton Melton joue au De Kreun avec Moon Duo et Zun Zun Egui.Ce live s’appelle donc Live in Europe 2012 , C’est le disque de la semaine dans roule Galette Pour démarrer, Photos of Photos, le titre qui donne son nom à leur album fraîchement sorti à l’époque, un morceau assez court et tranquille pour démarrer un concert et une soirée qui s’annonce longue…Smoke Drip, le second titre, est lui extrait d’un EP trois titres paru chez Agitated. On y entend une mise en place plus acid, space rock, assez trippante, qui commence sérieusement à m’intéresser…Aujourd’hui, deux morceaux en un, Personal Space et The One That Got Away, qui forment un tout et marquent le changement dans ce concert. Personal Space est un titre extrait de leur EP Four Eyes et démarre, lui aussi, de manière assez spatiale, avant de devenir un peu plus inquiétant. C’est à la fin de ce morceau qu’Andy Duvall pose sa guitare pour passer derrière les fûts et enchaîner avec The One That Got Away, une face B du 45 tours Handling Snakes, un morceau psychédélique, répétitif et entêtant à souhait, paru en 2011.March of the Cicadas est un titre extrait d’un split avec Qumran Orphies. Le concert continue avec le batteur druide qui mène la danse, alors que Rich Millman l’accompagne au début aux synthés, avant de prendre sa guitare pour des solos dignes des années 70, entre acid et space rock, pour enfin revenir aux synthés… avant de terminer sur une furie psychédélique. Have a trip !Pour terminer la semaine et le concert, When You’re In, une reprise d’un titre des Pink Floyd sur Obscured by Clouds, qui figurait sur le premier album du groupe, Pass It On. La reprise est particulièrement plus grasse que l’originale ; elle montre aussi les influences du groupe, notamment celles de Rich Millman pour David Gilmour. Parfait morceau pour une bonne séance de headbanging final qui clôturera ce concert, ponctué de ce fameux cri de satisfaction dont je parlais en début d’émission.C’était Carlton Melton, live au De Kreun le 7 novembre 2012, le live en Europe 2012, disque de la semaine dans Roule Galette.

Cette semaine dans Roule Galette , je vous propose de découvrir ou redécouvrir le premier album de Sloy , Plug . Un disque que j’ai longtemps ignoré , non parce que je ne les connaissais pas, mais parce que j’avais décidé que ce n’était pas pour moi . Par suivisme , par snobisme anti -français, par bêtise ? Je ne sais pas , un mélange de tout ça surement … Je connaissais le nom, je savais à peu près ce qu’ils faisaient, j’ai même eu plusieurs occasions de les voir. Mais ça ne m’intéressait pas . Je devais surement penser qu’un énième groupe de pop anglaise était plus intéressant , ou tout simplement , je n’étais pas prêt .A vrai dire, ce disque est un parfait exemple , en ce qui me concerne , du temps qu’il faut pour comprendre , accepter et digérer un disque . C’est assez évident quand on y pense, mais ce n’est pas forcément facile de passer de la pop geignarde de Brighter au post punk abrasif de Sloy . Dans un registre dérivé du hardcore , j’avais pourtant adoré Slint en son temps , mais là où Slint avançait lentement et sournoisement pour construire sa toile d’araignée, Sloy avait quelque chose de beaucoup plus frontal auquel j’étais peu habitué . Comme une bonne paire de claques dans la gueule . Et je n’étais pas un enfant battu ! Plutôt un mélancolique inconsolable .Je ne saurais dire exactement quand Sloy est devenu fréquentable à mes oreilles , ce qui est sûr c’est qu’ils n’existaient déjà plus . Approximativement , je daterais cela au début des années 2000 , quand la nouvelle vague de post punk a débarqué et m’a permis de mettre un peu de rondeur, de folie dans les préjugés que j‘avais de cette scène, qui se résumait pour moi au versant sombre et dépressif de Cure, Joy division , X mal Deutschland , Sisters of Mercy … j’en passe et d’autres corbeaux . Je m’étais enfin intéressé de manière assidue à PIL , la compile rough trade post punk volume 1 était passée par là et puis j’étais aussi passé par le post rock et ses explosions parfois très violentes , le Math rock de Chevreuil, le post métal …bref des trucs un peu plus durs … j’étais enfin mûr pour me prendre un direct au creux de l’estomac.Et j’ai apprécié ça . Au point de l’écouter régulièrement , après avoir cherché longtemps à retrouver les CD . De là à en déduire que je suis devenu maso ou psychopathe , je vous laisse contacter ma psy pour en discuter .J’écris cette chronique à bord du ferry pour l’Angleterre, le casque sur les oreilles comme un adulescent autiste, et la mer agitée, parfait écho au bordel diffusé dans mes oreilles, m’évite de me lancer dans une danse frénétique et de me vautrer comme une otarie bourrée à la bière à l’écoute des albums de Sloy. Parce que j’ai choisi Plug en chronique, mais le groupe a eu l’excellente idée de ne sortir que trois albums, tous très bons. J’aurais tout aussi bien pu choisir Planet of Tubes ou Electrelite.Plug, c’est donc le premier album du groupe, sorti en 1995. Sloy viennent de Béziers, s’installent à Rennes et commencent déjà à se faire remarquer en dehors de France. John Peel les invite notamment à enregistrer une Peel Session, et ils font les premières parties de PJ Harvey. Et pour Plug, ils vont chercher Steve Albini à la production.Ce qui donne un disque qui ne cherche pas vraiment à séduire. C’est sec, tendu, minimal et physique. Il y a quelque chose de très direct dans le son et dans la façon dont les morceaux sont construits. Il y a cette façon de chanter, de hurler d’Armand Gonzalez, comme s’il était poursuivi par un serial killer, ou comme si c’était lui, on ne sait pas trop. Des hurlements cathartiques, comme un coup de pompe en plein tagada. Tout ce que je n’avais pas voulu entendre en 1995, ça fait maintenant 25 ans que ça dure. First AnimalPour démarrer et se mettre dans l’ambiance immédiatement, rien de tel que le premier titre de l’album, First Animal, qui démarre sur ce son de batterie bien sec, qui claque d’entrée, avec une voix filtrée qui m’évoque le début du titre Pornography de The Cure… mais on s’en éloigne très vite.C’est rugueux, ça donne d’emblée l’ambiance du disque, on n’est pas pris en traître. À peine 50 secondes : entre la batterie qui martèle, les guitares qui tranchent, la basse obsédante et massive, et cette espèce de chant-cri-hurlement… le headbanging est obligé de démarrer. Si ce n’est pas le cas, veuillez consulter. PopOn poursuit l’écoute du disque avec Pop, qui est loin de l’être… pop.La première fois que j’ai entendu ce morceau, je me suis posé des questions sur l’état de santé mentale d’Armand Gonzalez. Les « pop pop pop pop » sortent comme s’ils permettaient de laisser exploser toute la violence contenue dans le couplet, tendu et retenu, qui peut évoquer Jon Spencer Blues Explosion.Une superbe version de ce titre, enregistrée dans le cadre des lives de Nulle part ailleurs, est disponible sur le Net et mérite votre attention. GameGame démarre avec un son de guitare métallique. La basse est énorme et on trouve pour la première fois ce plan de batterie qu’on retrouvera plus tard sur d’autres titres de Sloy : saccadé, faisant penser à une mitraillette.Le morceau joue sur les moments de calme et les relâchements explosifs, évoquant Shellac, bien sûr. ExactlyOn poursuit le déroulé de l’album tel qu’il est présenté, montrant ainsi que le tracklisting a été parfaitement pensé.Aujourd’hui, Exactly, sans doute un de mes morceaux préférés de Sloy, parfaitement reconnaissable à ce refrain où la voix de Gonzalez m’aurait fait penser à une alerte de noyade sur le ferry si je ne connaissais pas ce morceau.Entêtant à souhait, on retrouve évidemment toute la lourdeur et l’énergie du groupe. Imparable. Many Things (To Wear)Enfin, on termine avec Many Things (To Wear), qui démarre avec un extrait de film, suivi d’un rire inquiétant de Gonzalez, conseillant aux enfants de s’enfuir…Même si vous n’êtes certainement plus des bambins, on vous conseille de rester pour écouter ce dernier titre et laisser, pourquoi pas, si vous le souhaitez, dérouler cet album qui ne souffre d’aucun point faible.

Puressence — Puressence (1996) James Mudriczki chante comme si ses chansons étaient trop petites pour lui. C’est sans doute le principal problème de Puressence. Mais c’est aussi, paradoxalement, ce qui fait sa singularité.Dans la visite des tréfonds de mon Alzheimer naissant, des groupes anglais de la Britpop, je pourrais vous en citer une tonne si je n’avais pas oublié leur nom, voire leur existence.Puressence est une exception.Même si je ne sais plus non plus comment j’ai découvert leur premier album, sorti en 1996 chez Island, ce disque éponyme me revient toutefois facilement en tête parce que je l’ai beaucoup écouté.Je ne l’écoute plus régulièrement. Mais dès que j’en entends un morceau, quelque chose revient immédiatement. Appelez ça de la nostalgie, même si ça n’en est pas. J’appellerai plutôt cela une flamme, une énergie, à l’image de la superbe pochette de leur single India. Puressence avait un peu tout pour plaire. Ils étaient de Manchester, plutôt beaux gosses, ils avaient le son, un côté épique assumé, mais aussi cette voix si singulière de Mudriczki. Ils étaient capables de passer d’une caresse à une gifle en un clin d’œil, avec juste ce qu’il faut d’abrasif pour nous titiller les oreilles et juste ce qu’il faut de policé pour plaire au plus grand nombre. Mais ça ne fut jamais vraiment le cas. Ils ont cependant acquis un statut de groupe vénéré en Grèce. Le succès y est venu plus tard dans leur carrière, notamment avec Planet Helpless, qui atteindra la quatrième place des charts grecs.Visiblement pas suffisant , pour que ça parvienne aux oreilles des dévêtus décérébrés ch’tis et autres Marseillais à Mykonos, à notre plus grand regret.Alors oui, on peut trouver un côté putassier au premier album de Puressence, presque autant qu’à une personnalité politique au Salon de l’agriculture.On peut aussi leur reprocher d’avoir cherché à remplir les stades à la place de Jim Kerr ou de Bono. Mais à vrai dire, au point où nous en sommes, je préfère des stades remplis pour un concert de U2 que pour un meeting de Marine Le Pen. On peut leur reprocher leurs pochettes arty qui sentent bon le plan marketing. Certes.Et pourtant, ce ne sont pas des défauts rédhibitoires à mes oreilles .À l’échelle de mes oublis chroniques ou de chroniques, cet album reste quand même un disque qui compte suffisamment pour que je m’en souvienne et que je le pose et propose aujourd’hui sur la platine de Roule Galette. Cette ambition avouée ne me dérange pas.Au contraire. Il y a des moments où cette démesure fonctionne parfaitement. Les chansons peuvent devenir lyriques, denses, énormes, et c’est justement ce qui leur donne leur force.Les guitares, elles, ont quelque chose de rugueux dans ce premier album. Elles ne sont pas là uniquement pour fabriquer de grands paysages. Elles frottent, saturent, accrochent.Les Chameleons ne sont jamais trop loin, et certaines textures peuvent aussi rappeler le Verve de A Storm in Heaven — surtout dans cette façon qu’ont les guitares de produire une matière autour des chansons plutôt que de simplement les accompagner.Et puis il y a cette basse, très présente elle aussi, qui me rappelle encore une fois celle du Disintegration de Cure.Ça pourrait même être parfois un son agaçant.Mais il participe complètement à l’identité du disque : quelque chose de sombre, profond, mais lourd, qui empêche les morceaux de flotter complètement.Au milieu de tout ça, Mudriczki a une voix difficile à ignorer.Elle est immense, souvent perchée très haut, et elle donne aux chansons une dimension supplémentaire.Même lorsque la musique reste relativement simple, il chante comme s’il fallait lui donner davantage d’espace, comme un Piaf qui demande à sortir de sa cage.Mais il y a aussi des moments où le groupe ne cherche pas à remplir tout l’espace, et ça rend l’album tout aussi intéressant.Dans ces chansons plus calmes, plus dépouillées, Mudriczki montre autre chose de sa voix : quelque chose de plus androgyne, presque féminin.C’est probablement cette coexistence qui me plaît encore aujourd’hui dans ce disque.Il peut vouloir être immense et, quelques minutes plus tard, devenir beaucoup plus calme.Il peut avoir des guitares bruyantes et des passages acoustiques.Il peut donner l’impression de vouloir conquérir un stade et simplement raconter une chanson. Et puis il y a le reste, quand même. Sur les dix morceaux qui composent le disque une grosse partie tient encore parfaitement la route, trente ans après.C’est aussi pour cela que je suis retourné écouter le deuxième album récemment.Je ne l’avais pas vraiment réécouté depuis son achat. Et là, je me suis rappelé pourquoi je ne m’en souvenais pas.Le son était devenu beaucoup trop poli pour que je continue d’y croire. Les aspérités avaient en partie disparu. Tout semblait plus propre, plus maîtrisé, peut-être aussi plus facile à aimer.Ce ne fut pas mon cas. Alors retour sur Puressence , pour ce 42 ème épisode de Roule Galette . I Suppose Je suppose que I Suppose doit être le premier morceau de Puressence que j’ai connu. Je n’en mettrais pas ma main à couper, évidemment, je ne voudrais pas assombrir le tableau clinique du chroniqueur , déjà bien mal en point.Je me souviens vaguement du maxi. Mon pote Manu — celui qui m’a récemment reparlé de Puressence à propos du deuxième album — l’avait trouvé à Lille, rue de la Clé, chez un disquaire qui était un ancien vendeur de le boucherie Moderne. Le gars en avait trois ou quatre exemplaires. Évidemment, quand j’ai voulu aller l’acheter, il n’en avait plus.Je n’ai donc jamais mis la main sur le maxi de I Suppose. Et ça, trente ans après, ça m’emmerde toujours un peu. Mais, bon , ça ne m’empêche pas de dormir quand même après 3 temesta et 2 Stillnox .Le morceau, lui, contient déjà beaucoup de ce qui me plaît chez Puressence. La basse obsédante , le Delay de guitare ,la voix androgyne , les guitares saturées, l’énergie et le côté ouin ouin qui me sied parfaitement . Je vais bien , j’ suis sur que ça va aller , c’est, après tout , ce que tout le monde souhaite entendre , non ? Donc , je suppose que je vais bien . Pas vous ? Mr brown Mr brown , un morceau bien tendu , avec cette rythmique assez en avant , des guitares atmosphériques et une tension qui évoque une rencontre impromptue .On est loin du grand morceau fait pour lever les bras dans un stade. Ici, on est plutôt dans une rue mal éclairée, avec une histoire qui pourrait mal finir. Et elle finit d’ailleurs assez mal, si l’on s’intéresse aux paroles. Mr Brown raconte une rencontre qui tourne à la menace, avec de l’argent, des mensonges et cette fameuse histoire de « rubies in the glass ». Quelques années plus tard, Let Down reviendra d’ailleurs sur le personnage en annonçant sa mort. Fire Fire est un classique de Puressence, sorti en single. Il démarre sur une basse très référencée Cure, avant de laisser place à la voix androgyne de Mudriczki et de s’ouvrir sur un refrain épique qui aurait pu enflammer les stades… Pour un titre qui s’appelle Fire, ça aurait pu marcher. Il est désormais interdit d’écouter ce titre près des forêts. Every House on Every Street Every House on Every Street est un morceau plus acoustique de l’album, lorgnant moins vers le côté héroïque ou épique du groupe. Pas d’envolée de guitares ici. Au contraire, tout donne l’impression que le morceau cherche à disparaître au fur et à mesure de sa construction, allant même jusqu’à un refrain a cappella. Un morceau moins immédiat, mais tout aussi réussi. India Pour terminer, India, autre morceau sorti en single, particulièrement épique. La guitare d’entrée peut faire penser à celle de John McGeoch dans Arabian Knights de Siouxsie and the Banshees. Un titre à écouter très fort, qui alterne passages tendus et relâchés, avec cette fin épique : you can’t come back this time.C’est le dernier titre de l’album et le dernier titre de la semaine ? On se retrouve la semaine prochaine, mais pour un autre album dans Roule Galette.

Thomas Méry — A Ship, Like a Ghost, Like a CellJe me suis souvent demandé , ce qui fait que parmi tous les disques qu’on achète — certains passent le stade du disque fétiche, du disque important, de ceux qu’on connaît presque par cœur. A Ship, Like a Ghost, Like a Cell fait partie de ceux-là. Je me souviens encore très bien quand j’ai acheté ce disque il y a maintenant 20 ans . C’est un disque qui, d’une certaine manière, est entré dans mes veines.Je dis ça parce que c’est un disque très nerveux.On sent encore toute la tension qu’il y avait chez Thomas Méry, même s’il s’est fortement apaisé et qu’il est passé à une forme de folk. Il reste quelque chose de tendu, de fébrile, de malaisé derrière cette apparente douceur.Lorsque j’achète le disque, je ne sais évidemment pas encore qu’il va devenir aussi important pour moi.C’était à Lyon, en juillet 2006 — l’album venait de sortir depuis à peine deux mois. J’étais allé voir un ami et, comme chaque fois que je me retrouve dans une ville où il y a des disquaires, je n’ai évidemment pas pu m’empêcher d’aller y faire un tour.Je me retrouve chez Gibert Joseph et là, c’est un peu la folie. Il y a des disques partout, notamment au sol, avec des piles de disques en solde. Je dois en acheter une soixantaine pour à peine une centaine d’euros. En plus de tous ces disques d’occasion auxquels je ne m’attendais pas , je prends finalement une ou deux nouveautés. Mon budget est limité, et je choisis A Ship, Like a Ghost, Like a Cell de Thomas Méry parmi ces rares nouveautés.Je n’ai pas écouté mes soixante disques chez mon ami. J’attends le trajet retour vers Arras pour investiguer cela et je mets assez rapidement celui de Thomas Méry dans le discman ( ça parait si vieux !!!)La première impression est assez étrange.On quitte complètement l’univers électrique de Purr. J’avais beaucoup écouté Purr, donc la voix de Thomas Méry m’est immédiatement familière, mais tout ce qui l’entoure a changé.Il y a quelque chose de surprenant et, en même temps, de familier.Le disque n’est pas forcément facile d’accès. Derrière les chansons, il y a ces bruitages, ces collages, ces matières sonores qui viennent constamment perturber la guitare et la voix. Il y a bien une forme de folk, mais elle est rugueuse, traversée de parasites, de traitements électroniques et de petits accidents sonores. On pense davantage à Nick Drake ou Bert Jansch qu’à une musique électronique, mais on est très loin d'une folk simplement acoustique. Et je ne crois pas qu'on puisse vraiment le réduire non plus à ce qu'on appellera plus tard la folktronica.Je reste donc un peu sur ma faim après cette première écoute.Et puis arrive la fin du disque.Pieces of Your Brain.Je me souviens très précisément du moment où je l’écoute. Et surtout de cette toute fin où quelque chose se passe dans la voix de Thomas Méry. Une petite cassure, une fêlure presque imperceptible.Tout le disque était jusque-là dans une forme de retenue et, soudain, quelque chose apparaît derrière cette retenue. Quelque chose de profondément humain. Dans ce titre, il évoque une rupture, et comment la culpabilité et la demande de pardon sont encore présents dans son histoire .Je me suis dit : « Waouh… la vache. »Et j’ai remis le disque au début.Entre parenthèses , C’est aussi une des choses que j’aime avec certains albums : le fameux dernier morceau qui donne irrésistiblement envie d’appuyer sur play à nouveau. C’est aussi une des raisons pour lesquelles je pense que les CD sont beaucoup plus intéressants que les vinyles.À partir de là, le disque commence à s’installer. Je le réécoute. encore. Et encore. On s’apprivoise mutuellement .Et quelques mois plus tard, à la fin de l’année 2006, je vis moi-même une rupture. À ce moment-là, certaines choses que j’avais entendues dans le disque prennent évidemment une autre résonance. A Ship, Like a Ghost, Like a Cell devient progressivement beaucoup plus qu’un album que j’ai acheté à Lyon.Pendant toute l’année 2007, je l’écoute en boucle.C’est comme ça qu’un disque acheté parmi une soixantaine d’autres, devient l’un des disques les plus importants de ma discothèque.Pour comprendre comment Thomas Méry en est arrivé là, il faut revenir quelques années en arrière.Thomas Méry s’est d’abord fait connaître avec Purr, groupe qu’il forme au milieu des années 90 avec Stéphane Bouvier et Jérôme Lorichon. Purr publie Whales Lead to the Deep Sea en 1997 puis Open Transport en 2000 chez Prohibited. Le groupe se sépare ensuite et Méry poursuit son travail sous son propre nom.Son parcours solo va progressivement l’éloigner du son de Purr. I Matter, en 2003, témoigne déjà d'un travail beaucoup plus expérimental et électroacoustique. En 2005 vient HallonSaft, une sortie numérique . Plusieurs morceaux de cette sortie seront ensuite repris, sous des formes différentes, sur A Ship, Like a Ghost, Like a Cell. On entend encore dans HallonSaft les traces des expérimentations électroniques de I Matter.A Ship, Like a Ghost, Like a Cell paraît en 2006 chez Dora Dorovitch.Le disque déplace le centre de gravité du travail de Méry. La guitare acoustique et la voix occupent désormais la place centrale mais l’électronique, vestige de pudeur, n’a pas disparu . Elle intervient par petites touches, dans les nappes, les traitements, les bruits, les samples et les transformations de sources acoustiques.C’est probablement ce mélange qui donne au disque sa personnalité particulière.Il y a des chansons, mais elles ne sont jamais complètement séparées de la matière sonore qui les entoure. Il y a de la douceur, mais elle est régulièrement traversée par quelque chose de plus nerveux. Il y a une apparente simplicité, mais elle est constamment perturbée.Les Inrockuptibles parlaient alors d’un disque aux « contrastes violents et clignotants », susceptible de provoquer l’épilepsie, et évoquaient dans le phrasé de Méry une « nervosité latente », tout en soulignant que son propos s’était fortement calmé depuis les débuts de Purr.Je crois que c’est une assez bonne manière de décrire A Ship, Like a Ghost, Like a Cell.Parce que derrière cette folk en apparence plus apaisée, on entend encore quelque chose de l’ancien Thomas Méry. Quelque chose de tendu et de fragile. Pieces of your brain On commence donc l’écoute de cet album par la fin, avec Pieces of Your Brain. Comme je l’ai déjà dit , il s’agit du morceau qui m'a le plus profondément accroché dans ce disque, et il y a quelque chose d'assez fascinant à découvrir ce que Thomas Mery raconte de sa fabrication.Le morceau a été enregistré presque entièrement dans l'instant, sur les marches de la maison où Thomas travaillait avec Sylvain Closier, près de Toulouse. Il était tard, il improvisait, les micros avaient été installés dehors et les grillons se sont retrouvés intégrés à l'enregistrement. Rien de particulièrement construit à l’avance. C’est finalement l’un des titres ou l’électronique est la moins présente , laissant place à l’intime .. Thomas regarde en arrière, vers une histoire difficile, et tente de s'excuser de la manière dont elle s'est terminée. Il y a cette image étrange des morceaux de cerveau découpés et aplatis dans un rêve, mais surtout cette demande répétée : oublier, pardonner.Ce qui me frappe aujourd'hui, c'est le contraste entre la simplicité presque artisanale de l'enregistrement et la violence intime du texte. Et cette voix qui, à la toute fin, semble se fissurer légèrement au moment où Thomas demande pardon. Shaping Places Shaping Places est l’un des morceaux les plus anciens de l’album. Thomas explique qu’il est construit autour d’un parallèle entre ce qu’il voit depuis sa fenêtre et des souvenirs de villes du Nord.Le titre vient de cette idée de pouvoir façonner les lieux que l’on a traversés, de les faire se répondre et de les utiliser comme révélateurs les uns des autres.Le morceau évolue ensuite progressivement : à la fin, Thomas quitte les éléments concrets du décor pour revenir vers quelque chose de plus intérieur, en se demandant pourquoi il a fait ce parallèle et ce que ce qu’il voit aujourd’hui lui permet de retrouver de ce qu’il voyait alors.On retrouve également sur le morceau la guitare de Guillaume Eluerd et la voix de Marielle Martin, chanteuse de Playdoh, avec qui Thomas avait déjà travaillé.Shaping Places est donc un morceau qui part d’un paysage et d’une mémoire des lieux, pour finir par interroger ce que ces rapprochements disent de celui qui les fait. Box Model / Untitled On va enchaîner deux morceaux qui se suivent sur l’album et qui, dans le mix, semblent n’en former qu’un : Box Model et Untitled.Box Model fait référence à la manière dont sont construits les sites web. Thomas en fait une métaphore de l’enfermement : il explique qu’il se sent « enfermé », sans savoir exactement dans quoi, probablement dans sa propre tête.Il y a derrière une réflexion sur les structures et la liberté : les contraintes peuvent parfois permettre de se dépasser, et les structures peuvent paradoxalement offrir une forme de liberté. C’est justement à partir de là que le morceau bascule vers quelque chose de beaucoup plus libre.Untitled est une improvisation au piano enregistrée pendant les arrangements de l’album. Thomas était seul dans une maison qu’on lui avait prêtée et s’est installé au piano. Il dit avoir été lui-même surpris par le résultat.Il y a donc, à la suite directe de Box Model, ce morceau qui n’a pas vraiment été construit comme les autres : une improvisation captée sur le vif.Et les deux se mêlent presque naturellement sur l’album, comme si une chanson très pensée et structurée pouvait déboucher directement sur quelque chose qui, lui, ne l’était pas. As I Sit As I Sit n’apparaît pas sur l’édition originale de A Ship, Like A Ghost, Like A Cell. Le morceau avait déjà circulé sous une forme tronquée sur HallonSaft, avant de ressortir dans son intégralité sur une compilation des Balades Sonores, le disquaire parisien, puis d’être intégré à la version numérique du disque.Il s’agit pourtant d’une de mes chansons préférées de Thomas Mery. Peut-être justement parce qu’elle conserve quelque chose d’inédit, comme une pièce supplémentaire qui viendrait prolonger un album qu’on n’a pas forcément envie de voir s’arrêter. #The This ThatPour clôturer cette semaine, The This That.Thomas décrit le morceau comme une chanson autour de pensées qui s’entrechoquent, cette fois « contre les murs ». Il le rattache encore à cette histoire qui l’a beaucoup occupé à l’époque, une histoire qui, dit-il, l’a à la fois habité, effrayé, ravi et emmené assez loin.Il cite aussi explicitement Nick Drake et Bert Jansch parmi ses influences pour ce morceau, tout en prenant soin de préciser qu’il ne s’agit évidemment pas de comparaison.Mais c’est aussi la fin du titre qui m’intéresse ici : après cette partie très marquée par la guitare et la voix, le morceau finit par être happé par les nappes électroniques. Thomas explique que cette fin reflète assez bien son état de l’époque : « la tempête après le calme ».Une manière assez logique de terminer cette semaine autour de A Ship, Like A Ghost, Like A Cell : revenir à cette tension entre la folk et les matières électroniques qui traverse finalement tout le disque.

Salut a toutes et tous . Pour ce dernier roule galette de la saison , nous vous proposons un disque récent puisque sorti ce mois-ci . Comment , que se passe t il ? C’est l’approche des vacances qui lui fait enfin prendre conscience que le monde n’était pas mieux avant ? Il a engagé un stagiaire qui va enfin nous vanter les mérites du dernier maître Gims ? La canicule lui a replacé les neurones dans le bon sens ? Rien de tout cela ! Quand je parle d’un disque effectivement sorti en juin 2026 , il ne s’agit pas pour autant d’une nouveauté ! En juin 1996 , débarque le premier album de Placebo , précédé par Come home quelque mois auparavant . Une vrai déflagration , pour beaucoup . Dire que Placebo était important pour moi à l’époque , est un doux euphémisme . Je pense que mes élèves ont du entendre parler du groupe tous les jours , mais ils commençaient à comprendre le doux dingue que je pouvais être . Nous avons interviewé avec Manu de Radio C et maintenant de Sound of Violence, le groupe un nombre impressionnant de fois entre 1996 à 1998 . Notre intérêt pour le groupe virait à l’obsession . Notre première rencontre a eu lieu à notre première route du Rock en 1996 alors que le premier album était sorti depuis à peine 2 mois et restait une affaire d’initiés pour quelques happy few . Je me souviens encore de la fébrilité qui nous habitait avant l’interview et le rapide soulagement lorsque nous avions découvert que Molko mais aussi Robert Schutzberg présents à l’interview parlaient français tous les deux . Une agréable surprise , car nous avions préparé nos questions en anglais, avec la crainte de passer à côté de certaines réponses. A partir de cette rencontre , notre intérêt pour le groupe a été grandissant . Placebo a été le premier artiste que j’ai diffusé dans ma première émission de radio en octobre 1996 , on parlait placebo, on mangeait placebo , on dormait placebo … tout gravitait autour de cela . Ce premier album , je l’ai sans doute écouté jusqu’à l’écoeurement , tant et si bien qu’il ne m’est plus possible de l’écouter depuis 25 ans . L’intérêt pour le groupe a décru dès Black market music au point de ne pas avoir écouté les dernières productions plus de 5 minutes . C’est donc avec beaucoup de suspicion que j’ai vu apparaître la sortie de Placebo Recreated pour le trentième anniversaire de l’original . Le projet apparaît un peu opportuniste , comme plein d’autres artistes ont su le faire .Re-issue! Re-package! Re-package!Re-evaluate the songsDouble-pack with a photographExtra track (and a tacky badge) Clamait Morrissey dans paint a vulgar picture sur le dernier album des Smiths , lui qui ne s’est jamais privé de faire l’extrême opposé dans sa carrière future . C’est un peu l’image que j’avais lorsque j’ai pris connaissance du projet .Par acquis de conscience, par nostalgie , par curiosité , je ne saurais dire, j’ai donc lancé l’écoute de ce disque sur une plateforme de streaming pour tenter de le juger objectivement , si tant est que l’objectivité existe .Le relifting est plutôt soft, quelques guitares ajoutées par ci par là , quelques notes de claviers venant souligner les mélodies , l’ensemble est très fidèle à l’original . Dans des interviews récentes le chanteur décrit le projet comme un besoin de se réconcilier avec un disque qui lui paraissait inachevé , et ne pas prendre en compte l’évolution des titres lors des concerts . Il voulait ressortir le disque en gardant l’ADN de celui-ci et tirer profit de l’expérience acquise . En ce sens, le projet est réussi .Au niveau de la réception personnelle , le plus étonnant n’est pas que je passe mon temps à jouer au jeu des 7 différences . Le plus étonnant, c'est qu'elle m'ait donné envie de réécouter à plusieurs reprises , un disque que je croyais avoir définitivement épuisé . Teenage Angst résume assez bien l'univers du premier Placebo. Brian Molko y chante une jeunesse en décalage, tiraillée entre le désir d'être acceptée et le refus de se conformer. Trente ans plus tard, ces paroles ont sans doute perdu leur pouvoir de provocation, mais elles conservent une étonnante justesse. Bionic est la seconde chanson de la semaine . Ce titre où l’influence d’echo and the bunnymen est très palpable au niveau de la guitare , nous en avons découvert la signification en interview quand Molko nous a parlé d’un Robot fuck , soit d’un godemichet automatique qui s’emballe … Souvenir d’un gros fou rire , qui résume bien la connivence et la provocation du Molko de l’époque . Hang on to your IQ est un morceau un peu plus lent mais toujours sulfureux . Il évoque la solitude , en dépit de nombreux partenaires , de la drogue , et le besoin de se rattacher à son intelligence pour survivre . Nancy boy est sans conteste le titre qui a lancé la carrière du groupe , un. Titre agressif, volontairement provocateur , où Molko évoque des frasques sexuelles et la débauche. C’est aussi un texte qui évoque clairement l’homosexualité et la bisexualité à une époque où le sujet était assez peu médiatisé . I Know est un morceau à part sur le premier album. Brian Molko y évoque une période de rupture et de solitude à New York, et un appel passé dans une cabine téléphonique qui a directement nourri le texte. Le morceau porte une charge très personnelle, presque confessionnelle, liée à la fin d’une relation et à la difficulté de continuer seul.

Roule Galette #39 s’intéresse cette semaine à la compilation Venezuela 70 – Cosmic Visions of a Latin American Earth, parue chez Soul Jazz Records.Soul Jazz est un label que j’ai beaucoup proposé au magasin. Il y avait une vraie diversité dans leur catalogue — Studio One, funk, punk, krautrock, scènes brésiliennes, nigérianes ou vénézuéliennes — mais avec un même fil conducteur : un travail de recherche, de sélection et de mise en contexte qui dépasse largement la simple logique de compilation. Les disque sont construits comme des objets documentaires autant que musicaux. Plus que d’autres compilations de labels que j’ai découvert à l’époque du magasin , le label soul Jazz est sans aucun doute le plus représentatif de la diversité qui a petit à petit fait céder les barrières de mon confort musical . Une manière d’élargir progressivement la carte des écoutes, par zones successives : un pays, une scène, une période, un croisement inattendu. Venezuela 70 est l’une de mes compilations favorites du label pour son côté déconcertant. La compilation rassemble des enregistrements réalisés dans les années 70 au Venezuela, à un moment où le pays connaît une forte croissance économique liée au pétrole et une intense activité culturelle. Dans ce contexte, une génération de musiciens développe des formes hybrides, mêlant rock, jazz, funk, débuts de l’électronique et musiques traditionnelles locales. On retrouve des artistes comme Vytas Brenner, Angel Rada ou Pablo Schneider, qui participent à cette recherche d’un langage musical propre, entre influences anglo-américaines, héritages latino-américains et expérimentations plus ouvertes. Ce qui frappe surtout, avec le recul, c’est la liberté de ces croisements. Une musique qui n’est pas encore stabilisée dans des genres, et qui circule entre plusieurs mondes sans chercher à les hiérarchiser. Comme souvent chez Soul Jazz, il s’agit moins d’une compilation “thématique” que d’une relecture a posteriori d’un moment musical, recomposé à partir d’archives dispersées, et présenté comme une cartographie possible d’une scène. Premier arrêt avec Pablo Schneider et « Amor en llamas ». Né en 1949 dans l'est du Venezuela, Pablo Schneider débute sa carrière à la fin des années 60. Au cours des années 70, il mène plusieurs activités de front : auteur-compositeur, producteur, animateur de radio et de télévision, tout en travaillant également pour Polygram entre 1971 et 1974. Son premier album paraît en 1972 et sera suivi de plusieurs autres au cours de la décennie.« Amor en llamas » illustre une facette plus mélodique de cette scène vénézuélienne. Derrière son apparente simplicité, on retrouve ce mélange d'influences pop, rock et latino qui caractérise une grande partie des artistes réunis sur Venezuela 70. On poursuit avec Grupo C.I.M. et « Joropo n°1 ».C.I.M. signifie Grupo de Investigación Musical. Le groupe se forme au début des années 70 autour du chanteur et guitariste Elmar Leal, dans le quartier de La Cuarta Calle. Malgré une discographie très réduite — cinq singles seulement — le groupe laisse quelques enregistrements particulièrement singuliers, dont ce « Joropo n°1 » aux accents très psychédéliques.Le titre emprunte son nom au joropo, l'une des formes musicales les plus emblématiques du Venezuela, mais l'aborde de manière très libre, en mêlant tradition populaire et sonorités plus contemporaines. Une démarche qui résume assez bien l'esprit de toute cette compilation. On poursuit avec Ángel Rada et « Pánico a las 5 A.M. ».Né à Cuba en 1948 et arrivé au Venezuela alors qu'il n'avait qu'un an, Ángel Rada est l'une des figures majeures de cette scène expérimentale. Après avoir joué au début des années 70 au sein du groupe The Gas Light, il se passionne pour les possibilités offertes par la musique électronique et poursuit une partie de sa formation en Allemagne, notamment à Munich.Au fil des décennies, il développera une œuvre considérable, composée de plusieurs dizaines d'albums, devenant l'un des pionniers de la musique électronique vénézuélienne.Avec « Pánico a las 5 A.M. », on entend déjà cette curiosité pour les sons nouveaux et cette volonté de faire dialoguer modernité technologique et sensibilité latino-américaine. On poursuit avec Un Dos Tres Y Fuera et « Son de Tambor y San Juan ».Le groupe est formé au début des années 70 par Néstor et Eudis Blanco, originaires de l’est du Venezuela. Installés ensuite dans la région de Guatire, ils fondent avec le musicien Carlos Jugo le trio Un Dos Tres y… Fuera.Leur approche part d’un répertoire de joropo central, musique traditionnelle généralement interprétée de manière très réduite — harpe, voix et maracas — avant d’évoluer vers une instrumentation plus large intégrant batterie, basse, claviers et saxophone. Le groupe élargit également son répertoire vers d’autres formes populaires vénézuéliennes comme le calypso, le merengue de Caracas ou la parranda.« Son de Tambor y San Juan » s’inscrit dans cette continuité. Le morceau renvoie aux traditions afro-vénézuéliennes associées aux fêtes de San Juan, où les tambours structurent une musique à la fois rituelle et collective, très présente dans certaines régions du pays. Dernier morceau avec Vytas Brenner et « Caracas Para Locos ».Né en 1946 à Tübingen en Allemagne, Vytas Brenner arrive au Venezuela en 1949. Il devient ensuite l’une des figures importantes du rock progressif et de la musique expérimentale vénézuélienne à partir du début des années 70.Formé dans un environnement musical très ouvert, il développe une approche où se mêlent instruments électriques, synthétiseurs, éléments de musique symphonique et références aux musiques traditionnelles de son pays d’adoption. Il fait partie de ces musiciens qui contribuent à définir une forme d’identité musicale moderne au Venezuela durant cette période.« Caracas Para Locos » s’inscrit dans cette logique d’hybridation permanente entre rock, expérimentations électroniques et ancrage local, caractéristique de l’ensemble de la compilation Venezuela 70.